lunes, 26 de junio de 2017

AUTO DE FE PLAZA MAYOR DE MADRID DE FRANCISCO RIZI



El rey Carlos II preside un auto de fe celebrado en Madrid el 30 de junio de 1680, acto que se inicia con el juramento real de defender la fe católica y perseguir a los herejes y apóstatas. La Inquisición fue creada en Roma en el siglo XIII, como tribunal contra los herejes y fue encomendada a los dominicos. En España la Inquisición comenzó en Aragón, y los Reyes Católicos la establecieron para todos los reinos en el siglo XV. El primer auto de fe se celebró en Sevilla el 6 de febrero de 1481. Aunque la mayoría de los autos de fe eran privados, en ocasiones se celebraban públicamente, como las ejecuciones o quemas de brujas en otros países europeos. En la corte no se solían realizar autos de fe y el último se había celebrado en 1632, por lo que a este acontecimiento se le dio mucha solemnidad, como puede verse en esta obra de Rizi de 1683. Lo que representa está descrito en una obra de José del Olmo, que además era familiar del Santo Oficio (agente de la Inquisición) y maestro mayor de Madrid (responsable de las construcciones de la villa), por lo que él mismo diseñó la obra del tablado o teatro. El auto se celebró en la plaza mayor y duró toda una jornada. Al fondo vemos la tribuna real y en ella a Carlos II, a su mujer María Luisa y a su madre. 


En los balcones, se ubican personas distinguidas de la corte. A la izquierda, rica alfombra y sobre ella el altar con la cruz verde, simbolizando la esperanza de perdón de los reconciliados, y el estandarte del Santo Oficio. Al lado, las gradas de los cargos públicos, y el solio del inquisidor general quien todavía está junto a la tribuna del rey después de haberle tomado juramento. En el centro del cuadro vemos a dos reos vestidos como en el siglo XV, con coroza y sambenitos con llamas, a los relatores o lectores de causas y sentencias en los púlpitos, y a unos dominicos con el predicador en el púlpito central. A la derecha están las gradas para los familiares de la Inquisición y los reos en persona o en estatua (muertos o huidos), la cual lleva una inscripción con sus delitos y una caja con sus huesos. Los reos podían ser penitenciados (castigados con diversas penas y que al abjurar de sus errores se convertían en reconciliados) o relajados (condenados a muerte en garrote, o en hoguera si eran reincidentes). En primer plano se ve a los soldados de la fe y los asnos que llevarán a los condenados a muerte a las afueras de la ciudad para ser ejecutados por la justicia secular. En este grupo de soldados en la parte inferior central del cuadro, encontramos una figura masculina que porta un tambor de grandes dimensiones muy utilizado en este tipo de ceremonias.



Francisco Rizi fué un pintor español, hijo del pintor italiano Antonio Ricci, que llegó a España junto a Federico Zuccaro para trabajar en El Escorial, y hermano del también pintor y teórico artístico Juan Andrés; castellanizó su nombre por Rizi. Tras iniciar su formación con su padre, pasaría al obrador del pintor del Rey y tratadista Vicente Carducho, de quien llegó a ser uno de los alumnos más brillantes. Fue un pintor de gran éxito y uno de los máximos exponentes del gran barroco pictórico madrileño desde mediados del siglo XVII. Una formulación que supo transmitir a sus discípulos, pues con él se formaron artistas tan singulares como Juan Antonio Escalante, José Antolínez o Claudio Coello. Desde muy joven estuvo vinculado a la corte -hacia 1638-, llegando a ser pintor del Rey en 1656. Trabajó frecuentemente en decoraciones efímeras, por ejemplo, las de la llegada a Madrid de la reina Mariana de Austria en 1649 o el monumento de la catedral de Toledo de 1669, así como en los numerosos escenarios y tramoyas para el teatro del palacio del Buen Retiro, del que fue director durante décadas.


