martes, 31 de enero de 2017

BATALLA DE CASCINA...MIGUEL ANGEL BUONARROTI




La batalla de Cascina es un fresco diseñado por Miguel Ángel para el Palazzo Vecchio de Florencia. No llegó a pintarlo e hizo sólo el cartón  previo, que fue destruido y es conocido por la copia pintada al óleo por Bastiano da Sangallo y por dos grabados parciales de Marcantonio Raimondi.
En 1503, la Señoría de Florencia ideó una gran decoración para la Sala del Consejo (actualmente sala del Cinquencento) del Palazzo Vecchio. La república había sucedido al reinado de Lorenzo el Magnífico y a la tiranía de Savonarola. Por lo tanto, para competir con el patrocinio de los Médici, y glorificar la grandeza y el poder de Florencia, encargó a Leonardo da Vinci un fresco celebrando La batalla de Anghiari y la victoria sobre los milaneses, y otro a Miguel Ángel, de La batalla de Cascina y la victoria sobre los pisanos.
Miguel Ángel acababa de triunfar con su estatua de David . Instaló su taller en el Hospital dei Tintori de San'Onofrio. Se sabe que el 3 de octubre de 1504, los cartones ya se habían visionado. Trabajó hasta su partida a Roma en 1505 y acabándolos en su retorno a Florencia en 1506. En mayo de 1506  Miguel Ángel abandonó La batalla de Cascina, y se marchó a Bolonia, donde trabajó durante dos años en la estatua del papa Julio II, que había de ponerse en la fachada de San Petronio. La estatua resultaría destruida en 1511 por la población de Bolonia.
Narra el ataque sorpresa de los soldados de la ciudad de Pisa a los soldados florentinos, y la importancia de esta obra radica en la comparación con la de Leonardo, precisamente, ya que tenemos a la vista la obra del último pintor del Cuattrocento y la del primero del Cinquecento, ya que esta pintura rebosa efecto sorpresa, figuras enlazadas en torsiones novedosas, y cualquiera de las características de Miguel Ángel que estamos viendo.
Cuenta Vasari que "Cuando vieron este esbozo los otros artistas quedaron rendidos de admiración y atónitos, porque era una revelación de la cima que el arte del dibujo podría conseguir. Aquellos que han visto estas inspiradas figuras declaran que nunca han estado superadas por ningún artista, ni siquiera por Miguel Ángel y que nadie, nunca, conseguirá alcanzar esta perfección."
Miguel Ángel no eligió como motivo la lucha sangrienta de florentinos y pisanos, sino el instante previo cuando aquellos fueron alertados del ataque. Demostró su gran dominio del desnudo, junto con el movimiento dinámico y de creación hasta agotar todas las posibilidades expresivas con gran variedad de técnicas, contornos con carbón, otros con trazos fuertes, esfumados e iluminados con yeso. Por ejemplo en el Desnudo de espaldas conservado en la casa Buonarroti de Florencia, se aprecian los perfiles con trazos gruesos y las sombras en retícula.
Por su partida a Roma llamado por el papa Julio II, el artista no pudo pasar al fresco los cartones.  Curiosamente, existe una copia de la parte central de La batalla de Cascina, hecha por Bastiano da Sangallo y conservada ahora en el palacio Holkham Hall de Norfolk (Reino Unido).

http://masarteaun.blogspot.com.es/2011/03/miguel-angel-batalla-de-cascina-1504-05.html
https://es.wikipedia.org/wiki/La_batalla_de_Cascina

