LA PINTURA EN LA INDIA

Cuando se habla de la pintura de la India hay que tener en cuenta que esta ocupa una región muy vasta  y que recibió influencias procedentes de otras culturas, estando estás acorde a la situación histórica y religiosa que se desenvolvió  en forma diferente en cada región.

En relación al surgimiento de la pintura en el arte Indio se han encontrado vestigios de representaciones en pintura rupestre en Bhimbetka; cercana a la zona de Bhopal en aproximadamente mil cuevas. La fecha establecida para estas cuevas data del periodo paleolítico (7000 A.C).  En tan remoto tiempo los  pobladores de esta zona estaban  aun conformando las bases de  la civilización y sin embargo ya  los incipientes ejemplares de realización pictórica se realizan en las paredes de estas cavernas que usaban además como protección de las inclemencias del tiempo y los animales.

A través de la representación de estilizadas figuras humanas mediante simples trazos, se observa a los mismos participando en actividades de caza, con lo que según sus creencias propiciaban la buena cacería y la abundancia de alimentos. La figura de los animales se realiza más robusta utilizando también trazos que intentan dar sensación de volumen, siendo esta figura del animal predominante en el conjunto.

Se  observan en estas pinturas también  danzas, representación de escenas de nacimientos y enterramientos y por supuesto de ritos religiosos que eran ya desde entonces un tema principal debido a la necesidad de tener condiciones climáticas favorables que permitieran la subsistencia.  Por los temas de caza antes mencionados se conoce de la fauna típica que cronológicamente correspondió con ese periodo de la prehistoria en la India, donde elefantes, tigres, rinocerontes y bisontes se pueden apreciar aun en la actualidad en estas pinturas rupestres que se conservan.

En los distintos periodos de la larga historia de la pintura India, observamos que el resultado de esta amalgama de culturas, religiones, política y castas sociales así como el desempeño del desarrollo  económico en cada región, definieron tendencias pictóricas y técnicas de elaboración de la misma que aunque diferentes;  según su procedencia, ofrece también algunas características de realización comunes.

Características comunes de realización de la pintura en La India atreves del tiempo.

–La capacidad de adaptación de sus artistas.

–Su amor a la naturaleza y los animales.

–El detallismo y minuciosidad de su trabajo. (uno de los más importantes).

–La utilización de increíbles juegos visuales entre los elementos del conjunto.

–Utilización más frecuente del Volumen Tridimensional  en lugar del claroscuro.

–Sombreado realista y naturalista.

El trabajo en los talleres de pintura en La India estaba organizado según los distintos niveles de especialización y maestría. El trabajo de los artistas, también determinado por la tradición familiar o la pertenencia a una casta concreta, solía ser anónimo.

En La pintura India sobre todo en el periodo del Hinduismo con frecuencia las Deidades  son representadas con múltiples brazos, especialmente cuando están ocupados en el combate usando su forma  cósmica para la destrucción de poderosas fuerzas del mal. La multiplicidad de brazos destaca el inmenso poder de la Deidad y su capacidad para realizar varias hazañas al mismo tiempo. El artista indio se inclina a representaciones de este tipo ya que constituyen un simple y además eficaz medio de expresar la omnipresencia y omnipotencia de una deidad. Demonios con frecuencia son simbolizados con cabezas múltiples para indicar su poder sobrehumano.

La representación ocasional de una deidad con más de una cabeza generalmente está motivada por el deseo de retratar diferentes aspectos del carácter de esa deidad. Así, cuando el dios Shivá es representado con una cabeza de triple, la cara central indica su carácter esencial y las  restantes caras representan los aspectos de fiereza y felicidad.

El estilo narrativo y simbólico que conforman estas pinturas  de La India resulta eficaz para comprender el mensaje por los creyentes y adoradores, son sin embargo difíciles de entender  por  el espectador no conocedor de las historias, ritos y leyendas relacionados con estas religiones. En el caso de la pintura Budista el tema se limita a representar la figura de Buda ofreciendo protección y propagando estas enseñanzas.