Todo ello es prueba de su versatilidad en todas las facetas, pues pintó tanto al óleo como al fresco siguiendo a los boloñeses Agostino Mitelli y Angelo Michele Colonna, y de las decoraciones arquitectónicas supo pasar con el mismo éxito a la pintura religiosa o, en el conocido "Auto de fe de la Plaza Mayor de Madrid", llevar a cabo un relato contemporáneo de gran efectividad. Aparte de su trabajo en la corte, estuvo especialmente ligado a la catedral de Toledo, trabajando allí en todo tipo de obras, pinturas sobre lienzo y al fresco -destacando las del célebre Ochavo-, junto a los citados trabajos efímeros, llegando a recibir el título de pintor de la catedral en 1653. En 1661 se atendió su petición de asentarse en el propio Alcázar de Madrid, y de 1673 es su famoso memorial a la reina Mariana de Austria, donde hizo una declaración de agravios a su persona al considerarse postergado a favor de Carreño, al que en 1671 se había nombrado pintor de cámara, no obstante su condición de pintor Real más antiguo.
Su pintura mostrará el pleno desarrollo de las nuevas formas barrocas que cobran protagonismo en la época. Con su pincelada suelta y desenfadada, de plena suntuosidad colorista, logra crear efectos de dinamismo y movimiento cargados de expresividad. Capítulo sobresaliente en este sentido serán sus creaciones al fresco, donde se muestra dominador de las perspectivas arquitectónicas creando espectaculares y animadas representaciones de aperturas celestes. 

Enlaces e imágenes...
https://www.museodelprado.es/coleccion/artista/rizi-francisco/be6569b5-c3d0-4308-8864-49d1a4083235
https://www.museodelprado.es/coleccion/obra-de-arte/auto-de-fe-en-la-plaza-mayor-de-madrid/8d92af03-3183-473a-9997-d9cbf2557462
http://4.bp.blogspot.com/-K87Wwe1hP9o/UYMHcZQwL5I/AAAAAAAAAk4/gpN9fbMeAM4/s1600/Auto+de+fe+Madrid.png
https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/f/f0/Detail_of_Auto_de_fe_1680.jpg
http://www.abc.es/media/historia/2015/12/04/inquisicion-auto-fe--510x286.jpg

domingo, 25 de junio de 2017

BONAVENTURA BERLINGHIERI Y SAN FRANCISCO DE PESCIA

Bonaventura Berlingheieri,hijo de Berlinghieri Berlinghiero,trabajó con su padre y su hermano Barone en su taller común, lo que complica las atribuciones precisas. Como resultado de su arte, medieval, produce numerosos crucifijos según la iconografía del Cristo vivo con los ojos abiertos. Bonaventura está documentado entre 1228 y 1274 en Lucca y se incluye dentro de la escuela florentina.
Entre sus obras, destaca su San Francisco y seis episodios de su vida, retablo sobre madera en la iglesia de San Francesco de Pescia. Se trata seguramente de la primera representación del santo, representado de pie en pie en toda la altura del cuadro, en una instalación hierática y frontal, con algunos episodios hagiográficos, nueve años solamente después de la muerte del santo. Se considera que es la única obra segura del pintor, pues en su inscripción puede leerse: "Anno Domini MCCXXXV Bonaventura Belinghieri de Luc..
En la iglesia de San Francisco en Pescia,pueblo enclavado en las colinas de la Toscana, esta una pintura de los más famosos pintores del siglo XIII italiano: el retablo de San Francisco y las historias de su vida hecha por Bonaventura Berlinghieri en 1235.
La fama de este trabajo depende de varios factores, entre ellos votiva: Esta es una de las primeras representaciones de San Francisco, que murió sólo nueve años antes de la creación de la pintura.
Desde la perspectiva de la Historia de la importancia del trabajo depende tambien del hecho de que es el caso extremadamente raro para la producción artística de esa época,que está firmado y fechado: por lo tanto es un texto esencial e ineludible para el estudio de ese campo difícil que es la pintura del siglo XIII.
Lo primero que llama la atención es el tipo de faldones: demasiado rico y complejo para reducirlo a la etiqueta simplista habitual de "fórmulas" bizantina; estos faldones son de gran cuerpo , incluso en tres dimensiones.

detalle frontal de Francis

detalles de predicacion a los pájaros


 detalle de la limpieza del cojo

 detalle de la liberación 
de los poseídos

Lo curioso, lo que contrasta con la plenitud volumétrica, es que todas las terminaciones están constituidos por una línea recta horizontal y continua, rígida y abstracta, no perturbada por indicios normales ni plegado de los paños.
Vemos otra característica interesante de este trabajo: en las historias están representados con los pies descalzos de Francisco y sus seguidores que descansan perfectamente en el suelo. 