AGNOLO BRONCINO...ALEGORIA DEL AMOR



Como dice el título de esta obra de Agnolo Broncino (Alegoria del amor), se trata de una alegoría: un cuadro en el que cada uno de los personajes representados simboliza una idea o concepto. Por lo general, este tipo de figuras suelen llevar unos atributos que nos permiten identificarlas fácilmente, sin embargo, en este caso concreto, sólo podemos identificar con seguridad a tres de ellas. Esto hace que sea un cuadro bastante difícil de interpretar.
A lo largo de la Historia del Arte, la pintura siempre ha sido un gran medio para mostrar diferentes alegorías, es decir, para representar simbólicamente ideas abstractas por medio de figuras y atributos. Cuando estamos ante una pintura alegórica, nos enfrentamos a un enigma, a un juego de detectives, donde lo que vemos representado tiene un significado oculto. Una de las etapas artísticas donde hubo un gran interés por este tipo de obras fue el Manierismo, desarrollado entre 1530 y 1580 aproximadamente, se trata de un periodo de transición entre el Renacimiento y el Barroco. Los manieristas, educados en el estilo renacentista, comenzaron a cuestionar esa forma de pintar, casi a modo de burla se dedicaron a experimentar pintando figuras ligeramente desproporcionadas, con largas extremidades, colocadas en posturas retorcidas, desequilibradas, y utilizando una paleta de colores fríos y artificiales. Igualmente fueron complicando la temática de sus cuadros, dándoles una carga intelectual más alta, haciendo más difícil la interpretación de los mismos, algo que además era muy demandado por la sociedad cortesana para la que pintaban. 
Como dice el título, se trata de una alegoría: un cuadro en el que cada uno de los personajes representados simboliza una idea o concepto. Por lo general, este tipo de figuras suelen llevar unos atributos que nos permiten identificarlas fácilmente, sin embargo, en este caso concreto, sólo podemos identificar con seguridad a tres de ellas. Esto hace que sea un cuadro bastante difícil de interpretar.
La Alegoría del Amor, es un buen ejemplo, pintado por Agnolo Bronzino hacia 1540. Se trata de uno de los máximos representantes del Manierismo. Trabajó la mayor parte de su vida en Florencia para Cosme I de Médici, Gran Duque de Toscana. Al parecer la obra fue un encargo de éste para obsequiar a Francisco I de Francia, que era un enamorado del arte italiano. A simple vista la pintura se centra en dos figuras fáciles de reconocer que ocupan el centro de la composición: Venus, la diosa de la belleza y del amor carnal, con la manzana de oro que ganó durante el juicio de Paris; y Cupido, el dios amor puro, con sus alas, su aljaba y sus flechas. Aparecen totalmente desnudos, pintados con una piel pálida, casi marmórea, con unos cuerpos alargados y en una posición retorcida, muy teatral. Su actitud es claramente erótica, ya que se les representa dándose un sensual beso, con Cupido estrechando uno de los senos de la diosa. Aparentemente la diosa aprovecha el momento del beso para quitar a Cupido una de sus flechas sin que este se entere. Pero la intención de Bronzino no era mostrar simplemente una escena provocadora, la clave del cuadro no está a simple vista, sino en el conjunto de extrañas figuras distribuidas alrededor de Venus y Cupido.



A la derecha del cuadro aparecen dos figuras, en primer plano se representa un putto, un niño, de dorados cabellos que se acerca a la pareja para celebrar el amor lanzando pétalos de rosa, en su pie izquierdo lleva una pulsera de cascabeles que añaden "música" a la escena, en cambio su pie derecho ha pisado una espina que le hace sangrar, sin embargo parece no darse cuenta pues muestra una amplia sonrisa. Por eso simboliza la Ceguera del amor, que es incapaz de ver o sentir nada más.
En segundo plano aparece una figura más ambigua, supuestamente se trata de una hermosa niña que ofrece un dulce panal de miel, sin embargo enseguida se aprecia que el resto de su cuerpo es monstruoso, mitad serpiente, mitad bestia. Su otra mano esconde el aguijón que remata su cola, por eso simboliza el Engaño, que aparentemente proporciona placer pero en el fondo esconde sufrimiento.


A la izquierda de los amantes aparece una figura que rompe con el aspecto general de felicidad y alegría que muestra el cuadro. Representa a una persona que con un gesto cargado de furia y dolor, se lleva las manos a la cabeza, todos sus dedos están en tensión hasta el punto que parece arrancarse los cabellos. Podría representar a los Celos, aunque también se la identifica con la Sífilis, por el color enfermizo que presenta su piel, y porque es una enfermedad que fue una auténtica pandemia en aquella época.



Tiradas en el suelo hay dos máscaras, que observan con sus cuencas vacías el beso de los amantes. Se podría pensar que se trata de la típica representación de la Tragedia y la Comedia, pero en sus rostros no aparecen los gestos tan marcados que las caracterizan y hacen tan reconocibles. Por eso se ha pensado que simbolizan simplemente las Dos Caras que tiene el amor, una positiva y otra negativa.

