sábado, 25 de febrero de 2017

JOSE GUTIERREZ SOLANA....MUJERES DE LA VIDA



"Mujeres de la vida" fue el primer cuadro de Jose Gutierrez Solana que entró a formar parte de una colección pública del país. También conocido como Las prostitutas y El portal de las chicas, representa a cuatro mujeres de diferentes edades que, acompañadas de la celestina, esperan a sus clientes. La escena tiene lugar en un callejón situado junto a una plaza en la que un grupo de hombres y mujeres se reúnen en corro. Pese a que forman un conjunto compacto, las figuras de las mujeres del primer plano –entre las que se destaca, por su altura, la celestina– tienen una apariencia estática y están aisladas unas de otras; dos de ellas miran en la misma dirección que aquélla, quizás sugiriendo una reflexión moral sobre el paso del tiempo. La figura situada a la derecha, que se dirige al espectador con expresión retadora, parece un hombre pese a sus ropas femeninas, por lo que se ha supuesto que se trate de un travestido. En el personaje de la celestina, que aparece en otras obras de Solana, el pintor retrató a la dueña de un burdel santanderino a la que pudo conocer cuando residió en esa ciudad entre 1909 y 1917.
Por su parte, Taller de caretas presenta uno de los numerosos establecimientos que en esa época se dedicaban en Madrid a la confección de máscaras de Carnaval. En el angosto espacio del local, de cuyas paredes cuelgan gran número de máscaras, un artesano, vestido con un blusón blanco, y una mujer terminan de dar los últimos retoques a unas caretas. Se cree que el espacio corresponde a un taller situado en el madrileño barrio de Las Vistillas, que Solana acostumbraba a visitar, y, de hecho, el constructor de caretas y su taller fueron retratados por el pintor en otro lienzo y en una litografía. El interés de Solana por la fiesta del Carnaval fue constante a lo largo de su carrera, aunque fue entre 1939 y 1945 cuando realizó la mayoría de sus carnavaladas, que le relacionan tanto con la obra de Goya como con la de Ensor.
Aunque con mayor modernidad formal, Solana es continuador de la estética de la España Negra, que a comienzos de siglo tuvo en Regoyos y Zuloaga a sus mejores representantes. Su lenguaje plástico conecta también con la tradición expresionista y anticlásica de la pintura barroca española y, sobre todo, con el Goya de las Pinturas negras, de quien tomó su característica paleta cromática de negros, ocres y pardos. Los asuntos relacionados con la muerte, los ritos religiosos, los personajes marginales, la fiesta de los toros, los bailes de pueblo y las escenas de suburbio constituyeron su repertorio temático favorito. Además de pintor, fue un conocido escritor de libros de asuntos costumbristas y durante los años treinta del pasado siglo realizó aguafuertes y litografías.

