miércoles, 30 de noviembre de 2016

EL ARTE Y LA ARENA


Con intrincados diseños que ofrecen paisajes, templos y hasta una catedral gigante, uno pensaría que estas obras deberían estar expuestas en una galería de arte.

Pero las increíbles piezas están hechas de arena y desafortunadamente para sus artistas, sus detallados diseños solo duran horas, o en el mejor de los casos, días.

Esculturas de arena de Joo Heng Tang

Esculturas de arena de Joo Heng Tang
Nadie sabe cuando se hizo la primera escultura de arena. Algunas hipótesis dicen que pudo ser en el antiguo Egipto, dónde se hacían previamente con arena lo que luego serían las pirámides y otros monumentos. A diferencia de las construcciones hechas con piedra, la duración de este tipo de esculturas es muy efímera.


Esculturas de arena de Joo Heng Tang
 Como bien sabemos, la arena mojada no se endurece, como el cemento. Tan pronto como se seca, se derrumba. La proporción ideal para la construcción de estatuas de arena es 8:1. Es decir, 8 partes de arena por una de agua, aunque esto no es una ciencia exacta. Existen algunos matices.


Esculturas de arena de Joo Heng Tang
 Gran diseño. Uno de los trabajos más espectaculares de Joo Heng Tan es esta espectacular catedral, con ventanas y torres.

Esculturas de arena de Joo Heng Tang
Otra impresionante escultura.

Esculturas de arena de Joo Heng Tang
 El dragón. Una bestia mítica hecha enteramente con arena.

Esculturas de arena de Joo Heng Tang
Instrumentos musicales en esta obra de inspiración asiática.

Esculturas de arena de Joo Heng Tang
 Un R2D2 hecho de arena, y no, no está en una playa muy muy lejana. Está en la tierra.

Esculturas de arena de Joo Heng Tang
Otro dragón y un guerrero. Parece increíble que esta obra esté hecha con la humilde arena y un poco de agua.

Esculturas de arena de Joo Heng Tang
Diosas y seres mitológicos son algo recurrente en la obra de  Joo Heng Tang, que realiza en playas de todo el mundo.

Esculturas de arena de Joo Heng Tang
El esqueleto de un pez gigante con complejos rostros humanos.

Esculturas de arena de Joo Heng Tang
 Shangri-La (un país de ficción descrito por el escritor James Hilton en su novela de ficción "Lost Horizon" de 1933 )

Esta super-feroz celebración a los villanos de Disney.

http://www.anayatouring.com/wp-content/uploads/2014/06/Festival-de-esculturas-de-arena-de-B%C3%A9lgica-Brujas-2006-Historias-milenarias.jpg
http://www.husmeandoporlared.com/2013/07/esculturas-de-arena-joo-heng-tang.html
https://img.buzzfeed.com/buzzfeed-static/static/2015-05/19/18/enhanced/webdr10/enhanced-buzz-wide-4060-1432073516-7.jpg