Las pinturas para las iluminaciones sagradas de los templos,eran no solo sumamente hermosas y con gran nivel de detalle y acabado sino que también, encargar copias de estos textos era una acción religiosa muy importante ya que incrementaba el karma; concepto basado en la creencia de que toda acción (karma en sánscrito) tiene sus consecuencias.
La tradición de iluminar manuscritos empezó a florecer en la India en torno al siglo XI, en los monasterios budistas, donde se pintaban escenas que embellecían las copias de los textos sagrados y facilitaban la meditación.  Fieles del Budismo, el Jainismo y el Hinduismo encargaban estos textos  religiosos, que luego donaban a los templos para acrecentar sus méritos espirituales. Las obras más antiguas de este género estaban pintadas en hojas de palma, y en un formato horizontal que se conservaría aun después de introducirse el papel en la India.

Hasta el siglo XV los pintores indios utilizaron un estilo conservador y repetitivo, con una paleta limitada y escasa amplitud temática; pero esto cambio cuando la difusión del trabajo de ilustración elaborado en los talleres de las cortes a principios del siglo XVI. La formación que allí recibían los artistas locales, supuso un enriquecimiento de su trabajo y les animó a ilustrar nuevos textos, como las victorias de la diosa Kali, obras devocionales al dios Krisna o textos filosóficos.

Se amplía la representación temática en general que abarcan ahora desde asuntos mundanos (con aparente insignificancia), pasando por los temas religiosos y la escenificación pictórica de leyendas y cuentos populares.

A partir del siglo XV en La India se ilustran las narraciones persas más populares encargadas por una clientela de élite aquí asentada, conformada por acaudaladas familias Persas que no busca ya incrementar sus méritos espirituales sino que buscan mostrar estos trabajos como signo de educación, riqueza y sofisticación cultural al tiempo que cumplían con la función decorativa de deleite visual.
Estas ilustraciones minuciosamente realizadas denotan una suntuosidad que asombra a los espectadores, un ejemplo significativo se observa en  una de las primeras obras que se ilustró en la India y que fue una versión del Khamsa, un conjunto de cinco poemas persas escritos en el siglo XIII que relataban las conquistas de Alejandro Magno y las hazañas amorosas y épicas de diversos personajes históricos. Las ilustraciones de este periodo se les conocen como líricas por su alto contenido poético, épico y dramático muy a tono con la influencia del arte Persa.

La pintura del periodo correspondiente con el esplendor del Imperio mogol  ha dejado como herencia  una de las representaciones más reconocidas del arte indio. El emperador Akbar (1556-1605) fue en parte responsable de esta explosión de  magnificencia, el contrato a un centenar de talentosos artistas indios para que trabajaran en el taller imperial bajo la dirección de siete pintores procedentes de la corte de Irán.
Las obras que realizaron conjuntamente los artistas de este grupo estaban sometidas al realismo impuesto por el gusto del emperador y constituyen un excelente conjunto que revela un estilo nuevo, dotado de una vitalidad sin precedentes que se aparta de  las tradicionales y ya repetitivas temáticas  y esquematismo de estilos anteriores llevaron a la India. Estás estampas, así como la aparición de pinturas mogolas en la Europa del siglo XVIII propició la incorporación de elementos orientales en la pintura occidental  y sirvieron por supuesto también de inspiración a los artistas indios. Este curioso diálogo intercultural que se concreta gracias a los préstamos estéticos y estilísticos mutuos fue un capítulo importante en toda la serie de influencias exteriores que contribuyeron a conformar  la pintura india.

Las obras realizadas por los artistas indios para los funcionarios y comerciantes británicos vinculados a la Compañía de las Indias Orientales reflejan su interés por los métodos de investigación científica que se generalizaban en la Europa del siglo XVIII, y reproducen con realismo ejemplos de la flora y fauna locales.
Los artistas plásticos indios interpretaron muy a su forma las convenciones artísticas europeas tales como; el sombreado, la perspectiva y un cromatismo discreto, así como cierta sensación de distanciamiento entre el espectador y la obra. Estas pinturas extienden incluso ya durante el periodo de la dominación británica  el interés mogol por el género animalista.
Miembros de la  Compañía Británica asentados en la India solicitaban a los artistas indios locales obras en que los animales y fauna locales  estuvieran representados. Alcanzan estas obras un dominio técnico sorprendente donde destacan su vibrante colorido, el que tanto aporta a las magistrales composiciones de los artistas de aquella época. Los artistas locales adaptaron sus  prácticas y habilidades tradicionales consolidadas por el tiempo para responder a los requerimientos británicos. Puede decirse que se desarrolla en esta etapa una afición por lo pintoresco.

