sábado, 10 de diciembre de 2016

GIAMBATTISTA TIÉPOLO Y EL ROCOCÓ EN VENECIA

En el siglo XVIII Venecia vive una edad de oro paradójica: empobrecida por el desplazamiento de las rutas comerciales, debilitada por la reducción de sus territorios, esta decadencia política se contradice por un excepcional florecimiento literario, musical, teatral y artístico: durante algunas décadas la Serenísima se convertirá en una de las capitales indiscutibles de la cultura europea, que irradiará al resto de Italia y a todo el continente. Venecia era también uno de los principales destinos del Grand Tour: su producción artística (además de la pintura, el cristal, los tejidos, los encajes, los muebles, ) es considerada como sinónimo de elegancia y de riqueza. Hasta 1770, antes de que se imponga el gusto por lo clásico, Venecia se disputa con París el protagonismo como capital de la elegancia y de principal mercado del arte. La clave del éxito excepcional del “estilo veneciano” en las cortes europeas, se debe a la recuperación de los modelos más fastuosos y grandiosos del siglo XVI (sobre todo Tiziano y Veronese), reanudando así con una tradición que había conocido fases de retroceso durante el siglo XVII. La escuela veneciana cuenta con artistas de excepción en todos los sectores de la pintura: Ricci, Piazzetta y Tiepolo son los maestros de las grandes decoraciones sagradas y profanas; Canaletto, Bellotto y Guardi realizan incomparables obras de arte del vedutismo; Pietro Longhi y Giandomenico Tiepolo ilustran la sátira social; la retratista Rosalba Carriera, especialista en la técnica del pastel, es aclamada en toda Europa. Cuatro años después de la muerte de Francesco Guardi, Venecia cae en manos de Napoleón y con ello finaliza definitivamente una época gloriosa, en la que la pintura veneciana alcanzó cumbres incomparables.

La fama de Tiepolo (Venecia 1696- Madrid 1770) se debe a las pinturas murales que realizó en los palacios y en las Cortes principescas, pero se le considera sobre todo como un artista versátil, capaz de trabajar en espacios totalmente diferentes  y adaptarse a temas diversos, utilizando distintas técnicas y dimensiones. Atraído por las obras de Piazzetta y de Sebastiano Ricci, abandona las tinieblas barrocas para abrirse a escenas luminosas, inspiradas del Renacimiento veneciano. Tiepolo era conocido sobre todo por sus frescos gigantescos, y en el siglo XVIII, en toda Europa, se solicitaba a los artistas italianos para la decoración de palacios u otros edificios. Italia conservaba desde hacía siglos una tradición pictórica de pintura al fresco, técnica que ya habían utilizado los pintores más importantes de la escuela veneciana. Tiepolo obtiene su primer éxito con la decoración de la galería del palacio del arzobispo de Udine (1726) verdadera explosión de luz y color. A partir de entonces se sucederán los encargos privados o públicos.

Raquel escondiendo los ídolos, fresco, 1726-1729,  (Udine, Palacio Arzobispal). El ciclo para el arzobispo de Udine que representa las “Historias bíblicas” y la “Caída de los ángeles rebeldes” está considerado como la obra maestra de juventud de Tiepolo.

Hagar en el desierto, 1726-1729,  (Udine, Palazzo Patriarcale)
Siguiendo el ejemplo de Sebastiano Ricci, Tiepolo se dedicó al estudio de las obras de Veronese, representando la armoniosa complejidad de la composición y la intensidad luminosa de la gama cromática de aquel pintor. Ello se hace particularmente evidente en los frescos milaneses de 1731, obras llenas de alegría y fantasía, donde Tiepolo hace una amalgama estilística entre Veronese y escenografía teatral. Para sus decoraciones, Tiepolo utiliza a menudo colaboradores escenográficos como Mengozzi Colonna,  que colaboró con él en la decoración de la sala de baile del palacio Labia de Venecia (1746-47). Las arquitecturas pintadas de Mengozzi contienen las dos grandes escenas de Tiepolo: el “Encuentro de Antonio y Cleopatra” y el “Festín de Cleopatra”. El tema de estas escenas: una reina oriental seduciendo a un conquistador romano, hace alusión al comitente, y también a Venecia. El virtuosismo de este gran y último decorador que era Tiepolo se pone también de manifiesto en la harmonía de los colores de tonos fríos.

Mecenas ofrece las Bellas Artes al emperador Augusto, 1743 (San Petersburgo, Museo del Hermitage). Se trata de un encargo del gran erudito y coleccionista de arte Francesco Algarotti para el conde Brühl, importante personaje de la corte de Sajonia: el palacio que se ve al fondo es la residencia del conde en Dresde, a orillas del Elba. El pórtico corintio de inspiración palladiana, recuerda la decoración en los cuadros con “cenas” de Veronese y confirma la referencia al arte italiano del Renacimiento. Los radiantes colores, las luces difusas, la teatralidad de los trajes y los gestos, los deliciosos episodios “menores” que enriquecen la escena, justifican la fama de Tiepolo como principal maestro de la gran decoración rococó en Europa.