viernes, 24 de febrero de 2017

HIERONYMUS BOSCH Y EL CARRO DE HENO


En el año 1570 el rey español Felipe II compró diversos libros y pinturas a los herederos del difunto Felipe de Guevara, quien fuera mayordomo de Felipe el Hermoso y gentilhombre de boca de Carlos V, pero ante todo un humanista especializado en filología, numismática, arqueología y pintura. Entre las obras adquiridas, destinadas a ampliar la creciente colección que iba a decorar El Escorial, se encontraba El carro de heno, del flamenco Hieronymus Bosch, a quien se conocía en España como El Bosco. El humanista había sido un gran admirador de este pintor, al que incluyó y elogió ampliamente en un tratado titulado Comentarios de la pintura, y se lo había recomendado encarecidamente al monarca, llegando a compartir ambos la pasión por su pintura. Felipe II acabaría convirtiéndose en el mayor coleccionista de las obras  de El Bosco, hoy custodiadas por el Museo del Prado, como El jardín de las delicias, Las tentaciones de San Antonio, La extracción de la piedra de la locura o Los siete pecados capitales.
El Bosco procedía de una familia de pintores de origen alemán, originarios de Aquisgrán que se acabaron asentando en la ciudad de Den Bosch, o Bolduque para los españoles, en el ducado de Brabante, Países Bajos. Allí nació hacia 1460 Jeroen van Aeken, pues ese es el verdadero nombre del pintor, que adoptó temporalmente el de Jeroen Bosch al morir su padre, puesto que el gremio de pintores no dejaba utilizar el apellido artístico -en este caso van Aeken- nada más que al hijo primogénito de cada familia de artistas. Finalmente tras latinizar el nombre se quedó en Hieronymus Bosch. 
En el siglo XV los Países Bajos se habían convertido en un centro artístico de primer orden practicando un estilo pictórico denominado gótico flamenco que acabaría por clausurar la Edad Media, y que competía con el pujante Renacimiento que surgía en la Italia del Quattrocento. Entre sus principales figuras se encontraba Jan van Eyck, Roger van der Weyden, Hugo van der Goes, Hans Memling o el mismo El Bosco. Se trataba de un estilo innovador dentro del arte gótico puesto que trataba de romper con las formas planas y bidimensionales góticas para pasar a representar la realidad con mayor veracidad, buscando la perspectiva y la tridimensionalidad del espacio. Además introdujo una nueva técnica pictórica, el óleo, que permitía pintar con colores mucho más vivos y con mayor detalle, como no se habían visto nunca hasta el momento.
La especialidad de El Bosco era la pintura moralizante de contenido religioso, donde mostraba los pecados y defectos humanos mediante caricaturas sarcásticas y grotescas de sus acciones que les llevarían irremisiblemente a ser castigados en el infierno. La única esperanza era llevar una vida piadosa siguiendo el ejemplo de Jesucristo. En consecuencia su obra está plagada de seres monstruosos, híbridos mitad animales y mitad seres humanos, que simbolizaban esos pecados y que se dedican a castigar a la humanidad por sus vicios. Se trata de una visión típica del pensamiento medieval, aún teocéntrico, completamente marcado por la moral religiosa de la Iglesia. Paradójicamente El Bosco representaba con una técnica y unos medios rompedores y modernos un mundo y una 
En El carro de heno, El Bosco recurrió a un viejo proverbio flamenco "El mundo es un carro de heno del cual cada uno toma lo que puede" y lo enlazó con un texto bíblico del profeta Isaías, donde se compara el heno de los campos con los placeres y las riquezas del mundo, que secan pronto y aún más pronto se acaban. Con este punto de partida, el pintor elaboró un tríptico donde denuncia la avaricia del mundo, cegado por el afán de placer y riqueza, que hace lo que sea necesario, incluso matar, con tal de conseguir apenas unas pocas briznas de paja del gran carro de heno.


En el panel izquierdo aparece representado el Edén, mostrándonos en un mismo paisaje una serie de escenas que se narran de forma descendente. Empezando por la parte superior, encontramos una escena que representa la expulsión de los ángeles rebeldes, liderados por Lucifer, del Cielo. El pintor nos muestra la figura de Cristo entronizado y en actitud de bendecir, a su alrededor los ángeles luchan y expulsan a los rebeldes hacia la Tierra. Estos últimos, al caer, abandonan su aspecto angelical y se convierten en seres monstruosos, reptiles, insectos, sapos...

Siguiendo la línea narrativa, al descender por el panel izquierdo nos encontramos en el Jardín del Edén, donde la figura de Dios, ataviada a semejanza de un gran sacerdote, crea a Eva a partir de la costilla de Adán. La narración continúa con el Pecado Original, justo en el momento en el que el demonio, que ha adoptado una forma híbrida, mitad mujer y mitad serpiente, típica de la imaginación medieval, tienta a la pareja con una manzana del Árbol del Conocimiento.

El panel izquierdo se cierra con la expulsión de Adán y Eva del paraíso terrenal. Un ángel blande su espada de forma amenazadora desde la puerta del Edén. Adán y Eva tratan de cubrir sus cuerpos desnudos mostrando vergüenza pues al haber comido el fruto del árbol prohibido, comienzan a juzgar si los actos son buenos o malos y toman conciencia de su desnudez.