Durante el periodo que sigue un interés hacia el retrato (sobre todo de personajes importantes contribuye a documentar personas y eventos importantes. El retrato estilo Cameo se hace muy popular en este periodo, hasta que La demanda de este tipo de obras decayó a partir de 1848, cuando la Compañía de las Indias Orientales empezó a disolverse y un nuevo medio, la fotografía, sustituyó en gran parte a la pintura como procedimiento para documentar a los habitantes y los lugares de la ya oficialmente colonia del Imperio británico.

GEORGES SEURAT ,LA PINTURA DE LA RAZON PURA

A pesar de que Georges Seurat murió joven,fue el mas significativo de los artistas que los libros que los libros de arte han agrupado con el nombre de postimpresionistas o de neoimpresionistas.El mismo hubiera preferido que su estilo y el de sus amigos se conociera como "cromoluminarismo" o pintura en color y luz.Los términos de puntillismo (pintura en puntos de de color aplicados de forma sucesiva) o divisionismo ( pintura en arias separadas de color) son,mas precisos que el neoimpresionismo, un término acuñado por el crítico Félix Fénéon .que los jovenes pintores aceptaron sin guardar respeto por sus antiguos mentores ."Una vez mas los artistas aparecen con libros bajo el brazo",escribió el crítico Julius Meier-Graefe sobre el cambio de siglo,refiriendose a que eran los escritos teóricos de artistas y físicos que habian provocado las nuevas tendencias.Seurat aprendió del gran colorista Delacroix, que ya habia influido en los impresionistas,que las manchas de los diferentes colores,cuando se viean a cieta distancia,se convertian en el ojo del espectador en valires de una gran brillantez y frescura.

Otros estimulos procedieron de las teorias del color de los estudios Dave,Blac,Helmholtz,Sutter y Rood, y en especial de la doctrina de los "Contrastes simultáneos" de Michel Eugéne Chevreul.Los artistas se reunian para discutiir sobre estas en la sección de la representación de arte de Goupil dirigida por el hermano de Van Gogh, Theo.Seurat,que tenia unos veinticinco años,defendia a Signac ,cuatro años menor , su mas fiel seguidor y destinado a ser el portavoz del movimiento. A veces se unian al debate Toulouse Lautrec ,Gauguin, o Bernard, y el siempre receptivo y abierto patriarca Pissarro.Cézanne, pero tendria que se admirado a distancia. 

Sin duda los artistas agrupados alrededor del joven,taciturno,reservado y casi arrogante Seurat, un discipilo de la filosofia cartesiana,creian ser los herederos y continuadores del impresionismo.Aunque es cierto que sus investigaciones y meditaciones les llevaron cada vez mas lejos de su origen.La espontaneidad impresionista,el ingenuo abandono de un Renoir o un Monet a los placeres de la vida sensual no era para Seurat,Manet y Degas le atraian mas.Al igual que el,el grupo llevó a cabo estudios incansables para detectar el canon formal,la geometria oculta ,el marco intelectual bajo la superficie de los cuadros de un Hans Holbein,de un Rafael,un Nicolas Poussin o un Jean Auguste Dominique Ingres , y de analizar con precisión los contrastes complementarios y el carácter del tapiz de las pinceladas de Delacroix.

La division de la luz de los colores del espectro,llevada de forma mas instintiva que racionalmente controlada por los impresionistas,se oponia a la rigurosa intelectualidad de Seurat y a su creencia en los beneficios de las ciencias naturales que compartia con sus contemporaneos y que fué tan caracteristica de la segunda mitad del siglo XIX,con su desconfianza hacia lo irracional:Se reveló