                                                                    detalle frontal de Francis

Llegamos a lo que creo que es una de las características más evidentes de la obra: la enorme distancia que separa a Francisco  de las historias de los otros personajes. Lo que se cierne en la tabla de Pescia es un asceta severo y ahora, casi abstracta, una figura misteriosa e incluso inquietante, con una pequeña cabeza y el cuerpo alargado de una forma totalmente natural, y la expresión facial grave; los personajes de la historia secundarios tienen una humanidad verdadera y,  aunque formal y respetuosos  , están más cercanos y proximos.
Así que es una obra que se maneja en dos registros: el oficial que trae  la devoción de los fieles y, por tanto, se reduce a una fórmula pura solemnidad,que se une a la viveza y la narrativa que necesitan para tener más accesible la humanidad en las pequeñas escenas laterales.
Es por eso que la obra de Bonaventure es, como ya he dicho, una obra compleja.

 detalle de la curación de un niño

detalle de la limpieza de los lisiados

A continuación, se mantienen en los personajes secundarios historias: las figuras masculinas jóvenes,parecen estar vinculadas por lazos de parentesco. Y es en las caras de los personajes, en el más obvio, se puede ver el fuerte vínculo entre Buenaventura y su padre Berlinghiero: además de los tipos de caras, fácilmente comparables con la Cruz de Berlinghiero el Museo de Villa Guinigi en Lucca (trabajo realmente fundamental para gran parte de la pintura de principios del siglo XIII).

Estigmatizacion de San Francisco

En resumen creo que no es suficiente para reiterar lo que he dicho antes: la mesa con San Francisco y las historias de su vida di Bonaventura Berlinghieri es un trabajo muy complejo y rico, sorprendente incluso, en definitiva...una obra maestra.

https://books.google.es/books?id=hGK_kNA_mTQC&pg=PA407&lpg=PA407&dq=BONAVENTURA+BERLINGHIERI+Y+SAN+FRANCISCO+DE+PESCIA&source=bl&ots=xp5mpUzeKz&sig=iq4l4f3PjNdZLvppj7eq71jw0N4&hl=es&sa=X&ved=0ahUKEwjK1I20yrvUAhXSEVAKHQA6Dl0Q6AEIWjAN#v=onepage&q=BONAVENTURA%20BERLINGHIERI%20Y%20SAN%20FRANCISCO%20DE%20PESCIA&f=false
http://www.esacademic.com/dic.nsf/eswiki/182346
http://appuntidistoriadellarte.blogspot.com.es/2017/05/il-capolavoro-di-bonaventura.html
http://www.artehistoria.com/v2/personajes/1268.htm
file:///C:/Users/arace/Downloads/Dialnet-LaDifusionDeLaIconografiaFranciscanaAFinesDeLaEdad-554314.pdf

martes, 6 de junio de 2017

GEORGES DE LA TOUR



 “Entréme donde no supe,
y quedéme no sabiendo.”
(Juan de la Cruz)

La historia del pintor francés George de La Tour (Vic-sur-Seille, 1593 - Luneville, 1652) supone una paradoja en el mundo del arte: gozó de reconocimiento en vida pero durante décadas cayó en un olvido absoluto y fue “redescubierto” al mundo por un grupo de investigadores a principios del siglo XX, aunque siguen existiendo muchas lagunas sobre su vida y obra.
De La Tour está valorado como uno de los artistas más importantes del siglo XVII en Francia, por su personalísimo estilo y su dominio de la luz que situaba en un punto concreto creando atmósferas únicas que irradian emoción.