En la parte superior del cuadro hay dos figuras que forcejean con la tela azul que cierra la escena. Una de ellas es el Tiempo, fácil de identificar, aparece representado como un anciano alado, en referencia al tiempo que pasa volando, y con un reloj de arena que carga a su esplada; parece decidido a quitar el velo que protege a los amantes. La otra figura, especialmente llamativa ya que le falta media cabeza, puede interpretarse, ante la ausencia de cerebro, como la Necedad; que se esfuerza por esconder la escena amorosa.
Agnolo Bronzino, a través de su cuadro, nos da una lección sobre el Amor: si este no es verdadero, está rodeado de peligros, pues es engañoso al tener siempre dos caras, una positiva, dulce como un panal de miel, pero también otra negativa, como la de una picadura venenosa;además provoca cegueracelos y actos necios. Pero al final, no hay falsedad que no sea descubierta por el tiempo, que pone a todos en su sitio.
Tenemos, por tanto, los siguientes elementos: el Amor (Venus y Cupido), el Tiempo, el Placer, el Engaño, el Olvido (o la Noche) y la Sífilis (o la Locura). Teniendo en cuenta que las alegorías siempre tienen moraleja, lo más probable es que Bronzino nos esté advirtiendo de los peligros que tienen las aventuras , que nos pueden llevar al engaño . El Tiempo y el Olvido que están detrás la cortina, en segundo plano, nos recuerdan que la belleza y el amor no son eternos.
Tecnicamente,todo el espacio de la obra está ocupado por objetos y figuras, y no hay lugar para que la vista descanse. Este aspecto está relacionado con el espíritu y el tema de la obra: la agitación y la falta de decisión. El amor, el placer, el engaño y los celos enredados y mezclados formando una estructura compleja. Por otra parte, observamos que la disposición de los personajes permiten describir un rectángulo formado por dos “L”. Venus y Cupido forman una “L” siguiendo la forma del cuadro; el Placer y el Padre Tiempo están dispuestos formando una “L” invertida, que equilibra la anterior. Las figuras representadas parecen frías, casi de mármol. Esa sensación se ve intensificada por los colores utilizados, también de la gama de los fríos, como los azules claros, azules oscuros, verdes y blanco de nieve. Sólo utilizó como color cálido el rojo del almohadón donde se arrodilla Cupido. Toda esta frialdad contrasta con la actividad sensual de algunos personajes. De esta forma, se establece una especie de tensión entre las formas, los colores y el tema. 
Esta pintura fue un regalo que le hicieron los Medici a Francisco I de Francia.
Las frías figuras desnudas se destacan, como si de un esmalte o de mármol se tratara, sobre un intenso azul ultramar, renunciando Bronzino al fondo, de la misma manera que en los dibujos pintados para la fábrica ducal de tapices. La composición muestra la influencia de Miguel Angel, especialmente su famoso cartón que muestra a Venus y Cupido besándose, así como de algunas obras de Pontormo, el maestro de Bronzino. 
La tabla fue adquirida por la National Gallery en 1860, convirtiéndose en la obra más cargada de erotismo de la colección.


http://clio.rediris.es/n37/articulos/minana.pdfhttp://www.elcuadrodeldia.com/post/99551123263/agnolo-bronzino-alegor%C3%ADa-con-venus-y-cupido
http://lamemoriadelarte.blogspot.com.es/2012/10/alegoria-del-amor.html
https://lasmilhistoriasdelarte.wordpress.com/2015/10/17/la-flor-del-mal-alegoria-del-triunfo-de-venus-de-bronzino/
http://www.artehistoria.com/v2/obras/8350.htm