algo en el interior de Seurat contra la tendencia de la pintura impresionista a destruir la forma.Defendia una permanencia en el arte,un arte que era decorativo en el mejor sentido de la palabra, un "arte en función" que no retiraba a la pintura de caballete como un fin en si mismo.Somos testigos del emocionante espectáculo de una técnica pictórica que maduró hasta ser un estilo que,llevado a su fin lógico y puesto en práctica hasta los límites de sus posibilidades ,se convirtió en su opuesto.Seurat completó el proceso iniciado por Théodore Géricault,seguido por Delacroix y madurado por los impresionistas: la disolución gradual de planos de color en particulas de color cada vez mas minúsculas. Pero lo que en los impresionistas fue el resultado de experiencias visuales espontáneas, en Seuratfue un método cientifico exacto. 
Los efectos de esta sistematización se extenderian hasta llegar a la abstracción del grupo holandes De Stijl,encabezado por Piet Mondrian, Seurat ya no pintaba al aire libre y pintar en el estudio,que en su caso era estudio y laboratorio a la vez.Pero su visión del color no era tradicional. En lugar de mezclar colores en la paleta (con la excepción de los colores adyacentes del espectro) ,los colocaba cuidadosa y sucesivamente,punto por punto, sobre el lienzo,basandose en analisis cientificos de la luz y y en la doctrina de los contrastes simultáneos.
A los ojos de los neoimpresionistas, la mezcla de pigmentos practicada por los impresionistas hacía parecer los colores muy materiales, "muy sucios". Aldejarlos en estado puro,esperaban desmaterializarlos,hacerles expresar la brillantez incorpórea del espectro lumínico.

Ahora el proceso de mezcla debia tener lugar en la retina del ojo del espectador, y por eso se le advertía no acercarse a la tela. Esta formulación radical del enfoque impresionista requirió un cambio de hábitos visuales.Y, el resultado fué que un público ignorante pegaba sus narices a estos curiosos cuadros y quedaba cegado por su luminosidad. Fénéon, el crítico apologista del nuevo movimiento,actuó en consecuencia y recordó a sus lectores que no era aconsejable sentarse en medio de los instrumentos de metal cuando uno quería oir una sinfonia.
"Con estos colores,mutuamente matizados e iluminados con blanco",dijo Signac, amigo y heredero de Seurat, para describir el método neoimpresionista "se ha llevado a cabo un intento de obtener la riqueza del espectro lumínico solar con todos sus tonos.Un naranja que combina con el amarillo y el rojo, un violeta que tiende hacia el rojo y el azul, un verde entre el azul y el amarillo son,junto con el blanco, los únicos elementos de los neoimpresionistas .Por medio de la mezcla optica (Mezcla en el ojo del observador) de esos colores puros,cuya relación mutua puede variar a voluntad, se puede obtener un número infinito de matices,desde el mas brillante hasta el mas gris. "Cada pincelada que se toma en estado puro de la paleta,permanece en estado puro en la tela".

Estas palabras tienen un tono frio y cientifico que refleja la misma distancia frente a la propia actividad del artista como a los ataques de sus opositores. Se estaba muy seguro de la propia misión como para alterarse por las críticas.El cuadro acabado era el resultado de un trabajo paciente que,en el caso de Seurat, a veces abarcaba mas de un año; se "construia" segun leyes que se encontraban al nivel que la fisica mas avanzada de la época,leyes que podria confirmar cualquiera que tuviera interés en ello. Pintar ya no era el objeto de las veleidades de las sensaciones emocionales o del temperamento personal. Las subjetividad del impresionismo se habia convertido en objetividad.
La vibración de los colores impresionistas se unió a la forma y las composiciones  resultantes adquirieron de nuevo estabilidad.

En un cuadro como el famoso "Un domingo por la tarde en la Îlle de la Grande Jate" de Seurat ,un momento en el tiempo es una lenta permanencia, y no el paso de una impresión fugaz . Las figuras de los paseantes adquieren un significado casi simbólico ya que a pesar de su indumentaria de la época,representan cierto prototipo humano .En su plasmación no hay ningun elemento naturalista.En este cuadro, una silenciosa felicidad adquiere la forma pictórica :"L'art c'est l'hamonie". Artistas posteriores llegarán a aspirar,en palabras de Mondrian,a hacer que el arte contenga una "armonia universal".