Tras el carro aparecen un grupo de figuras que gozan de una posición preeminente en la vida y que no necesitan esforzarse por adquirir el simbólico heno, se trata de las clases privilegiadas. En primer lugar aparecen los más poderosos de la Tierra, el Papa, el Emperador y los Reyes, reconocibles fácilmente por sus ropas y atributos. Detrás de ellos nobles, alto clero, judíos... Sin embargo a sus pies vemos las disputas de la gente común, algunas intentan usar una escalera para llegar hasta el heno, otras discuten acaloradamente, algunas llegan incluso a amenazarse con un cuchillo.


Sin embargo el mejor ejemplo de los actos de vileza que pueden llegar a cometer los humanos por la riqueza aparece a los pies del carro. Allí dos mujeres han llegado directamente a las manos mientras otras figuras hacen caso omiso y siguen sacando paja del carro. En algunos casos están a punto de ser atropellados por las ruedas. La escena más violenta la vemos en el suelo, donde un hombre está degollando a otro tras una pelea a cuchilladas.


Junto a la firma del autor, en la esquina inferior derecha del panel central, El Bosco coloca a un orondo monje, sentado tranquilamente en una especie de cátedra, bebiendo alegremente mientras un grupo de monjas se dedican laboriosamente a llenar una bolsa de heno. La sátira no perdona tampoco al clero, puesto que en aquella época estaba siendo muy criticado por su mundanidad, por la corrupción y la venta de cargos eclesiásticos que acabarían desembocando, ya en el siglo XVI, en la reforma protestante.


El carro de heno es conducido por un grupo de bestias y monstruos que tiran de él y parecen encaminarlo hacia el panel de la derecha, que representa el Infierno. Se trata de los característicos monstruos de El Bosco, se distingue fácilmente un grillo con pies de hombre, un hombre con cabeza de ciervo, un saltamontes con cabeza de mujer, entre otras formas híbridas. Los avariciosos humanos, al igual que pasa con la figura de Jesucristo, parecen no percatarse de quiénes dirigen el carro ni hacia dónde va.

El panel de la derecha representa el Infierno donde se concentran las figuras más grotescas de El Bosco, dispuestas a castigar los pecados de la humanidad. Aquí encontramos las representaciones más violentas puesto que el fin último de la obra es moralizante y era necesario infundir el miedo al pecado. El alma de un hombre es concucido por dos figuras monstruosas, ante ellos se presentan varias escenas de tortura, un hombre es asaetado mientras monta sobre una vaca, otro es arrojado a una jauría de perros que lo devoran, mientras otro es desollado.


En las representaciones que el pintor realizaba sobre el Infierno siempre incluía las escenas de tortura pero también las de incendios. Algunos críticos, independientemente de la evidente relación entre el infierno y el fuego, han querido ver un vínculo con el incendio de la ciudad de Den Bosch que El Bosco presenció a los trece años y que le dejó profundamente marcado. En esta tabla también se añade un tema más, la construcción de una torre circular que podría estar relacionado con el tema bíblico de la Torre de Babel, en su inocente intento de alcanzar el cielo mediante un edificio colosal. 