lunes, 28 de noviembre de 2016

LOUIS MARIE DE SCHRYVER...LA PINTURA DE AMBIENTES Y DE MODA

Louis Marie de Schryver, quien se encontraba en París cuando la ciudad ya estaba consolidada como la ‘capital de Europa’ y sería de interés no solamente para cientos de viajeros, sino motivo de inspiración para poetas, literatos y pintores nativos y extranjeros.
A finales del siglo XIX, París brindaba a los visitantes poder transitar por una ciudad cuyo embellecimiento (iniciado a partir del Segundo Imperio, entre 1852 y 1870), había sido concluido. De la mano Napoleón III y el barón Haussmann, se crearon nuevas avenidas y calles, se restauraron las fachadas, se remodelaron los espacios verdes, el mobiliario urbano, y se efectuaron trabajos de conservación en monumentos públicos. Con estas grandes obras, la ciudad se promovió por todo el mundo, sustituyéndose los estrechos callejones del viejo París por los anchos bulevares y las grandes plazas.
Poco después de haber nacido Louis de Schryver, los pintores impresionistas comenzaron a utilizar la vida de París para sus creaciones. Cada aspecto de la cotidianidad de la ciudad constituyó tema de interés para estos y otros artistas que descubrieron una actividad inusual hasta el momento: el movimiento de una urbe que iría en ascenso. Los cafés de moda, las tiendas -tanto de los grandes modistos de alta costura como los ya construidos grandes almacenes-, alentaban a la población a salir a la calle y poder pasear por las amplias avenidas o disfrutar de los parques o monumentos. Y parte de esas actividades fueron retratadas por pintores como Louis Marie de Schryver.
Nacido en París, en 1862, el padre de Louis de Schyrver era periodista de cierto renombre, pero su hijo desde pequeño demostró poseer vocación y aptitudes para la pintura. A los 12 años realizó su primera exposición de dos obras (bodegones), aún sin haber recibido instrucción académica como pintor. A partir de entonces comenzó a estudiar bajo la tutela de Philippe Rousseau, hasta que se instaló por su cuenta, obteniendo a la edad de 17 años una medalla de bronce en la Feria Internacional de Sydney.
Louis de Schyrver continuó pintando bodegones hasta que comenzó a realizar retratos y escenas callejeras. Hacia 1886 se centró en la temática de la vida diaria en París, a la par que recibiera encargos de retratos de familias de la alta sociedad francesa. Especialmente famosas se hicieron sus obras de la serie “Le Premier Jour de Printemps” (‘El primer día de primavera’), por la que recibió un premio en el Salón de París de 1886.
Continuó cosechando éxitos y hasta 1900 mantuvo su estudio en el centro de París, por lo que le resultaba muy fácil salir y encontrar inspiración en cualquiera de las calles o los parques, visualizando el movimiento de los transeúntes, de los vendedores callejeros, del paseo de mujeres y niños. En la Exposición Universal de 1900 obtuvo una medalla de oro por una de sus obras.
La mirada de Schryver sobre París se destacaba de la de sus contemporáneos por la espontaneidad que reflejaba en las escenas retratadas. Trasmitía un especial sentimiento en cada obra. Su serie sobre las vendedoras de flores (algunas de las cuales ilustran esta publicación) poseen la cualidad de reflejar los estados de ánimo de compradora y vendedora…
11-louis-marie-de-schryver-2
 “La vendedora de flores” (1890)
Con cierto aire de ingenuidad, los representantes de las clases más acomodadas entran en perfecta armonía con las de las clases humildes. Los rostros así lo demuestran, como también las miradas de los niños, muchas veces retratados en compañía de sus madres o cuidadoras.
Buying The Flowers, Champs Elysées, Paris
 “Vendiendo flores en los Campos Elíseos” (1890’)
No queda duda que el artista quería reflejar, sobre todo, a los miembros de la alta sociedad parisina. Por ello, en sus obras ocupa un lugar destacado la apariencia de estos. Sus cuadros recorren varias de los estilos del vestir femenino entre 1980 y 1900. Con una pincelada suelta, de Schryver describe la silueta de las damas de los últimos años de la moda del polisón, pasa por la típica de los años 1890’s (silueta ‘reloj de arena’), hasta apuntar el inicio de la ‘sylphide’, propia del nuevo siglo XX.
Schryver_Louis_Marie_de_The_Flower_Seller_1886_Oil_on_Canvas-large
 “Vendiendo flores” (1886)
Art-Reproduction-A-Flower-Seller-on-the-Champs-Elysees-by-Louis-Marie-de-Schryver-Canvas-Prints
“Vendiendo flores en los Campos Elíseos” (1890’)
Dedica el pintor un especial cuidado para reproducir los tejidos, las sedas estampadas, las finas organzas y los encajes de las blusas, tímidamente asomadas por las chaquetas de los vestidos ‘trotteur’. Detalla asimismo los complementos y accesorios: tocados (con sus correspondientes cintas, flores, plumas y lazos), guantes, parasoles…
Flower Market – Give Me A Price
“Mercado de flores: dame un precio” (1897’)
Todo ello dentro de escenarios privilegiados: la avenida de los Campos Eliseos, frente al Arco de Triunfo, la Rue Royale, cerca del Obelisco, delante del ‘Hôtel National des Invalides… destacando en los fondos los ricos carruajes, las fachadas monumentales y, en algunos casos, la entrada a tiendas de moda. Así, Louis de Schyrver llama la atención sobre una ciudad que marcaría la modernidad europea, por su bullicio y movimiento, pero recordando siempre la presencia del patrimonio cultural que la sustenta como legado del pasado.
El final de la carrera 
https://vestuarioescenico.wordpress.com/2016/02/28/louis-marie-de-schryver-pintor-de-ambientes-y-de-moda/
http://data16.gallery.ru/albums/gallery/183231-7e619-80279622-m750x740-ueeef3.jpg
http://www.histoire-image.org/photo/zoom/gal22_schryver_001f.jpg
http://www.rehs.com/images/louis_de_schryver_b1068_apres_laverse_place_du_theatre_francais_small.jpg