Campesinos comiendo guisantes

Su caída en el ostracismo se debe, en parte, a que muy pocas de sus obras estaban firmadas y datadas, e incluso se atribuyeron por su características a autores españoles como Zurbarán o un joven Velázquez o a la escuela flamenca.

Tañedor de zanfona con perro

Su mirada inconfundible se aprecia en todas sus creaciones. En una primera etapa, De La Tour cae fascinado por los personajes humildes de los bajos fondos como mendigos harapientos, prostitutas y músicos callejeros, a los que retrata con un realismo muy preciso en los detalles.

Job y su mujer

Reviste sus vidas de dignidad en unas impactantes escenas que a su vez muestran violencia, y la desolación de la pobreza más extrema. Estas obras están encuadradas en las calificadas como “pinturas diurnas”.
                                                'El tramposo del as de tréboles'

En este viaje de experimentación, la técnica del pintor evoluciona y se centrará en cuadros de matiz más canallesco como Los tramposos, de los que realiza diferentes réplicas y versiones, a veces de forma obsesiva, en los que incorpora diferencias sutiles sobre un mismo tema.

St. Thomas 

Los tipos físicos retratados se van dulcificando en sus pinceladas. La crudeza de sus mendigos de los primeros tiempos contrasta con la delicadeza que exhibe en sus austeras pinturas de temática religiosa.


Saint Philippe
Destacan por su sobriedad y apenas ofrecen motivos sagrados que den pistas sobre su contenido. Los ángeles de De La Tour no tienen alas, y sus santos carecen de halo. La crítica francesa lo denomina “religiosidad laica”: obras en las que el autor humaniza a los personajes divinos, en palabras de Andrés Úbeda, (jefe de pintura italiana y francesa del Museo del Prado).
Ciego tocando la zanfona

La obra del artista francés alcanza la cumbre con sus “pinturas nocturnas”. Su captura de la luminosidad, herencia de Caravaggio, le sitúa a la altura de los maestros tenebristas del Barroco.


Riña de musicos (detalle)

Sus célebres “noches” son monocromas y tienden al geometrismo. Componen conjuntos conmovedores, en los que la luz parte de un punto concreto como una vela, casi siempre, o un brasero. Un ambiente mágico en el que personajes aparecen inmersos en la reflexión, la soledad y el silencio. Es la impronta personal de un autor enigmático que nació al universo del arte hace apenas cien años.
San Jose y Jesus


Se le relaciona más con los tenebristas holandeses de la escuela de Utrecht, sobre todo con Gerard van Honthorst. En sus cuadros, el origen de la luz es concreto: una vela, una bujía, una antorcha u otra forma de luz artificial, mientras que en las obras de Caravaggio, la luz emanaba de un origen impreciso.


El recien nacido

Practicó un estilo muy personal, con composiciones equilibradas y rigurosas, casi geométricas. Realizó sobre todo temas religiosos y escenas de género, todos ellos con un mismo estilo, tanto así que en algunos cuadros no es fácil distinguir si se trata de uno u otro, sirva como ejemplo “El recién nacido”, que no se sabe si representa en realidad La Natividad.

Magdalena penitente
Entre los temas religiosos, pintó con preferencia santos asociados a la peste, especialistas en prevenir el contagio, de ahí sus varias representaciones de San Sebastián. No se le conocen retratos, prefirió representar a la gente humilde, sobre todo figuras femeninas serias, contenidas, piadosas, mujeres que curan heridos, jóvenes madres con niños, y varias versiones de la Magdalena. 

El pago de los tributos

Entre 1625 y 1630 pasó un periodo de prosperidad, con abundante demanda de su trabajo, y numerosos aprendices. Sin embargo al iniciarse la década de 1630, las guerras que se sucedían entre la región de Lorena con Francia y Austria, hasta el punto que el ejército imperial francés devastó su tierra en varias ocasiones.

Saint Jacques le mineur

Entre 1631 y 1635 padecieron los efectos de la Guerra de los Treinta Años, que dieron lugar a una época convulsa y dramática, con revueltas, rapiñas de los milicianos, rebeliones, un pavoroso incendio en Lunéville, en 1638 y varias epidemias, entre ellas, la peste.