lunes, 30 de enero de 2017

EL ARTE DEL VEDUTISMO


El vedutismo (de veduta, ‘vista’ en italiano; plural, vedute) es un género pictórico muy típico del Settecento (siglo XVIIIitaliano, desarrollado sobre todo en la ciudad de Venecia. Enmarcadas dentro del paisajismo, las vedute son vistas generalmente urbanas, en perspectiva, llegando a veces a un estilo cartográfico, donde se reproducen imágenes panorámicas de la ciudad, describiendo con minuciosidad los canales, monumentos y lugares más típicos de Venecia, solos o con la presencia de la figura humana, generalmente de pequeño tamaño y en grandes grupos de gente. Concebidas como recuerdos –casi como postales– para viajeros extranjeros, las vedute tuvieron mucho éxito, llegando su influencia a casi todos los rincones de Europa, e iniciando una característica forma de representar el paisaje que fue imitada por muchos artistas europeos. Sus mayores exponentes fueron CanalettoBernardo BellottoFrancesco GuardiMichele Marieschi y Luca Carlevarijs.
En el siglo XVIII, la República de Venecia vivió una época de crisis política y económica, que produjo un efecto social propenso a la revitalización de su cultura, que incorporó los nuevos valores ilustrados, y propició en el terreno del arte una búsqueda de nuevas soluciones formales distintas a las del arte barroco, el estilo anterior. Cabe destacar que la presencia en la ciudad de importantes colonias de extranjeros, sobre todo ciudadanos británicos, propició la internacionalización del arte veneciano, favoreciendo el intercambio cultural y el comercio artístico, así como los viajes de artistas venecianos a otros países.

Bacino di San Marco, óleo sobre lienzo de Gaspar Van Wittel 
La veduta recibió la influencia de eminentes paisajistas anteriores como Nicolas PoussinClaude Lorrain o Salvatore Rosa, así como del paisajismo holandés. Uno de sus claros precedentes fue Gaspar van Wittel, activo en Venecia, Nápoles y Roma entre finales del siglo XVII y principios del XVIII, autor de paisajes urbanos con ruinas y monumentos, así como pequeñas figuras humanas, como en El muelle de San Marcos. Concebidas en principio como vistas imaginarias, compuestas de forma ideal por el artista, enseguida pasaron a ser imágenes extraídas de la realidad, a veces con un gran detallismo y una minuciosa descripción del mundo circundante. La veduta suele estar compuesta de amplias perspectivas, con una distribución de los elementos cercana a la escenografía, y con una cuidada utilización de la luz, que recoge toda la tradición de la representación atmosférica desde el “sfumato” de Leonardo y las gamas cromáticas de amaneceres y atardeceres de Claude Lorrain. El vedutismo influyó a artistas de épocas posteriores como Joseph Mallord William TurnerCamille CorotJames McNeill WhistlerClaude Monet, etc.
 Capriccio di Marco Ricci
Una derivación de la veduta fue el capriccio (capricho), un tipo de representación basada en el paisaje pero de corte fantástico, idealizado, generalmente con un motivo particular que llama la atención, como es la representación de ruinas. En el capriccio pueden coexistir edificios reales e inventados, antiguos y modernos, cualquier elemento que surja de la voluntad del artista. Desarrollado también fuera de Venecia por artistas como Giovanni Battista PiranesiGiovanni Paolo Pannini y Giovanni Niccolò Servandoni, el capriccio fue practicado por casi todos los vedutistas venecianos. Estos paisajes con ruinas fueron un claro precedente del gusto tan romántico por la ruina, y entroncarán con categorías estéticas tan de gusto romántico como lo sublime y lo pintoresco.
Giovanni Battista Piranesi-Capricho de escaleras y arcos con cadena


Giovanni Paolo Pannini

 Giovanni Niccolo Servandoni
Luca Carlevarijs-El muelle con el Palacio Ducal
Luca Carlevarijs , de origen friulano, fue uno de los primeros artistas que se dedicaron al vedutismo. Sus primeras obras fueron de tema religioso, de estilo tardobarroco, pero enseguida se decantó hacia el paisaje y la marina

Lámina Giclée Luca Carlevarijs 
En 1703 publicó una serie de grabadosLas Fábricas y Vistas de Venecia dibujadas, puestas en perspectiva y talladas por Luca Carlevarijs, con el objetivo de “dar a conocer en los países extranjeros las Magnificencias Venecianas”. Eran grabados al aguafuerte, donde mostraba los principales edificios (“fábricas”) de Venecia, sus principales monumentos y parajes naturales. Dotados de un fuerte sello científico, eran composiciones que destacaban por el uso de la perspectiva y los estudios matemáticos y geométricos. Sin embargo, en sus posteriores obras, Carlevarijs evolucionó hacia una forma de representar el paisaje no tan fidedigna, sino más idealizada, forzando la perspectiva para conseguir imágenes más impactantes, escenas que evocan una ciudad mítica e inmortal. 