domingo, 27 de noviembre de 2016

FINALES DEL SIGLO XIX...LOS NUEVOS HÁBITOS Y SU REFLEJO EN LA PINTURA DE PARIS



A lo largo del siglo XIX, la sociedad europea sufrió cambios profundos. De la división estamental propia del Antiguo Régimen (estructurada en los ‘tres estados’: clero, nobleza y estado llano) se pasó a una división en clases, basada en una mayor movilidad social. La nobleza vio perder su hegemonía a favor de la burguesía, aunque durante un tiempo, consiguió adaptarse a la nueva sociedad.
La sociedad del Antiguo Régimen se basaba en el principio de la desigualdad jurídica, lo que comportaba desigualdad económica y política. Con la nueva estructura social, los individuos pertenecientes a una clase social se definirían según su posición económica. Pero entre la aristocracia y la alta burguesía se produjo una especie de proceso de simbiosis, pues de esa nobleza llegó a introducirse en el mundo de los negocios y algunos miembros de la alta burguesía consiguieron ennoblecerse. Es así como el siglo XIX constituyó una etapa de grandes cambios, dentro de los cuales, el estilo de vida de la nueva clase poderosa se impuso cambiando las costumbres, los modos y las modas.
Uno de las trasformaciones más significativas fue la modernización y embellecimiento de las ciudades. La planificación urbanística con el trazado de calles amplias y rectas en el centro de las viejas ciudades, la expansión o ensanches derribando las murallas y el diseño de los nuevos barrios. Emerge una vida urbana con nuevos espacios para el ocio. Los cafés, teatros, las ferias, los bulevares…, potencian una actividad febril nunca vista…a ello se sumarían, en la segunda mitad del siglo, las casas de moda y los grandes almacenes.
Recordemos que la adquisición de los elementos del vestir, por parte de las clases pudientes, durante siglos, se realizaba en el domicilio de los clientes. El tipo de vida de la aristocracia cortesana, establecido sobre estrictas normas y el ceremonial de la etiqueta, limitaba el acceso de sus miembros a las ciudades. La actividad que desarrollaba la nobleza se centraba en los palacios, sus salones, sus jardines, o las vastas posesiones para ocupar el tiempo de ocio….generalmente, muy retiradas de los centros urbanos.
La nueva estructura de la sociedad del siglo XIX transforma, en pocas décadas los hábitos en la sociabilidad. Y, en el caso de las mujeres, éstas comienzan a ‘tomar las calles’ de las ciudades. Y París se convertiría en la ciudad moderna por excelencia donde uno de los mayores reclamos está relacionado con el consumo de artículos relacionados con la apariencia.
De 1852 a 1870 se produce el embellecimiento de la capital francesa, llevadas a cabo por Napoleón III y el barón Haussmann. Se reformaron todos los espacios, tanto en el corazón de París, como en los barrios periféricos: calles y bulevares, restauración de fachadas, remodelación de los espacios verdes, mobiliario urbano, creación de un alcantarillado y trabajos de conservación en monumentos públicos.
A todo ello, debe sumarse la incesante aparición de los nuevos centros dedicado a la venta de artículos de moda: las galerías, arcadas, bazares y los grandes almacenes. Verdaderas catedrales para el consumo, éstos se convierten en centros de la nueva sociabilidad burguesa. Las novedosas estrategias del mercado, propician que las damas, en solitario, con sus amigas o familia, salgan de sus casas para dedicar su tiempo libre a algo que, hasta la fecha, constituye uno de los placeres del individuo: ir de compas.
La febril actividad de París ha sido retratada por los artistas de la época. Literatura y pintura reflejan el incesante movimiento en sus calles, algunos con mirada crítica y otros con la visión amable y pintoresca de sus visitantes. Dentro de estos últimos, hemos seleccionado algunas de las obras de dos pintores: Basile Lemeunier (1852-1922) y Jean-Georges Beraud (1849-1935)
Lemeunier nació en el pequeño pueblo de Normandía, donde comenzó desde muy joven a pintar con el reconocimiento de las autoridades locales, por lo que le es concedida una beca de dos años para continuar sus estudios en París, ciudad donde desarrolló la mayor parte de su obra y se integró a la actividad de los proyectos de remodelación, a cargo de decoraciones interiores de diversos monumentos. Además de retratos, se destacó por tratar la temática de escenas de la vida contemporánea y de las calles de París.
Basile Lemeunier: (De compras por París), 1898