Como en todos los trípticos medievales, las tablas que lo formaban se podían cerrar para facilitar su transporte o esconder su contenido. Los pintores se encargaban de decorar también la parte externa de las tablas con otra escena más, relacionada con la temática interior. En el tríptico cerrado el Bosco representa el tema del camino de la vida en pintura. Muestra en él a un anciano pobremente vestido, inclinado por el peso del cesto que lleva sobre sus espaldas y defendiéndose con un bastón de un perro que le acecha. Pese al mal estado en el que se encuentra, ha podido dejar atrás el ataque de los bandidos y la danza de la pareja de pastores al son de la gaita, alusiva a la lujuria. En el peregrinar de su viaje sin destino, y cuya dirección ignora, ha ido sorteando los peligros del camino y sabe que debe continuar, pese a lo incierto que pueda ser lo que le espera al cruzar el puente. En el dibujo subyacente el Bosco había representado detrás de este puente una cruz que eliminó en la fase de color. La sustituyó por un crucifijo en el interior del pequeño altar colocado en el árbol bajo el que está sentado un pastor que toca la gaita, sin que nadie se percate de su presencia...Se trata de un tema frecuente entre su obra donde aparecen casi siempre los mismos símbolos, los huesos que representan la muerte, un endeble puente, una pareja de amantes lujuriosos, unos ladrones que roban a otro viajero...



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jueves, 23 de febrero de 2017

LA REINA MARIA ANTONIETA...ALEGORIAS EN FOINTENEBLEAU


Los techos de la habitación de la Emperatriz y el baño de la Reina María Antonieta en el Palacio de Fontainebleau están decorados con alusiones a las artes y las ciencias en forma de alegorías.
En la sala de la Emperatriz domina un fresco que representa a Minerva presidiendo las Ciencias y las Artes. Una geométrica Astronomía, con corona de estrellas, hace uso de su compás sobre un globo celeste mientras sujeta una vara de medir con la otra mano. La pintura está firmada en 1786 por Jean Simon Berthélemy.
Geo Emperatriz Font
Otras figuras alegóricas adosadas rodean el techo. Destacamos una alegoría de la Geometría con regla y compás.

Pasando al lavabo y vestidor de María Antonieta volvemos a encontrar alegorías similares. Mostramos otra Astronomía acompañada de la Dialéctica. 
El Châteaux de Fontainebleau es todo un muestrario de las distintas posibilidades de decoración con las ciencias y sus instrumentos: tapices, muebles, frescos, cerámica y esculturas.
Urania Dialectica Baño Emperatriz
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miércoles, 22 de febrero de 2017

CODEX GISLE


La extraordinaria calidad de este manuscrito se basa igualmente en la riqueza de la elaboracion como en la elegancia de las miniaturas que lo adornan. Ha sido utilizado como fondo de iniciales y medallones y como tipografía brillante de oro bruñido. El elevado número de 53 iniciales históricas hace que sea probablemente único. En la hoja 172 , las ilustraciones se distribuyen para la Navidad y la Pascua .

En muy raras ocasiones los artistas o escritores de este primer período de la Iluminación ha sobrevivido su nombre. En el Codex Gisle por otro lado,se pueden ver varias veces cuidadosas representaciones de monjas con sus hábitos. 

Gisela provenia de una familia noble del este de Westfalia de Kerssenbrock, la cual desempeñó un papel importante en la historia de Osnabrück. Era el cantor (Cantrix) de la comunidad monástica y por lo tanto llevó a cabo una de las oficinas más importantes de la Convención: se organizaron coros , eligieron varias veces al día las piezas correctas para la oración  e instruyeron a sus hermanos en la canción. 

La decoración pictórica de una forma gradual el Codex Gisle excede en su arte a la mayoria de los Codex que eran comunes en su tiempo,se puede considerar un manuscrito de lujo del gótico alemán.



Se ilustraron las etapas más importantes en la vida de Jesús. Algunos de los 53 caracteres decorativos en miniatura para celebraciones importantes se extienden en el Codex Gisle por casi toda la página. Gracias al dibujo y la pintura sensible de Gisela, las imágenes aparecen con una auténtica fidelidad de expresión,se puede leer el significado de cada canción dado el tamaño de la letra y el elevado número de funciones con zarcillos, medallones y letras de oro.
Hay también 15 iniciales eficaces azul y oro en fleuronnée rojo, unas 200 más pequeñas iniciales de oro sobre un fondo azul o rojo con blanco y detalles interiores de una sola línea iniciales de diferentes colores (una fiesta no sólo para voz, sino también para la vista)...