Sueño de San Jose

Sobre 1639 es probable que viajara a París, ya que en un documento de la época es mencionado como “pintor oficial del rey” Luis XIII. En 1643, regresó a Lunéville; desde ese año y hasta su muerte pintó un cuadro cada año en nombre de la ciudad de Lunéville para el gobernador de la Lorena, el mariscal de La Ferté. 
La miseria (detalle)

Otros coleccionistas célebres, como el cardenal Richelieu, el superintendente de finanzas Claude de Bullion, el arquitecto Le Nôtre e incluso Luis XIII, compraron obras suyas. 

Enlaces:

http://www.unpaseoporelprado.elmundo.es/uploads/images/1456906625_ac-2402-jpg.jpg
https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/4/49/Georges_de_La_Tour_-_The_Cheat_with_the_Ace_of_Clubs_-_Google_Art_Project.jpg/800px-Georges_de_La_Tour_-_The_Cheat_with_the_Ace_of_Clubs_-_Google_Art_Project.jpg
https://uploads0.wikiart.org/images/georges-de-la-tour/st-philippe.jpg
http://www.nationalgeographic.com.es/medio/2016/02/24/08f6492fel_tanedor_1000x1526.JPG
https://images.vingle.net/upload/t_ca_l/zwjcsikagsipi33pd1ks.jpg
http://www.rtve.es/noticias/20160219/george-tour-pintor-olvidado-domino-luz/1304621.shtml
http://photos1.blogger.com/blogger/1224/276/1600/08fortun.jpg
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https://oudemeesterschilderijen.files.wordpress.com/2013/12/schilderij-latour-st-thomas-c1615.jpg
http://trabalibros.com/rs/2368/e9c4455d-a317-4f4c-9f70-108d736bae98/ce4/filename/georges-de-la-tour-trabalibros.jpg
https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/12/La_Tour.jpg/1200px-La_Tour.jpg
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http://luislopg.blogspot.com.es/2016/02/georges-de-la-tour-la-luz-de-una-vela.html
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viernes, 2 de junio de 2017

MONASTERIO DE RILA


El monasterio de Rila es un conjunto monacal del siglo X fundado por San Iván de Rila,  un ermitaño que vivió toda su vida dentro de una cueva, durante el reinado del zar Pedro el búlgaro (927-968). San Juan de Rila, cuyas reliquias se exhiben a los peregrinos en la iglesia principal, vívía, de hecho, en una cueva cerca del complejo del monasterio actual.
El monasterio en sí se considera obra de sus aprendices, que llegaron al lugar para ser instruídos por él.El cenobio  está enclavado entre montes y bosques, en el valle del río Rilski y junto al  Drushlyaviysa. Un muro considerable de 22 metros de altura lo encierra y defiende e impidió que lo desvalijaran durante sus muchos siglos de existencia. En sus buenos tiempos, los monjes contrataban a una especie de samuráis, un cuerpo de élite armado de 40 guerreros, que guardaban el recinto y lo protegían de las numerosas incursiones de partidas de bandoleros, y, en caso de ataque, se refugiaban monjes y guardianes en la Torre Jreliyova vecina a la iglesia.



Durante los diez siglos posteriores a su creación, incluso durante el dominio otomano, el monasterio gozó de privilegios especiales por parte de los dirigentes, que lo expandieron hasta convetirlo en un centro de la cultura y uno de los puntos más importantes de la religión ortodoxa.La construcción de los edificios de viviendas, que forman un cuadrilátero irregular alrededor de la iglesia central, se iniciaron en 1816.


En el centro del patio interior se alza el edificio más antiguo del complejo, una impresionante torre de piedra, erigida en 1334.
Una pequeña iglesia, que es sólo unos pocos años más joven (1343) se encuentra junto a la torre. En tiempos más recientes se le añadió a la torre un campanario.
A mediados del siglo XIX empezó la edificación de la iglesia principal del monasterio, la iglesia de la Natividad de la Virgen.
La básilica cuenta con una cúpula, tres hornacinas en el altar y dos capillas laterales. Los objetos más valiosos que alberga la iglesia son su iconostasio de madera con incrustaciones azules además de una serie de importantes iconos producidos entre los siglos XIV y XIX.