Entrada del embajador británico en el Palazzo Ducale 
Entre 1704 y 1714 se dedicó al capriccio, para circunscribirse desde entonces a las vistas reales, con más demanda entre clientes extranjeros. Entre sus obras destacan: El muelle con el Palazzo Ducale , El muelle con la Zecca y la punta de la Dogana , Entrada del embajador británico en el Palazzo Ducale , Puerto de mar con arco triunfal , El muelle y la Piazzetta , Capricho con ruinas, fuente y jinetes , etc.
Giovanni Antonio Canal (Canaletto)-Plaza de San Marcos
Giovanni Antonio Canal, Canaletto , fue quizá el más grande exponente del vedutismo veneciano. Iniciado con su padre en la escenografía, en un viaje a Roma en 1719 decidió dedicarse a la pintura. Desde entonces, sus obras tuvieron mucho éxito sobre todo entre clientes británicos, destacando el cónsul Joseph Smith, quien le efectuó numerosos encargos. 
Prospectus Magni Canalis Venetiarum (uno de los grabados)

Por mediación de Smith, en 1735 elaboró un catálogo para sus clientes, un conjunto de 14 grabados titulado Prospectus Magni Canalis Venetiarum. La producción de Canaletto es más compleja que la de su maestro Carlevarijs, con un repertorio figurativo más variado, una elaborada organización esquemática, colores más esplendorosos, con juegos de luces y sombras, detalles más precisos, volúmenes más concretos y perspectivas más racionales. Entre 1746 y 1755 residió en Londres, donde cosechó un considerable éxito, y compuso diversas obras con la ciudad del Támesis como tema. Entre sus obras destacan: El Canal grande desde el Palazzo Balbi , El Canal de los Mendigos , Los Santos Juan y Pablo y la Escuela de San Marcos , Plaza de San Marcos hacia el oeste , Campo de Santa María Formosa , El Arsenal , El Bucentauro regresa al muelle el día de la Ascensión , Regata en el Canal Grande , El Dux en San Roque , El muelle de San Marcos hacia el este , El Canal Grande hacia el sureste desde la iglesia degli Scalzi , Fiesta en el dique de Santa Marta (1758-1763), etc.
Canaletto: La Basílica de San Marcos y el Palacio Ducal, 1735

Basílica de San Juan y San Pablo, de Canaletto. Veduta obtenida uniendo cuatro folios esbozados con la ayuda de una cámara oscura.
El detallismo de la obra de Canaletto es tan preciso que se ha apuntado que el pintor se valía de una cámara oscura, un ingenio que funcionaba de manera similar a la de una cámara fotográfica moderna, proyectando una imagen sobre la cual el artista podía trabajar. Sin embargo, una escena como la inferior a estas líneas no podía ser registrada por la cámara de una sola vez, pues tiene tantos puntos de vista que ha habido que refundirlos para formar una ilusión panorámica convincente. En este esbozo, lo elevado del punto de vista hace pensar que se está mirando por una ventana; pero no existe edificio donde el artista hubiera debido situarse para usar la cámara.
Michele Marieschi  tuvo una breve pero fructífera carrera, si bien ha sido recientemente reconocido después de un largo olvido. Iniciado en la escenografía, después de un viaje a Alemania en 1735 inició su carrera como pintor. Recibió la influencia de Marco Ricci, perceptible en las composiciones con primeros planos en sombras y fondos iluminados. Las obras de Marieschi destacan por una composición dinámica, espacios dilatados, fuertes claroscuros y colores de empaste denso. Al parecer también utilizó la cámara oscura, siendo perceptible en sus obras las mismas distorsiones de perspectiva que se hallan en Canaletto. En 1737 se integró en el taller de su suegro, Domenico Fontana, para el que empezó a elaborar sobre todo caprichos. Siguiendo el ejemplo de Canaletto, en 1741 publicó un álbum de grabados, Magnificentiores Selectioresque Urbis Venetiarum Prospectus, del que no pudo ver los frutos al morir prematuramente. Entre sus obras destacan: El Canal Grande en Ca’Pesaro , La plaza de los leones (o de San Basso) , El puente de Rialto con el canal del Hierro , El Canal Grande en Ca’Rezzonico desde el campo de San Samuel , La iglesia de la Salute , Capricho con aldea a la orilla de un río , Capricho con edificio gótico y obelisco , El Canal Grande junto al mercado de pescado , etc.