Los cantos del Codex Gisle son cantos gregorianos (esto se refiere al canto unánime) originalmente no utilizado en  la Iglesia Católica Romana en el lenguaje latenischer. La palabra cantada de Dios es una parte esencial del acto litúrgica y un elemento central en la liturgia de las comunidades religiosas.Es desde el siglo XII, que contiene todas las canciones de la Misa de todo el año litúrgico, que no son ejecutadas por los sacerdotes. Esto incluye cantos para la recogida en la iglesia (introito), preparación sacramental, comunión, etc. 

El inventario estándar de 650 canciones se extiende a más del doble en el Codex Gisle: alrededor de 1500 canciones se abrevian (Notación Hufnagel)

Ha estado desde la época carolingia en la Diócesis de Osnabrück,cuando esta experimentó un auge económico en el siglo XIII. En los años 1246/47  un hombre de servicio del obispo de Osnabrück había donado la construccion del Monasterio por su propia salvación. Por lo tanto Marienbrunn fue el primero de los 25 conventos de Westfalia de la orden cisterciense, fundado en el siglo XIII. Sólo en 1802 se suprimió el monasterio.
Cuando el monasterio fue cerrado durante la secularización el precioso manuscrito pasó a la posesión del obispo auxiliar de  Osnabrück , Karl Clemente . Hoy en día el Codex Gisle se mantiene en Bistumsarchiv Osnabrück.

http://www.facsimilefinder.com/articles/codex-gisle-illuminated-by-a-woman/
http://www.quaternio.ch/der-codex-gisle
http://www.musikzeitung.ch/de/service/buecher/2015/codex-gisle.html#.WKzYzzvhCUk
http://www.noz.de/lokales/osnabrueck/artikel/524871/prachtvolles-chorbuch-diozesanmuseum-zeigt-codex-gisle#gallery&0&0&524871


martes, 21 de febrero de 2017

SIMONE MARTINI...LA ANUNCIACION


Todo el tríptico sigue un suave ritmo curvilíneo, cuyo eje central lo marca el jarrón de lirios, símbolo de la virginidad de María, que ocupa el centro de la imagen. Es un muy buen ejemplo del estilo pictórico conocido como Gótico Internacional, en el que paulatinamente se va abandonando el característico hieratismo de la figuras de los siglos precedentes.
Una de las características de la factura de Simone Martini es su extraordinaria delicadeza a la hora de pintar los rostros femeninos. Al igual que es muy habitual en su pintura el preciosismo en todos y cada uno de los detalles.
En realidad, Simone Martini nacido en el año 1284 y muerto en 1344 es un artista puente entre dos escuelas pictóricas italianas de la época, la que representaba Siena cuya característica más reconocible es el realismo y la escuela que representa la ciudad de Florencia donde la pintura era de un tono mucho más severo. La fusión de esas corrientes y su maestría con los pinceles hicieron de él un reputado pintor con cuantiosos encargos, algo que acabó por hacer que se trasladara definitivamente a Francia, en concreto a Avignon, ciudad que por aquel tiempo se convirtió en la sede de los Papas del Catolicismo. De hecho, esta pintura de La Anunciación es la última que pintó en Italia, y lamentablemente las obras que realizó en tierras francesas se han perdido.
La escena de la Anunciación contiene todos los elementos que se han repetido hasta la saciedad a lo largo de la Historia del Arte. Nos presenta al Arcángel san Gabriel hablando a la Virgen y en su mano izquierda porta una rama de olivo, símbolo de la paz. Mientras que María es sorprendida cuando está leyendo, por eso su gesto parece que se apartase del arcángel y de la noticia que le trae.
La obra transmite sobre todo delicadeza y lirismo debido al empleo de curvas graciosas y los cuerpos ligeros casi flotantes, muy alargados y muy bien distribuidos de forma que destacan claramente sobre el fondo dorado de la tabla.
La estructura es la de un retablo con la parte superior ocupada por los cinco arcos apuntados tan típicos del Gótico. Esos arcos marcan el ritmo ondulante de la obra, que inspira un movimiento lento y continuo, sumamente elegante.
Esta es una de las grandes diferencias con el otro gran pintor contemporáneo: Giotto. Y la verdad es que Simone Martini se apasionó por todos aquellos elementos que rechazaba Giotto. Por eso en sus obras aparece el movimiento, los adornos, los detalles, y la fineza, buscando un ideal, una especie de belleza celestial, de tono ciertamente aristocrático.
Tecnicamente,la escena está enmarcada en una arquitectura abierta de arcos apuntados polilobulados, rematados con pináculos y gabletes, elementos de la arquitectura gótica.
Aunque todavía hay rasgos arcaizantes de influencia bizantina, como el predominio del dorado del fondo, este cuadro demuestra que la pintura ha experimentado una gran evolución, que hay otra forma de entender el arte. 
La línea,  es muy fina y precisa. El dibujo  en todas las figuras sigue un trazado curvo y en forma de “S” (línea serpentinata) que acentúa la delicadeza de la escena, no debemos olvidar que los clientes son mas refinados y exquisitos. 