Basile Lemeunier: (La chica de los recados), 1898

Basile Lemeunier: (En las calles de París”) 1898
Beraud, nacido en San Petersburgo, Rusia, era hijo de un escultor francés de cierta fama quien decide trabajar en Rusia. A su muerte, la madre regresó a Francia con sus hijos, instalándose en París. Beraud, desarrolló estudios de derecho, ejerciendo durante un tiempo como abogado. En 1872 decidió acudir a las clases de Léon Bonnat, uno de los artistas más influyentes del momento, ocupando un taller en el barrio de Montmartre. Al año siguiente deja el taller para exponer en ‘El Salón’, la gran cita anual del arte. Su obra comenzó a destacarse en 1876, precisamente debido a un cuadro sobre una escena de calle parisiense, tema que repite en muchas de sus pinturas.

Jean-Georges Beraud. (Le trottin)

Jean-Georges Beraud. (La Devanture du Couturier Doucet)
En sus obras vemos a las damas vestidas a la moda de finales del siglo XIX llevando consigo los objetos adquiridos en las tiendas. Cajas de sombreros o de zapatos acompañan a estas mujeres una de las cuales retrató Jean-Georges Beraud saliendo de la Maison de Doucet. A punto de subir al carruaje, es acompañada por una empleada de la Maison quien le sujeta la gran caja en la cual llevaría algún accesorio o prenda de moda.
Visión amable de una ciudad y sus habitantes, sin reflejar, por supuesto, los barrios donde se hacinaban la ya numerosa clase proletaria…pero ellos, no consumían la moda que se promocionaba en los escaparates de estas nuevas edificaciones del bello París.
Jean Georges Beraud
Jean Georges Beraud (Boulevard des Capucines)
Jean Georges Beraud (Carruajes Campos Eliseos)
Jean Georges Beraud (Boulevard des Capucines )
Jean Georges Beraud (A Windy Day on the Pont des Art)
Jean Georges Beraud (zhan bero)
Jean Georges Beraud (Boulevard des capucines)
Jean Georges Béraud Fuera del teatro Vaudeville
Jean Beraud Painting - Sortant De La Madeleine 
https://vestuarioescenico.wordpress.com/2016/01/13/los-nuevos-habitos-de-consumo-su-reflejo-en-la-pintura-en-paris-finales-del-siglo-xix/
http://cp14.nevsepic.com.ua/227/22666/1396459027-dom-mody-kutyure-dyuse-37.4-h-45.7-sm-maslo-panel.jpg
http://img1.goodfon.ru/original/2856x2059/1/56/zhan-bero-jean-braud-parizh.jpg
http://www.repro-tableaux.com/kunst/jean_beraud/the_boulevard_des_capucines_an_hi.jpg
http://www.repro-tableaux.com/kunst/jean_beraud/the_boulevard_des_capucines_an_hi.jpg
http://www.mifondodepantallagratis.net/artistic/wallpapers/jean-beraud-sortant-de-la-madeleine.jpg