Seurat ,murió de meningitis a los treinta y un años. Su temprana muerte evitó que sus ideas y estudios se reunieran para formar una teoria coherente.Su amigo Signac que se encontraba muy por debajo de el como artista creativo,compensó esa falta con su libro, escrito en 1899,"De Delacrix al impresionismo".Pero,decadas antes de las especulaciones sobre las máquinas de pintar,el arte por ordenador y la holografia,éste solo sirvió para demostrar que no habia teoria,ni método ,que pudiera reemplear al ser humano creativo. Y precisamente esto era lo que Signac,sus compañeros y seguidores esperaban que llegaría a ser posible .El neoimpresionismo pretendia establecer una doctrina rigurosa,una estética normativa,los célebres "criterios objetivos" que no existen y no pueden existir mientras el arte siga vivo.Cuando el propio neoimpresionismo se convitió en un dogma, su vitalidad se agotó de forma inevitable.

Bibliografia:
Karl Ruhrberg 
Ingo F. Walther (Arte del siglo XX)        
    
                    

JEAN-BAPTISTE GREUZE Y LA PINTURA SENTIMENTAL

Jean-Baptiste Greuze nació en Tournus, un pueblo de Borgoña, a orillas del río Saona, en 1725,en el seno de una de familia de clase media ,estudió pintura en Lyon a finales de 1740 bajo el exitoso pintor de retratos, Charles Grandon. Alrededor de 1750 Greuze se trasladó a París, donde ingresó en la Real Academia . Fue durante esta etapa que desarrolló un estilo de pintura que fue descrito como el arte sentimental. Fue aceptado como miembro asociado de la Academia después de que presentó tres de sus cuadros Un padre leyendo la Biblia a su familia, el Blindman yerra, y el Colegial de albergue. Estas historias pictóricas moralizantes, que en cierto modo me recuerdan a las obras de William Hogarth (unas dos décadas antes) estaban de moda entre la gente de la clase trabajadora. Fue este género de arte representando escenas de la vida de los ciudadanos el  que sería la marca registrada de Greuze para el resto de su vida.

Aunque Greuze estaba satisfecho de haber sido admitido en la Academia gracias a sus tres pinturas de género,él se esforzó para ser aceptado como pintor de historia (que en su época era considerado un rango más alto del arte). Sin embargo, la Academia no aceptó de buen grado sus intentos de pintura histórica.Este rechazo molestó tanto a Greuze que se negó a presentar más obras para exposiciones de la Academia. Afortunadamente para Greuze al público le gustaba su pintura "sentimentales" y la venta de sus obras continuó con fuerza, lo que significaba que no tenía  necesidad de exponer sus obras en la Academia.

Durante finales del siglo XVIII en Francia, el arte rococó casi se había hecho cargo de la escena del arte francés. Era la actualidad con sus temas mitológicos y alegóricos en los entornos de pastoreo y sus representaciones elegantes y sensuales de la frivolidad,a veces aristocrático. En este momento esta marca de obras luminosas,de corazón, y de vez en cuando eróticas, eran muy solicitados con los clientes ricos. Así que en cierto modo el mundo del arte francés recibió un shock cuando surgieron estas obras moralizantes (los dramas rurales de Greuze sobre lienzo contrarrestando la frivolidad del mundo artificial del arte rococó).

La maldición del padre y del hijo castigado (1778)

Lo primero que podemos destacar en los personajes representados en la escena es su postura por etapas. Esta fue otra marca comercial de Greuze, la manera en la que se muestran sus personajes en poses dramáticas (que habían sido reservados para las obras históricos y religiosos más importantes). Me recuerda un poco estar observando una representación dramática de aficionados donde todas las acciones de los jugadores aficionados parecen estar "por encima" y cómicamente exagerada.

El resumen de la pintura es la parte final de un cuento trágico. El comienzo de esta saga fue cuando un hijo decidió abandonar el hogar familiar y unirse al ejército a pesar de las súplicas de su padre, madre y hermanos que lo necesitan para apoyar económicamente a la familia.Ahora el escenario está listo con su regreso a casa. Sin embargo, no es una alegre celebración  el regreso del hijo pródigo. Ante nosotros en la cama vemos su envejecido padre que acaba de morir y su familia donde todos se congregaron alrededor de la cama de la muerte, sin consuelo. Se pueden observar las poses exageradas de los miembros de la familia al manifestar su dolor. En el plano a la derecha vemos el hijo que ha vuelto a su casa herido,se puede observar,inclinado y lleno de remordimiento, atormentado por la culpa, habiendo regresado demasiado tarde para estar con su padre antes de morir y pudiendo ver por el estado de la casa que la familia tiene poco dinero...por supuesto dándose cuenta de parte de su culpa.