Francesco Guardi  es quizá, junto a Canaletto, el más dotado vedutista veneciano. En sus inicios, trabajó estrechamente con su hermano Antonio, lo que ha originado ciertos problemas de adjudicación. La obra de Guardi se nutrió de la lección de Canaletto, sobre todo en las composiciones arquitectónicas –y en el uso de la cámara oscura–, si bien sus cuadros tienen un aspecto más melancólico, con un tipo de atmósfera esfumada que contrasta con las claras composiciones del maestro. Quizá adelantado a su tiempo en cuanto al cromatismo de sus obras (que fue más valorado durante el romanticismo), en vida no obtuvo el suficiente reconocimiento, por lo que no fue acreedor de un mecenazgo como el que tuvo Canaletto, recibiendo encargos básicamente del estado y la Iglesia. También se dedicó al capriccio, del que hay catalogadas unas 300 obras. Entre sus obras destacan: La Plaza de San Marcos hacia la Basílica , El Canal Grande hacia Rialto con el palacio Grimani y el palacio Manin , El Canal Grande con las Fábricas Nuevas , El canal de Cannaregio , San Giorgio Maggiore visto desde el canal de la Judería , Borrasca marina , Capricho con marina, torre derruida y palmeras , Fiesta de la Ascensión en la Plaza de San Marcos , Incendio en San Marcuola , etc.
Caprchos con el Coliseo
Bernardo Bellotto era sobrino de Canaletto, con el que se formó. Su obra se diferencia de la de su maestro en unos contornos más geométricos y la utilización de colores más fríos, con más claroscuro, y personajes más caracterizados psicológicamente. Sin embargo, siguió su estela en la elección de motivos, hecho que ha provocado diversas controversias de adjudicación de obras de estos dos artistas. En 1742 viajó a Roma, realizando una serie de composiciones de los monumentos y lugares típicos de la capital italiana, que empiezan a mostrar el sello característico de Bellotto, en imágenes de gran fidelidad descriptiva que muestran el aspecto moderno de las antiguas ruinas clásicas. Entre 1744 y 1745 residió en Milán y Turín, donde va perfeccionando su estilo, especialmente en la plasmación de diversos ambientes atmosféricos en sus paisajes. Desde 1747 residió en Alemania, Austria y Polonia, donde se afianzó como uno de los mejores paisajistas del siglo XVIII. Entre sus obras destacan: El Canal de los Mendigos y la Escuela de San Marcos , Campo de San Esteban , El Canal Grande desde Ca’Foscari , El muelle de San Marcos desde la Piazzetta , Plaza de la Signoria hacia el Palazzo Vecchio , Capricho romano con el Campidoglio , El Arco de Tito en Roma , El antiguo puente sobre el Po en Turín , Capricho con el Coliseo , Dresde desde la orilla derecha del Elba , Viena desde el Belvedere , Ruinas de la Kreuzkirche , Vista del castillo real desde el Vístula , etc.

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https://es.wikipedia.org/wiki/Vedutismo
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EL SUEÑO...FRANZ MARC



Uno de los momentos claves de la historia de la pintura es la generalización del uso de la fotografía en la segunda mitad del siglo XIX. Hasta entonces la pintura era la forma preferida de captar la realidad, se habían hecho grandes esfuerzos por captar la perspectiva, el color, la profundidad... cuando una obra se alejaba de la realidad visible se consideraba extraña, extravagante, de mala calidad. Al surgir la fotografía, quedó claro que la pintura no podía competir en realismo. Este detalle, en vez de suponer una crisis, fue una liberación para muchos artistas que consideraban la pintura no simplemente como una mera representación de la realidad, sino como una profunda expresión de sus pensamientos, sentimientos, miedos... Los primeros en experimentar la nueva concepción de la pintura fueron los pintores Impresionistas y Postimpresionistas a finales del siglo XIX, y a inicios del siglo XX llegaron las Vanguardias, entre ellas el Expresionismo al que pertenece Franz Marc. 