sábado, 26 de noviembre de 2016

AGUSTIN LESAGE...ART BRUT


Augustin Lesage , nacido el 09 de agosto de 1876 en Saint-Pierre-lez-Auchel ( Pas-de-Calais ), murió el 21 de febrero 1954 , fue un pintor francés inclasificable. Se adjunta a la moción espiritualista , estudiada por André Breton, que se integra en la colección de l'Art Brut , como una importante figura 




Augustin Lesage fue un pintor de principios del siglo XX, representante del movimiento espiritista, cuyos trabajos destacan por la ornamentación, la simetría y el color. La obra de Lesage ha sido catalogada también como Pintura Automática o Psíquica, fenómeno donde la persona, sin ser un artista entrenado es capaz de producir excepcionales obras de arte, generalmente en un período muy breve de tiempo, y supuestamente bajo el control de una entidad espiritual.





Muchas de las obras de Lesage presentan una simetría parcial y en ocasiones total, donde la pintura se va desarrollando en torno a una línea central, dada la composición de carácter monumental, donde algunos de sus lienzos evocan a composiciones arquitectónicas.  Lesage llegó a la cima de su arte durante los años 20, a través de composiciones abstractas grandes (en promedio entre 1 y 2 metros), que consistían en una sucesión de patrones repetitivos, principalmente de capas horizontales cada vez más profundas (se cree que a raíz del trabajo que ejerció como minero) y con un  ritmo de progreso en sus obras muy rápido.




Pero el aporte más importante de la obra de este artista se refiere a que su estética simétrica, geométrica y formal anticipa tres de los grandes movimientos artísticos del siglo XX:  el arte abstracto (que se reconoce desde Kandinsky en 1910, y Malevich en 1915), el surrealismo (que comienza cerca de 1917) y el art brut ( que aparece en 1945).





Desde el punto de vista cromático, la obra de Lesage se caracteriza por una gran cantidad de matices, yuxtapuestos, que van generando texturas y ambientes. El artista comienza sus obras con un par o trío de colores primarios, los que luego va dividiendo, fragmentando, transportando junto a espirales y formas geométricas, y de esta manera dan orígen a un gran conjunto de matices diversos, que completan las obras.





Con esta técnica que se inicia a partir de colores primarios, las pinturas obtenían una apariencia muy saturada o brillante, ya que  Lesage generalmente utilizaba los pigmentos de tonos más puros, preferiblemente con un pincel para cada uno. Además aplicaba cantidades muy grandes de pigmento, pero distribuyéndo los colores en pequeños puntos de luz, en algunas ocasiones, o como figuras ornamentales en relieve, en otras. De esta manera un mismo color podía aparecer como fondo en zonas del cuadro, y luego como figura, en otras zonas del mismo.





Lesage desarrollaba esta tecnica de alternancia cromática de manera intuitiva, casi adelantándose al estudio de la interacción del color que tuviera lugar los años posteriores a 1920, en el marco de la Bauhaus, a cargo de Johannes Itten en un principio y de Josef Albers más adelante. Otro de los recursos que Lesage aplicó dentro de su obra se relaciona con la mezcla óptica, que permite distinguir un color general, de una multitud de pequeñas porciones de otros colores que lo componen.





Augustin Lesage realizó más de 300 obras, sus primeras pinturas fueron consideradas especímenes de los más atrevidos del arte moderno y exploró casi todas las posibilidades de la abstracción geométrica. Ya con la vista muy deteriorada debió resignarse a dejar los pinceles en el año 1952, dos años antes de su muerte.