Cuando se traspasa el arco de la entrada,uno se queda deslumbrado por ese enorme monasterio bizantino cuya templo luce con arcos pintados con franjas simétricas en blanco y negro, acebradas, que dan al conjunto un aire árabe. El interior de esa arcada exterior, que rodea la iglesia del monasterio, es una especie de capilla Sixtina del arte bizantino en el que no ha quedado un solo espacio por decorar. Escenificaciones de milagros, tentaciones de diablos, representados como repugnantes murciélagos, hechos relevantes religiosos e iconos de santos y patriarcas decoran muros exteriores y techo de la iglesia obra de los maestros de Samokov y Bansko. El interior de la iglesia Rozhdestvo Bogorodichno, como todo templo ortodoxo, huele a incienso y está sumido en la semipenumbra de las velas y la luz tenue de una inmensa araña central que cuelga de la más grande de las cinco bóvedas que tiene. Tampoco queda en el interior un solo espacio sin decorar con pinturas murales que emplean el pan de oro, pan de oro que brilla también en los retablos de madera repujada con trenzados geométricos de inspiración islámica.



Los turcos, que todo lo arrasaban a su paso, que no les agradaban los iconos, respetaron el monasterio de Rila en sus cuatrocientos años de dominación musulmana de Bulgaria. Quizá no les interesaba en demasía ese lugar perdido y refugio de inofensivos monjes.


Una de las piezas exquisitas de ese monasterio, declarado patrimonio de la Humanidad por la UNESCO, se encuentra en el museo. Es una cruz de madera con 36 escenas bíblicas grabadas en ella y 600 figuras en miniatura, proeza que le costó al padre Rafael, el sufrido artesano tallador, la ceguera y puede que le regalara la santidad. 
En el recinto cuadrangular, que rodea y protege el monasterio, distribuidos en los corredores de sus tres plantas que dan la vuelta completa, están las residencias de los monjes, un centenar de celdas.

Como indiqué antes el aspecto actual del monasterio se remonta al siglo XIX. La construcción de los edificios de viviendas, que forman un cuadrilátero irregular alrededor de la iglesia central, se iniciaron en 1816.


El monumento es un ejemplo característico de la Resistencia Búlgara (del siglo XVIII al siglo XIX) y simboliza el sentimiento de identidad cultural eslavita después de siglos de ocupación por el Imperio Otomano.


Hoy es el segundo templo en importancia del mundo ortodoxo, tras el paradigmático monte Athos de Grecia, un conjunto religioso que tiene a sus espaldas algo más que la historia de Juan de Rila. A finales del siglo XIV el pujante imperio otomano invadió las tierras que hoy conforman Bulgaria, en ese entonces un campo de batalla para los terratenientes locales, conocidos como boyardos, nómadas tártaros, nobles venecianos, genoveses, húngaros y serbios. El sinfín de batallas terminó de un sopetón con el golpe de autoridad turco: fuera cristianos de estos montes. Los otomanos seguirían su desenfrenada estampida hacia el norte pero habían encontrado en las montañas búlgaras un puesto avanzado donde descansar sus tropas en busca del imperio germánico.


En 1396, los turcos ganan las batalla de Nicópolis y se hacen con toda la región. Los cristianos serán ahora ciudadanos de segunda, los nobles huyeron y los campesinos acabaron esclavizados, la cultura búlgara, tan próxima a sus vecinos bizantinos, terminó aislada y su religión acorralada y casi que olvidada. Los búlgaros aguantaron el ímpetu turco durante casi cinco siglos porque hasta 1878, merced al tratado de Stefano y gracias a los rusos, que dominaron a los otomanos,en la región no volvió a ondear la bandera de la cristiandad.