Los colores son  llamativos y suntuosos, tanto los dorados del fondo como la combinación de azules y rosas, muy delicados, del Arcángel y la Virgen. El cromatismo es  rico, variado, ya no son manchas de color puro y plano, los matices de los pigmentos intentan representar luces y sombra
La Anunciación de Simone Martini es quizá la obra más representativa del pintor y del Trecentto Italiano.
La pintura que se desarrolla en Siena durante este periodo, se caracteriza por alejarse de aquellos aspectos que habían definido la pintura románica. Sigue siendo, eso sí, una pintura de temática religiosa pero ahora no se trata de reproducir símbolos, como ocurría en la Alta Edad Media, sino de reproducir la realidad de una forma más verdadera y creíble. Cambia por tanto  la forma de pintar. La pintura inicia un camino de experimentación que desembocará en el Renacimiento.
Las ciudades italianas y flamencas  durante esta etapa  viven un periodo de prosperidad económica, política y social,   los artistas tienen una clientela más exigente y culta. 
Durante el Trecento italiano surgen dos escuelas. La Escuela de Florencia  con Cimabue y Giotto y la Escuela de Siena con Ducio, Lorenceti o Simone Martini (uno de sus cuadros estelares, es el que estamos comentando).
Simone Martini conoció a Giotto. Sobre él ejercerá gran influencia  las pinturas que realiza  en Asis.
Otras obras importantes del pintor son la Maestá, retrato ecuestre de Gidoriccio da Fogliano. Ambos frescos se encuentran en el palacio público de Siena.
Otro foco pictórico del siglo XV se origina en las  ciudades flamencas, allí surgen los primitivos flamencos, pintores como el Bosco, Brueguel o los hermanos Van Eyck.
En las ciudades italianas y flamencas la pintura vive una gran revolución se independiza de la arquitectura y anuncian el esplendor artístico que se va a vivir durante el Renacimiento. Italia se convertirá en el centro europeo del nuevo movimiento artístico.
Actualmente la Anunciación de Simone Martini se localiza en una de las mejores pinacotecas del mundo, la Galería Ufizzi en Florencia.

http://anacob3.blogspot.com.es/2013/01/pintura-gotica-simone-martini-la.html
http://arte.laguia2000.com/pintura/la-anunciacion-de-simone-martini
http://arte-iesjosemartinrecuerda.blogspot.com.es/2014/01/la-anunciacion-de-simone-martini.html




lunes, 20 de febrero de 2017

BARTHOLOMEUS VAN BASSEN


Bartholomeus Van Bassen se conocen pocos datos de los primeros años de su vida, pero según el Rijksbureau voor Kunsthistorische Documentatie (Instituto Holandés de Historia del Arte), en 1613, se convirtió en miembro del Gremio de San Lucas de Delft. En 1622 se trasladó a La Haya, donde se convirtió en miembro del gremio de San Lucas de La Haya dos años más tarde y donde fue nombrado decano en 1627 y jefe en 1636 y 1640.Es reconocido por sus pinturas arquitectónicas, a veces con staffage (figuras humanas o de animales) realizados por los pintores Anthonie Palamedesz, Esaias van de Velde y Jan Martszen de Jonge.