 La boda pueblerina o Acordée de village presentada en el salón de 1761, donde una vez más muestra un interior pequeño burgués y dos mundos enfrentados. A la izquierda de la composición el mundo femenino de la intimidad y en la parte derecha el universo masculino de las leyes y los negocios.

La muerte del paralítico de 1763, pintura que representa a un padre anciano en su lecho de muerte rodeado de su familia. Esta pintura se relaciona con la novela de Jean Jacques Rousseau, publicada ese mismo año, La nouvelle Héloïse

Como ya he indicado antes,una vez alcanzado el éxito entre el público y sus pares con estas pinturas de género se embarcó en la búsqueda de un rango superior en la jerarquía pictórica, iniciándose en la pintura de historia, género de mayor rango dentro de la pintura oficial. Su primera obra en este orden es la llamada Séptimo-Severo reprochando a Caracalla el haber atentado contra su vida, que presentará en 1769. la cual le acarreó la enemistad y críticas demoledoras de Denis Diderot, hasta entonces su defensor. A pesar de este estrepitoso fracaso, años más tarde Jacques Louis David, el pintor de la revolución, tomaría la idea y la desarrollaría hasta alcanzar el máximo nivel.

 Un padre leyendo la Biblia a su familia(1755)

La creciente importancia de la clase media, y de la moralidad de la clase media, también jugó un papel importante en el éxito de la pintura de género de Greuze. Sus pinturas parecían predicar las virtudes ordinarias de la vida sencilla. Era una llamada a la vuelta de la honestidad en la forma en que tratamos la vida. Sorprendentemente, el melodrama no disimulado de su obra pictórica  no se halló ofensivo, y los visitantes de los salones admiraron su arte. Los intelectuales de la época generalmente se opusieron al arte Rococó considerando su estilo decadente, y a su vez admiraron a Greuze como "el pintor de la virtud, el socorrista de la moral corrupta." Moda de Greuze para su interpretación de la gente común infiltrado incluso en los más altos círculos de la sociedad, los grabados de la obra de Greuze llegaron a ser populares entre todas las clases de la sociedad.

El sombrero blanco (1780)

Greuze pintó numerosos retratos y recibió algunas críticas por sus pinturas libertinas.

 Pintó, asimismo, diferentes temas alegóricos: La Ofrenda de amor (1769)

Danae 

Psique coronando el Amor (1790)

El hijo ingrato (1777)

Algunas obras revelan su inconformismo, aunque muestran un exceso de desnudez  o por sus alusiones,picantes.

La madre bien amada (1765)

Sus representaciones infantiles y sus retratos son convencionales pero no faltos de interés.

Joven niña llorando su pájaro muerto (1759)

Mejor dibujante que pintor, La fama de Greuze se redujo hacia el final de su vida y durante la primera parte del siglo XIX, pero revivió brevemente después de 1850, cuando la pintura del siglo XVIII volvió a florecer. El advenimiento de la modernidad en las primeras décadas del siglo XX  obliteraron totalmente la reputación de Greuze.

Greuze sobrevivió a la Revolución Francesa, pero su fama no lo hizo. Murió en París el 21 de marzo de 1805, en la pobreza y la oscuridad.

Sus numerosos cuadros están conservados en el museo del Louvre (París), en la colección Wallace (Londres), en el museo Fabre (Montpellier) y en el museo de Tournus, su ciudad natal.

REMEDIOS VARO...SUEÑOS,SURREALISMO Y PINTURA

María de los Remedios Varo y Uranga nació en Anglès, provincia de Gerona, España, un 16 de diciembre de 1908. Su padre, Rodrigo Varo, era ingeniero hidráulico, cuya profesión obligó a la familia a recorrer España y el norte de África. De aquel hombre de pensamiento liberal, heredó el gusto por el dibujo, el arte, la literatura y la filosofía, mientras que de su madre recibió una educación religiosa.

Visita inesperada (1958)

En 1924, apoyada por su padre, Remedios entró a la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, en Madrid, donde la familia por fin se asentó. Aquí, además de las clases curriculares, Remedios tomaría un curso de dibujo opcional científico, que tanto influiría en el posterior desarrollo de su obra. Como otros grandes pintores españoles y extranjeros, el complemento a su educación fueron las asiduas visitas que realizaba al Museo del Prado, donde la obra del Bosco y Goya le impresionó perdurablemente.