Cinco siglos durante los que Rila, y el espíritu de Juan, o Iván Rilski, fueron el último refugio de la cultura ortodoxa, el último hálito del espíritu búlgaro y el motor de la resistencia contra el invasor. Hoy, el monasterio, la iglesia, el complejo religioso, ofrece la tranquilidad de sus doce monjes que intentan en vano huir del mundanal ruido, las coloridas pinturas del pintor decimonónico Zahari Zograph son un gran centro de atracción . El último rincón de la cristiandad en los Balcanes.


Como se puede observar,el monasterio desempeñó un importante papel en la vida espiritual y social de la Bulgaria medieval. Fue destruido por el fuego en el s. XIX pero se reconstruyó entre los años 1834 y 1862. Del periodo anterior se conserva la torre Hrelyu. El resto de las construcciones ocupan un rectángulo con dos entradas decoradas con frescos. En el centro se puede ver la catedral de la Asunción, cuyos frescos exteriores impresionan por los motivos que representa.

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http://www.preguntasantoral.es/wp-content/uploads/2013/09/71.jpg
http://www.losmundosdehachero.com/viaje-a-bulgaria-rila-el-ultimo-reducto-de-la-cristiandad-en-el-imperio-turco/
http://2.bp.blogspot.com/-mxzhvEGsk3s/T6P7FjwEHyI/AAAAAAAACqo/v0T7RlutnDI/s1600/PICT0415.jpg
https://xixerone.com/2012/03/monasterio-de-rila-bulgaria.html
http://www.entretantomagazine.com/2016/10/18/el-monasterio-de-rila-dios-en-las-montanas/
http://misviajesporahi.es/2011/04/el-monasterio-de-rila-la-cueva-bulgaria.html
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viernes, 26 de mayo de 2017

IGOR SAMSONOV





Entre el realismo y el surrealismo Igor Samsonov nació en Voronezh, Rusia en 1963,desarrolló un estilo muy personal y totalmente inconfundible con claras influencias del gótico tardío, o lo que es lo mismo, el Quattrocentro, italiano, siendo Piero della Francesca, su pintor favorito y el que ha inspirado algunas de sus obras.

Por otro lado también le influyeron los artistas flamencos del siglo XVII, “El Bosco”, Johannes Vermeer y Rembrandt Harmenszoon van Rijn; y así mismo del simbolismo y los surrealistas.


Se puede decir que los prerrafaelitas también están presentes en algunos detalles, e incluso el pintor naif Henri Rousseau, en sus últimas de las pinturas, según el mismo manifiesta.
Según los críticos de arte por tanto, la influencia ejercida sobre él posee un amplio espectro de épocas y estilos que han dado lugar a su inimitable estilo.



Comenzó a pintar con sólo seis años de edad, y con diez años expuso por primera vez.



Es licenciado en Arte y en Matemáticas. De 1990 a 1996 estudió en el Instituto de Pintura Ilya Repín de San Petersburgo, donde se graduó en Pintura y escultura, graduándose con honores.


Tras acabar sus estudios, ejerció como profesor de arte en una escuela de enseñanza primaria. 


Desarrolló un estilo muy personal y totalmente inconfundible con claras influencias del gótico tardío, o lo que es lo mismo, el Quattrocentro, italiano, siendo Piero della Francesca, su pintor favorito y el que ha inspirado algunas de sus obras.


Por otro lado también le influyeron los artistas flamencos del siglo XVII, “El Bosco”, Johannes Vermeer y Rembrandt Harmenszoon van Rijn; y así mismo del simbolismo y los surrealistas.


Se puede decir que los prerrafaelitas también están presentes en algunos detalles, e incluso el pintor naif Henri Rousseau, en sus últimas de las pinturas, según el mismo manifiesta.


Según los críticos de arte por tanto, la influencia ejercida sobre él posee un amplio espectro de épocas y estilos que han dado lugar a su inimitable estilo.


Filosóficamente hablando, parece estar influido por el taoísmo. Él mismo lo explica: “Siempre hay dos elementos en la naturaleza que se oponen: luz y oscuridad, joven y viejo, bello y horrendo; todos mis trabajos juegan con estos temas”. 

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http://trianarts.com/el-surrealismo-de-igor-samsonov/#sthash.9FPP0zOa.dpbs
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