 Interior del Cunerakerk Rhenen
Fue un pintor y arquitecto holandés del Siglo de Oro. Arquitecto en La Haya y experto pintor que representó, casi como ninguno, la arquitectura y, en ella, la perspectiva. Junto a Pieter Noorwits diseñó la nueva iglesia de Spui, la primera para protestantes en La Haya, la cual también la pintó. Ambos arquitectos murieron antes de que se terminase y se cree que el suicidio de Van Bassen se debe a la inseguridad sobre la estructura superior de la Iglesia, que por cierto ha durado tres siglos y medio.
 Nueva iglesia en el Spui, vista desde el este (La Haya)
Trabajó en el palacio de verano Huis Honselaarsdijk de Federico Enrique de Orange-Nassau (príncipe de Orange) que sería derribado después de haber sido utilizado como hospital militar durante la Guerra de 1812), en la restauración del Ayuntamiento y desde 1649 en adelante colaboró en la realización del Nieuwe Kerk.

Interior with Banqueters,1618-20
Van Bassen también ejecutó una serie de proyectos arquitectónicos a lo largo del país. Su edificio más importante fue "Het Koningshuis", el palacio de verano de Federico V del Palatinado, denominado "rey de Bohemia".
Su palacio de verano estaba en la ciudad de Rhenen, cerca de Utrecht, y se construyó por Bassen entre 1629-1631. Este palacio, como Honselaarsdijk, fue también utilizado como hospital militar durante la guerra de 1812 y demolido poco después.

Sus principales discípulos fueron Gerard Houckgeest y Jan van der Vught. Murió en La Haya.
Interior of a Church Artwork

The Tomb of Willem the Silent 



https://art.famsf.org/sites/default/files/artwork/vanderhelst/6248305223720096.jpg
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http://matemolivares.blogia.com/2015/112402-teselaciones-en-la-pintura-de-bartholomeus-van-bassen..php
http://www.the-athenaeum.org/art/display_image.php?id=322397
https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/0/0f/BASSEN,_Bartholomeus_van,_Renaissance_Interior_with_Banqueters,_1618-20.jpg
http://www.sothebys.com/content/dam/stb/lots/N09/N09303/397N09303_7NBML.jpg

viernes, 17 de febrero de 2017

ALEGORIA DE LA GEOMETRIA EN CHALONS


El Museo de Bellas Artes de Chalons en Champaigne muestra parte de una sencilla sillería renacentista de coro procedente de la zona de Troyes (circa 1530).
Una de las figuras dañadas muestra un compás en una de sus manos, una circunferencia dibujada y un globo terráqueo (o astronómico) en el otro lado. La ficha del museo cataloga la representación como una alegoría de la ciencia pero es claramente una Alegoría de la Geometría. La Astronomía se suele simbolizar más con esferas armilares, cuadrantes y estrellas. La Ciencia en aquella época no estaba definida como tal: la Geometría, la Óptica y la Astronomía eran lo que más se aproximaba al concepto actual. La Física o Filosofía Natural todavía estaba dominada por la teleología aristotélica.
No estamos ante el majestuoso coro de la Catedral de Ulm ni las maravillosas taraceas de los coros de Fra Giovanni, pero esta sencilla representación tiene mucho encanto, dinamismo y muestra la proliferación de las representaciones de las Artes Liberales por doquier.

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lunes, 13 de febrero de 2017

FRAN CADOGAN COWPER


Fran Cadogan Cowper,nació en en Wicken, Northamptonshire, Reino Unido, el 16 octubre 1877.
Pintor e ilustrador, está considerado como el último neoprerrafaelita; practicó sobre todo el retrato, y escenas históricas y de la literatura.