Augustin Lesage nació en Saint-Pierre-lez-Auchel el 09 de agosto 1876 . A los 7 años, perdió a su hermana menor María, de cuatro años. En la región minera del norte de Francia, era natural que comenzara a trabajar en la mina a los14 años después de su certificado de estudios . Pero esta vez es su madre quien, ese mismo año, murió de cáncer del labio. A los 18 años, conoció a su futura esposa, con quien tuvo una hija en 1895 . A los 20 años, fue reclutado por los regimientos de Dunkerque y Lille, de donde regresó en 1900 para hacerse cargo de "la existencia de un trabajador sencillo y duro en la mina."
Una noche de 1911 , cuando tenía treinta y cinco años, oyó una voz profunda en la mina, asustado oyó: "Un día serás un pintor ". El mensaje se repitió poco después, y la voz - el sentido de sonido de la palabra - no lo escucho más de una vez. Al año siguiente, fue iniciado en el espiritismo y participó en sus primeras sesiones. Allí, bajo el impulso de lo que él piensa es el espíritu de su hermana María, que murió a la edad de cuatro años, comenzó sus primeros dibujos automáticos.
Desde julio de 1913 , Augustin Lesage, dejó de trabajar en la mina para dedicarse a las actividades curativas. Decenas de pacientes afirmaron haber sido curados por él, y tuvo éxito en la obtención de su absolución en el tribunal que en enero de 1914 , lo juzgó por ejercicio ilegal de la medicina . A continuación, fue a la guerra entre 1914 y 1916.  A su regreso, volvió a la pintura que nunca va a dejar más tiempo hasta su muerte.
En 1921 recibió la visita de John Meyer, director de la Revista Espiritista . Este rápidamente se convirtió en su mecenas, lo que permitió a Augustin Lesage, finalmente salir de la mina en 1923 para dedicarse por entero a la pintura.
dejó cerca de 300 pinturas divididas en colecciones privadas y públicas

https://s-media-cache-ak0.pinimg.com/originals/27/37/9e/27379e5270a99b47c4823db98aa5bb5d.jpg
http://vacioesformaformaesvacio.blogspot.com.es/2012/02/augustin-lasage-art-brut.html

jueves, 24 de noviembre de 2016

JOHN CONSTABLE Y EL PAISAJE RURAL INGLÉS


Junto con otros artistas, John Constable reacciona contra una tradición paisajista clasicista, pintando del natural, con el fin de poder representar los efectos de la luz en el agua, los árboles y los campos. En sus escritos teóricos, Constable afirma que el cielo y las nubes son elementos esenciales del paisaje. Cuando representa escenas de su Suffolk natal, de la costa meridional de Inglaterra y de los campos de Salisbury, el pintor expresa en telas y acuarelas una profunda emoción ante la belleza y la armonía de la naturaleza, aunque en ellas se vean indicios de actividad humana: carros, viviendas campesinas o catedrales.

La Catedral de Salisbury, hacia 1825 (Nueva York, Metropolitan Museum of Art). La ciudad de Salisbury, su catedral y sus prados pantanosos aparecen en numerosas obras de Constable y simbolizan la armonía entre la naturaleza y el trabajo del hombre que representa la gran catedral. Con su flecha pálida y aérea surgiendo entre las masas sombrías de los árboles, Constable ha sabido interpretar toda la majestuosidad de esta bella arquitectura de la Edad Media inglesa.

A la izquierda del cuadro, Constable representa a John Fisher, obispo de Salisbury en compañía de su esposa, que residían al lado de la catedral. Amigo y mecenas del artista, es en su casa donde el pintor buscará refugio y consuelo en 1828, angustiado por la muerte de su esposa.
El gran pintor  Delacroix nunca ocultó su admiración por la pintura de Constable. El 9 de noviembre de 1823 lo anotaba en su diario: “Hoy he visto un increíble y admirable boceto de Constable.” Al año siguiente, después de haber descubierto otras obras del pintor expuestas en el Salón de París proseguía: “Este Constable me hace sentir bien”. Delacroix conocía pues las dos clases de obras producidas por Constable, un boceto que admiraba particularmente y cuadros “acabados” listos para ser expuestos, entre los cuales “El carro de heno” de 1821 y una “Vista desde Hampstead”.