Rinaldo embrujado por Armida, hacia 1745 (Chicago, Art Institute). Esta tela formaba parte de un ciclo de cuatro, basado en un episodio amoroso del poema épico “Jerusalén liberada” de Tasso, una obra de la literatura italiana que Tiepolo representa en varias ocasiones, mezclando seducción y nostalgia, magia y abandono en un entorno de conmovedora belleza.
Llegado a la cumbre de la fama, Tiepolo va a producir obras todavía más sorprendentes e imaginativas. En sus grandes pinturas venecianas de la Scuola del Carmine y del Palazzo Labia, se desata su fuerza creativa y su gusto por la alegoría. En 1750 se instala en Würzburg: los frescos de la Residenz constituyen la cumbre absoluta del rococó europeo y, por esa misma razón, anuncian también el comienzo de su decadencia. En 1762, acompañado de su hijo y de varios colaboradores, se traslada a Madrid donde realiza los frescos de varias estancias del Palacio Real y de la sala del trono. Pero el gusto por lo clásico que se impone, y la pintura innovadora y poderosa de Goya va ha dejar obsoleta la imaginación deformadora de Tiepolo. El gran pintor muere en Madrid casi en el olvido.

La investidura de Herold como duque de Franconia, 1751 (Residenz, Würzburg). En los frescos de la bóveda de la Sala Imperial de la Residenz, los tonos han sido atenuados hasta en las zonas más oscuras; ello con el fin de acentuar la suntuosidad del acontecimiento. El tema de estas pinturas es sacado de la historia del episcopado. En 1156, el emperador Federico Barbarroja se había casado con Beatriz de Borgoña, y fue también en la misma época cuando el obispo Herold de Wurtzbourg recibió en feudo el ducado de Franconia.

La muerte de Jacinto, 1752-1753 (Madrid, Museo Thyssen Bornemisza). Este cuadro fue realizado durante la estancia del artista en Würzburg. El tema se basa en las Metamorfosis de Ovidio y hace referencia al fatal desenlace del amor del dios Apolo por Jacinto. Según el relato clásico, Apolo, fascinado por la belleza del príncipe de Esparta, cayó bajo su encanto. Pero no era el único que había sucumbido. Así, mientras Apolo enseñaba a Jacinto a lanzar el disco, Céfiro, el dios griego del viento del oeste, celoso, hizo desviar el objeto con el fin de golpear a Jacinto, quien herido en la frente, murió al instante. De la sangre que fluía de la herida, Apolo hizo nacer una flor, el jacinto, pintada por Tiepolo en un magnífico ramo en el extremo derecho del cuadro.

Pero Tiepolo propone una interpretación bastante libre del objeto que mató a Jacinto, al parecer una pelota de tenis, como las que se hallan en el suelo al lado de una raqueta. Una tercera pelota, la cual, a juzgar por la posición de sus dedos, Jacinto sostenía justo antes del accidente, ha rodado a través de las baldosas hasta acabar en el lado izquierdo de la composición. Además, al fondo de la composición vemos una red de tenis detrás del grupo de espectadores que contemplan el suceso. Esta licencia respecto a la verdadera historia, proviene de la traducción que hizo de Ovidio, Giovanni Andrea dell’Anguillara en 1561, donde reemplazó el disco por una pelota de tenis. La sutil ironía que caracterizan las composiciones de Tiepolo, se hace evidente en la figura semidesnuda de un Jacinto recostado en el suelo, el hematoma bien visible en la mejilla para indicar su herida, y la mirada angustiada de Apolo.



Neptuno ofrece los dones del mar a Venecia, 1748-1750 (Venecia, Palacio Ducal). Según la tradición, Neptuno, dios de la mar, es representado bajo los rasgos de un anciano de cabellos largos y barba blanca. El personaje que asoma la cabeza detrás del dios, sostiene uno de sus atributos iconográficos, el tridente. La figura alegórica de Venecia, reina de los Mares, va vestida con una capa de armiño como la que lleva el dux quien ocupa el más alto cargo de la República Serenísima. La presencia del león permite identificar en esta figura femenina el símbolo de la República de Venecia.


http://es.wahooart.com/A55A04/w.nsf/O/BRUE-7YUDEH/$File/Giovanni+Battista+Tiepolo+-+Hagar+in+the+Wilderness+.JPG
http://www.aparences.net/es/periodos/rococo/el-rococo-en-venecia/
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