Fue hijo de Frank Cowper, un autor especializado en novelas sobre yates, y nieto del Rector de Wicken; criado en la fe de los Hermanos de Plymouth, recibió una estricta educación religiosa, algo que sería una profunda influencia en su carrera artística.
                
Se formó inicialmente en la Escuela de Arte de San Juan, donde estudió arte en madera, a partir de 1896, y posteriormente en la Royal Academy de 1897 a 1902.
Expuso por primera vez en la Royal Academy en 1899.

          
El éxito de la crítica le llegó dos años más tarde con “An Aristocrat answering the Summons to Execution, Paris 1791”, de 1901.
Durante 1902 asistió a clases de Edwin Austin Abbey en Fairford, Gloucestershire, para viajar posteriormente a Italia, con el fin de completar sus estudios.

              
Se sintió fascinado por las primeras obras de Dante Gabriel Rossetti y las de John Everet Millais, siendo evidente su influencia en “St Agnes en la prisión de recibir la “brillante vestidura blanca”, obra por la que se le encuadró como un destacado neoprerrafaelita, y que fue comprado por la Tate Gallery con fondos del Legado Chantrey.
                
Utilizó el óleo y la acuarela en sus cuadros e ilustraciones.
Ilustró numerosas obras, entre ellas, las de Sir Sidney Lee de “The Imperial Shakespeare“, obra que incluyó obras de Dicksee, Rackham y Brangwyn.
Colaboró en la realización de un mural en las Casas del Parlamento en 1910, junto a Byam Shaw, Ernest Board y Henry Arthur Payne, trabajo que fue posible gracias a la recomendación de su mentor Abbey EA.

En los inicios de la década de 1920, decaía el interés por los temas históricos y literarios, aún sin abandonarlos, aumentó su producción como retratista, sobre todo de jóvenes damas de la alta sociedad londinense.
            
Ingresó como asociado de la Royal Watercolour Society en 1904, y miembro de pleno derecho en 1911.
En 1907, fue asociado de la Royal Academy, y miembro de pleno derecho en 1934.
Mantuvo una gran amistad y admiración que fue mutua con el pintor prerrafaelita Arthur Hughes.

    
Se trasladó a Guernsey al comienzo de la Segunda Guerra Mundial, estableciéndose en Gloucestershire al finalizar de la guerra.
Continuó continuó pintando y exhibiendo, hasta su muerte a la edad de 81 años.
Murió el 17 noviembre 1958.

         
Tras años de olvido, su popularidad ha ascendido a partir de la década de 1990, su “Vanity “, de 1907, recientemente apareció en la portada de la revista de la Royal Academy. “The Cathedral scene from Faust” – “Margaret tormented by the evil spirit “, de 1919, se vendió en una subasta por más de 100.000 libras en el año 2000.
                
Su cuadro “El patito feo”, fue elegida en 2005, por los visitantes del Museo y Galería de Arte de Cheltenham, como la pintura favorita de estos.
En 2011, su obra “Nuestra Señora de los Frutos de la Tierra”, de 1917, alcanzó un precio record, fue vendida en la Galería Christie de Londres, por 469.250 libras esterlinas.

         
http://lienzos.blogspot.com.es/2007/01/f-c-cowper.html
https://en.wikipedia.org/wiki/Frank_Cadogan_Cowper
http://trianarts.com/frank-cadogan-cowper-el-ultimo-neoprerrafaelita/#sthash.pQufzs3x.dpuf
https://www.ifobox.com/galeria-del-artista-frank-cadogan-cowper/
https://madeleineemeraldthiele.wordpress.com/2013/07/04/frank-cadogan-coopers-vanity-by-madeleine-emerald-thiele/
http://oneyearonepaintingaday.blogspot.com.es/2012/10/frank-cadogan-cowper-and-vanity.html
http://www.artcyclopedia.com/artists/cowper_frank.html