El carro de heno, 1821 (Londres, National Gallery). Constable ejecutó esta gran tela partiendo de bocetos y estudios realizados en el campo, durante los inviernos que pasaba en Londres. La vista da sobre la casa del granjero Willy Lott, situada cerca del Molino de Flatford que explotaba el padre de Constable. El cuadro suscitó la admiración de los amigos del artista, pero no obtuvo ningún éxito en las exposiciones londinenses. En 1823, Constable lo vendió junto con otros dos cuadros, a un comerciante anglo-francés que los expuso en París y en Lille. A partir de entonces el trabajo del artista fue finalmente comprendido, en particular por pintores como Delacroix.
En El carro de heno de John Constable eligió pintar un paisaje rural que se extiende en la distancia en prados bañados por el sol, compensado por las frescas aguas de la piscina en el primer plano. El tema de esta pintura es en gran medida la vida rural y la belleza del paisaje que el artista quería tanto. 
 La propia carreta de heno es un tipo de carro tirado por caballos, que habría sido una pieza común de material agrícola utilizado durante la juventud del artista. 
La casa rural en la izquierda de la imagen se alquila por un granjero y se coloca detrás de Flatford Mill , propiedad del padre de Constable. Al otro lado del prado en la distancia a la derecha, un grupo de segadores se puede ver trabajando. 


Los trabajadores agrícolas están trabajando duro, pero parecen sostuvieron y están rodeados por un paisaje precioso.Todos estos aspectos ilustran visión idílica de Constable de su casa del condado de Suffolk. 
Hombre ligado a la tierra, Constable tenía un estrecho vínculo afectivo con la región de la East Anglia que lo había visto nacer, y era lo que él quería pintar, sin idealizaciones ni encantos adicionales. Las acuarelas de Girtin y “Agar y el ángel” de Claude Lorrain fueron, según su biógrafo, los primeras obras que le sirvieron de “guía para el estudio de la naturaleza”. Ruysdael, Rubens, Wilson y Annibale Carraccifiguran entre los demás “guías fiables”, cuyas obras copió durante su juventud. En su país, su arte suscitó una cierta perplejidad y tuvo que esperar hasta 1829 para ser admitido, por mayoría de un solo voto, como miembro de la Royal Academy. Su biógrafo escribía acerca de Constable: “tengo la impresión de ver algo de Gainsborough en cada seto y en cada árbol hueco”. Fue influido también por los pintores contemporáneos, y siempre se acordaría del consejo que le dio Benjamin West cuando presidía la Royal Academy: “No olvidéis nunca, señor, que las luces y las sombras nunca están inmóviles " en vuestros cielos... buscad siempre la misma luminosidad y los efectos más sombríos... vuestros negros deben parecerse a los de la plata y no a los del plomo o la pizarra.”

El molino de Flatford, 1817,(Londres, Tate Gallery). El padre de Constable era un rico granjero de Suffolk, dueño entre otras cosas de dos molinos. “Cuando miro un molino pintado por John, dijo un día el hermano del pintor, veo que va a ponerse a girar, lo que no pasa en los que están pintados por otros artistas.” Toda la belleza de esta pintura se debe a su cielo, un verdadero paisaje nuboso: masas de nubes que emergen del horizonte para formar la bóveda celeste. El artista realizó durante años numerosos estudios sobre el color y la forma de las nubes.