El Expresionsimo fue una de las primeras Vanguardias, y surgió como reacción frente al Impresionismo, en vez de plasmar la "impresión" que les producía la realidad, los expresionistas preferían expresar sus sentimientos existenciales sobre los cuadros, lo que suponía deformar la realidad. El expresionismo fue un movimiento muy heterogéneo, con diferentes grupos de características distintas, uno de ellos surgió en Munich en 1911 y se denominó Der Blaue Reiter (El jinete azul), a el pertenecieron Wassily Kandinsky, August Macke y Franz Marc. Estuvo muy influenciado por el Fauvismo, con el que compartía el uso de colores básicos muy encendidos y luminosos, usados simbólicamente y no como aparecen en la realidad, de ahí que se pudiese pintar un caballo de azul; y con el Cubismo, con el que compartía la representación de la realidad mediante formas geométricas y mediante una perspectiva múltiple. La última exposición del grupo fue en 1914, justo después comenzó la Primera Guerra Mundia, provocando su disolución. Con la llegada del nazismo a Alemania, las obras de los pintores vanguardistas, incluidos los expresionistas, fueron sepultadas o quemadas, ya que eran consideradas como un arte degenerado.
La pintura "El sueño" es un buen ejemplo del expresionismo practicado por Franz Marc. Su obra está basada en la realidad, pero no la representa de un modo realista: al fin y al cabo podemos distinguir claramente a una mujer en el centro de la composición, que aparece desnuda y aparentemente durmiendo, rodeada de un grupo de caballos, de un león y de una casa, que parecen surgir a su alrededor producto de su sueño, pero que han sido pintados con extraños colores y con formas geométricas. El uso del color nos muestra la influencia del Fauvismo, colores puros y fuertes, que Franz Marc usa simbólicamente a lo largo de toda su vida, el azul como símbolo de lo masculino, de lo intelectual, de lo espiritual; el amarillo como símbolo de lo femenino, de lo amable, de lo sensual; el rojo como la materia bruta que debía ser compensado y vencido por los otros dos colores.

La mujer es el centro de la composición, su rostro se ha simplificado hasta el punto que lo único que destaca son sus ojos cerrados. Aparece sentada, con sus brazos cruzados, apoyados sobre sus piernas también cruzadas, y el cuerpo y la cabeza inclinados a un lado, dando la sensación de que se está balanceando mientras duerme.


 Los dos caballos del fondo contribuyen a dar una mínima sensación de profundidad, debido a su menor tamaño y a que aparecen en escorzo, avanzando hacia el frente en una complicada perspectiva. Dan sensación de movimiento y a la vez contribuyen a la idea de que el sueño de la joven es el que atrae al resto de criaturas a su alrededor.


En la izquierda del cuadro aparece un león de color amarillo. Los animales son una constante en los cuadros de Franz Marc, representan sus ideales de una vida sencilla en contacto con la naturaleza, una especie de Arcadia donde reina la paz y la felicidad. Un tema poco común para los expresionistas, pero al fin y al cabo un deseo existencialista del pintor, expresado en esta obra.
Se puede considerar que mediante un estilo ligado al mundo real, pero liberado de las ataduras de la representación verosímil de la naturaleza, Franz Marc logra reflejar con maestría en El sueño "el ritmo orgánico... de todas las cosas" y pone de manifiesto su conocimiento de las teorías futuristas italianas y del cubismo francés. La composición está estructurada a base de líneas dinámicas que parten de la figura femenina situada en primer plano que, desnuda y dormida, se convierte en símbolo de la armonía entre el mundo humano y el animal. Junto a ella aparece todo un elenco de seres, que en mitad de la noche parecen ser producto del sueño de la mujer. Marc les asocia colores de significados simbólicos, de manera que, por ejemplo, el azul representa lo masculino e intelectual y el amarillo lo femenino y amable.

http://arte.laguia2000.com/pintura/el-sueno-de-franz-marc
http://www.museothyssen.org/thyssen/ficha_obra/1132
http://lamemoriadelarte.blogspot.com.es/2012/09/el-sueno-de-franz-marc-uno-de-los.html
http://www.elcuadrodeldia.com/post/123557615438/franz-marc-el-sue%C3%B1o-1912-%C3%B3leo-sobre-lienzo
https://tuitearte.es/2012/07/25/franz-marc-el-sueño/