Creación de las aves (1957)

El mismo año que nuestra pintora entró a la Academia, el poeta André Breton, proveniente de las filas del dadaísmo, publica el Manifiesto Surrealista en París, con el que inicia oficialmente el movimiento, mismo que venía fermentándose desde 1916. El surrealismo fue un movimiento revolucionario adherido al comunismo. Entre sus fuentes destaca el psicoanálisis y la teoría de los sueños de Freud, el arte de los pueblos primitivos, el mundo medieval, la alquimia y el automatismo psíquico, los cuales produjeron obras en las que emergen los pensamientos y signos más ocultos del subconsciente, buscando una realidad alterna más profunda que el contexto circundante, usando el azar con técnicas como el «cadáver exquisito», el collage, el frottagge y la de calcomanía.

La luna y Google

Remedios tuvo contacto con las teorías surrealistas a través de conferencias que se llevaron a cabo en Madrid, pero no sería hasta 1930 que entraría en contacto directo con el surrealismo en París, a donde viajó junto con su esposo, el pintor Gerardo Lizarraga, compañero de estudios con quien se casó ese mismo año. De regreso a Barcelona, realizó «cadáveres exquisitos», es decir, dibujos y collages que produjo junto a otros compañeros como Óscar Domínguez, Estaban Francés y Marcel Jean.

En 1936, ya separada de su marido, conoce a Benjamin Péret, poeta surrealista francés, con quien inicia una relación amorosa. Él la presentará al grupo surrealista cercano a Bretón en París, donde establecerá vínculos con Marx Ernst, Wolfgang Paalen, Alice Rahon, Joan Miró, Leonora Carrington y Roberto Matta.

El flautista

Huyendo de la invasión nazi en París, Remedios y Benjamin Péret llegan a México en 1941; sin embargo, Péret regresará a Francia, separándose definitivamente de la pintora, con quien se había casado en 1946..Remedios Varo ya en Mexico realiza diversas actividades para subsistir como: diseño de vestuario, juguetes, decoraciones y una serie de gouaches para la Casa Bayer de México que ilustraba calendarios y folletos publicitarios para diferentes productos farmacéuticos. En todas estas piezas ya se manifiesta la particular estética surrealista que desarrollará en sus obras posteriores: personajes largos y estilizados, arquitectura medieval, ruinas y ciudades desoladas influenciadas por Giorgio de Chirico.

Energia cósmica (1956)

A partir de 1952, se relaciona sentimentalmente con Walter Gruen, refugiado austriaco, quien le daría la estabilidad emocional y económica necesarias para poderse dedicar de lleno a la pintura. A partir de entonces, Remedios deja de experimentar con las técnicas surrealistas y consolida un lenguaje propio basado en experiencias personales, nutridas con los recuerdos de su infancia, el sufrimiento del exilio y la búsqueda de una verdad interior y un conocimiento superior.

El gato hombre (1952)

A partir de los años cincuenta, la artista ya no experimenta con el automatismo psíquico del surrealismo, su obra está perfectamente definida y construida a partir de bocetos que varían poco, fruto de una profunda reflexión interior, en donde, con un mundo fantástico, místico y esotérico, nos muestra el desarrollo de un crecimiento espiritual, a través de símbolos velados.

Arquitectura vegetal (1962)

Lectora incansable, la inspiración para la creación de sus cuadros proviene de autores como Baudelaire, Antoine de Saint-Exupéry, Émile Zola, entre otros. Sin embargo, serán las teorías místicas y esotéricas de George Ivánovich Gurdjieff y su discípulo Ouspensky, las que le darán la materia prima para sus fantásticos y misteriosos cuadros.

Icono (1945)

En 1945 le habían encargado Icono, una obra destinada a un grupo sudamericano que seguía las doctrinas de Gurdjieff, donde muestra el eneagrama del cuarto camino, símbolo de la búsqueda de la verdad y un plano de conciencia superior.