Sin embargo la opinión de Constable idílica de la Inglaterra rural fue durante toda su carrera es poco probable que había tanta calma y la felicidad en el campo durante este período.Debido al inicio de la revolución industrial en el siglo 19, muchos campesinos se encontraban fuera de puestos de trabajo como trabajo agrícola se hizo más industrializado y máquinas reduce la mano de obra necesaria para la cosecha y mantener los cultivos y animales. Grandes áreas de Gran Bretaña también vieron revueltas y disturbios entre las comunidades rurales que fueron afectados por las pérdidas de empleo. 
Puede ser que la policía no pintó imágenes de estos problemas porque no quería llamar la atención de la propia paisaje natural. En The Hay Wain los trabajadores se adaptan felizmente con la naturaleza y vivir en armonía con la zona. 
Por otro lado, la admisión de los verdaderos trabajadores del campo de relación tenía con la tierra podría haber sido debido a la revolución industrial, simplemente no afectó Constable;provenía de una familia rica y la revolución sólo sirvió para hacer ricos a los ricos. 
A través de familiares, amigos y socios de negocios Constable fue expuesto a lo que se consideraba el mejor arte de su tiempo y esto le llevó a desarrollar su propio estilo de pintura que se ilustra en el carro de heno.
Stonnehenge  Victoria and Albert Museum. Constable pintó esta acuarela en un momento triste en su vida. Tanto su esposa, María, y su mejor amigo, John Fisher, habían muerto, y sus dos hijos mayores habían salido de casa. Él está quizás expresando su infelicidad personal en la acuarela,podemos observar que la imagen es ciertamente melancólica. La pintura fue exhibida en la exposición de verano en la Real Academia de 1836. Algunas de las líneas que acompañan a este cuadro son estas... "El misterioso monumento de Stonehenge, de pie a distancia en un páramo desnudo y sin límites"
Escena de un rio navegable Molino de Flatford,Con los denominados "six-footers" -obras de seis pies de tamaño, casi dos metros- Constable deseaba llamar la atención del público hacia su trabajo. Con estos lienzos consiguió fama y dinero. Son siete grandes telas que muestran escenas del trabajo agrícola y que se desarrollan entre los molinos de Flatford y de Stratford, cuatro millas en las que el río Stour corría canalizado por lo que también se denominan "escenas del canal". Fueron realizados en Londres y Hampstead y esta tela que contemplamos es la primera de la serie. 
El molino era propiedad del padre de Constable y uno de los lugares más habituales en la pintura del maestro. Casi en la zona central de la composición contemplamos un caballo montado por un niño, en el momento en que es desenganchado tras arrastrar la barcaza hasta la orilla donde se produce la acción. En el fondo podemos contemplar el río dividido en dos ramales, en uno de ellos la esclusa y en otro una casa. Paralelo al río observamos un sendero en el que aparecen unos niños preparando una cañas para pescar. En la zona derecha de la composición nos encontramos con un gran árbol y una amplia pradera soleada donde podemos apreciar la pequeña figura de un niño. Un riachuelo serpentea también en esta zona para equilibrar así el conjunto. En primer plano contemplamos las maderas del puente de Flatford desde el que se presenta la soleada escena. 
Constable nos muestra la luz de una mañana estival aunque en el cielo observemos nubes, creando un acertado contraste de luces y sombras que se reparten por todo el lienzo y establecen al mismo tiempo el juego de la perspectiva. Y en relación con la perspectiva hay que añadir que la vista está tomada desde un punto más elevado, lo que será muy habitual en la obra del maestro británico. 

El naturalismo que caracteriza los trabajos de Constable en estos años se encuentra presente en todos y cada uno de los detalles que encierra la espectacular escena, recogiendo a la perfección la belleza de la naturaleza en cada uno de sus elementos. Los estudios de luz y de atmósfera también serán una de las obsesiones del maestro, tomando como maestros a Claudio de LorenaRuysdaelRembrandtRubens o Gainsborough. Otra de las características de la tela sería la referencia al pintoresquismo, como observamos en el caballo, la barca o los niños, que posiblemente sea un guiño al público de la época ya que este trabajo fue expuesto en la muestra de la Royal Academy de 1817, pasando desapercibido. 
Barcaza.

http://www.artble.com/artists/john_constable
http://www.aparences.net/es/periodes/romantisme/les-paysagistes-romantiques/
http://collections.vam.ac.uk/item/O74470/stonehenge-watercolour-constable-john-ra/
http://www.artehistoria.com/v2/obras/14004.htm
http://2.bp.blogspot.com/-BtYKEHqVwko/Vbo-qyR2A_I/AAAAAAAAHm4/O0UZHBdD3QQ/s1600/El%2Bcarro%2Bde%2Bheno%2B2.jpg
http://www.wikiart.org/en/john-constable/flatford-mill-from-a-lock-on-the-stour-1811?utm_source=returned&utm_medium=referral&utm_campaign=referral