Si hay alguna palabra que defina su obra es la complejidad. Su estilo es muy característico, sus obras están plagadas de figuras humanas estilizadas realizando tareas simbólicas, todo bañado de elementos oníricos y arquetípicos.La artista siempre ha combinado en su obra lo mítico con lo científico, y lo sagrado con lo profano. En Europa fue influenciada por el movimiento surrealista y los estudios de metafísica. Sus influencias van desde los estudios antiguos, la literatura, la física, las matemáticas, la ingeniería, la biología y el psicoanálisis.Sus criaturas son místicas, muchas veces viven en soledad y suelen practicar algún tipo de actividad científica. Con misteriosos ojos almendrados, rasgos andróginos, y sus pinturas están llenas de simbología y elementos ocultos.

El rey (1958)

A los personajes de sus obras solemos encontrarlos con actitudes contemplativas, pasivas, simbólicas, todo ello un claro reflejo de la inestabilidad de la existencia humana, una existencia que está continuamente expuesta al cambio.

Mimetismo (1960)

Pintores surrealistas como Roberto Matta y Gordon Onslow, estuvieron inspirados en estas teorías. En obras como Au bonheurs des dames, vemos figuras femeninas, movidas por ruedas comprando más ruedas, como una crítica al automatismo y consumismo de nuestra sociedad.
Tal vez la búsqueda sea el tema más reiterativo en la obra de la artista, una búsqueda de sí mismo, del conocimiento, del amor, etcétera. En obras como Hallazgo, Remedios Varo nos enfrenta al encuentro de una verdad superior representada por una perla, quizá la piedra filosofal que flota en medio de un bosque fantástico ante una nave tripulada que por fin llega a su meta.

Mujer saliendo de psicoanalista (1960)

Tanto en Ruptura como en Mujer Saliendo del Psicoanalista, la búsqueda y el encuentro son los del verdadero «yo». En ésta última, la mujer que sale de la consulta y tira la cabeza de su padre, supera el Complejo de Electra para encontrar su propia personalidad. 

La tejedora de Varona (1956)

Por otra parte, Remedios nos muestra que podemos encontrarnos tejiéndonos a nosotros mismos, como en La tejedora roja o en La tejedora de Verona.

El vagabundo

Y en esta búsqueda, como en Vagabundo, llevamos nuestra casa con nosotros, nuestros libros, nuestros recuerdos y nuestra melancolía, en el traje de ese ser fantástico que al mismo tiempo es vivienda, vehículo y cobijo. 

Exploracion de las fuentes del Orinoco (1959)

Por otro lado, la artista, busca en su obra Exploración de las fuentes del río Orinoco, el origen del este y lo encuentra en un árbol que contiene una copa que gota a gota nutre el caudal del río.

Transito en espiral

Su obra nos maravilla con arquitecturas fantásticas, como Tránsito en espiral, donde un castillo medieval que flota en el agua es recorrido por vehículos misteriosos. La técnica es prodigiosa y se recrea en los mínimos detalles. Su virtuosismo también se puede apreciar en el cuadro Bordando el manto terrestre, donde un mago, o tal vez un alquimista, dirige a un grupo de jovencitas que tejen una inmensa manta cuyos dobleces y arrugas dan lugar a campos, montañas, valles y lagos, donde se asientan casas y crecen árboles.

Revelación de relojero (1955)

La alquimia está presente en la obra de Remedios. En esa búsqueda de explicarse el mundo del espíritu, a la luna la alimentan, un ser fantástico crea aves con los rayos de una estrella y pinturas misteriosas, un hombres vuela gracias a la música celestial, los astros crean hombres primigenios y el alquimista de Fenómeno de Ingravidez, logra acceder a diversos planos de conciencia.

Robo de sustancia(1955)

Remedios Varo es inagotable en su obra, es admirada y estudiada, y aunque existen eruditas y esclarecedoras interpretaciones de sus piezas, siempre habrá un halo de misterio en sus pinturas, que nos inviten a soñar con mundos fantásticos, descubrir cosas maravillosas o enfrentarnos a nuestros más profundos deseos.

Naturaleza muerta y resucitando (1963)

En el año 1963, falleció de un infarto, y la última obra que nos dejó la gran artista fue Naturaleza muerta resucitando, un extraño y premonitorio cuadro.

https://www.elmundo.es/cultura/2015/11/01/5635a342ca4741bf1f8b4670.html

https://losojosdehipatia.com.es/cultura/arte-2/remedios-varo-la-artista-de-los-suenos-simbolicos/