lunes, 18 de diciembre de 2017

AUTO DE FE PLAZA MAYOR DE MADRID DE FRANCISCO RIZI



El rey Carlos II preside un auto de fe celebrado en Madrid el 30 de junio de 1680, acto que se inicia con el juramento real de defender la fe católica y perseguir a los herejes y apóstatas. La Inquisición fue creada en Roma en el siglo XIII, como tribunal contra los herejes y fue encomendada a los dominicos. En España la Inquisición comenzó en Aragón, y los Reyes Católicos la establecieron para todos los reinos en el siglo XV. El primer auto de fe se celebró en Sevilla el 6 de febrero de 1481. Aunque la mayoría de los autos de fe eran privados, en ocasiones se celebraban públicamente, como las ejecuciones o quemas de brujas en otros países europeos. En la corte no se solían realizar autos de fe y el último se había celebrado en 1632, por lo que a este acontecimiento se le dio mucha solemnidad, como puede verse en esta obra de Rizi de 1683. Lo que representa está descrito en una obra de José del Olmo, que además era familiar del Santo Oficio (agente de la Inquisición) y maestro mayor de Madrid (responsable de las construcciones de la villa), por lo que él mismo diseñó la obra del tablado o teatro. El auto se celebró en la plaza mayor y duró toda una jornada. Al fondo vemos la tribuna real y en ella a Carlos II, a su mujer María Luisa y a su madre. 


En los balcones, se ubican personas distinguidas de la corte. A la izquierda, rica alfombra y sobre ella el altar con la cruz verde, simbolizando la esperanza de perdón de los reconciliados, y el estandarte del Santo Oficio. Al lado, las gradas de los cargos públicos, y el solio del inquisidor general quien todavía está junto a la tribuna del rey después de haberle tomado juramento. En el centro del cuadro vemos a dos reos vestidos como en el siglo XV, con coroza y sambenitos con llamas, a los relatores o lectores de causas y sentencias en los púlpitos, y a unos dominicos con el predicador en el púlpito central. A la derecha están las gradas para los familiares de la Inquisición y los reos en persona o en estatua (muertos o huidos), la cual lleva una inscripción con sus delitos y una caja con sus huesos. Los reos podían ser penitenciados (castigados con diversas penas y que al abjurar de sus errores se convertían en reconciliados) o relajados (condenados a muerte en garrote, o en hoguera si eran reincidentes). En primer plano se ve a los soldados de la fe y los asnos que llevarán a los condenados a muerte a las afueras de la ciudad para ser ejecutados por la justicia secular. En este grupo de soldados en la parte inferior central del cuadro, encontramos una figura masculina que porta un tambor de grandes dimensiones muy utilizado en este tipo de ceremonias.



Francisco Rizi fué un pintor español, hijo del pintor italiano Antonio Ricci, que llegó a España junto a Federico Zuccaro para trabajar en El Escorial, y hermano del también pintor y teórico artístico Juan Andrés; castellanizó su nombre por Rizi. Tras iniciar su formación con su padre, pasaría al obrador del pintor del Rey y tratadista Vicente Carducho, de quien llegó a ser uno de los alumnos más brillantes. Fue un pintor de gran éxito y uno de los máximos exponentes del gran barroco pictórico madrileño desde mediados del siglo XVII. Una formulación que supo transmitir a sus discípulos, pues con él se formaron artistas tan singulares como Juan Antonio Escalante, José Antolínez o Claudio Coello. Desde muy joven estuvo vinculado a la corte -hacia 1638-, llegando a ser pintor del Rey en 1656. Trabajó frecuentemente en decoraciones efímeras, por ejemplo, las de la llegada a Madrid de la reina Mariana de Austria en 1649 o el monumento de la catedral de Toledo de 1669, así como en los numerosos escenarios y tramoyas para el teatro del palacio del Buen Retiro, del que fue director durante décadas.


Todo ello es prueba de su versatilidad en todas las facetas, pues pintó tanto al óleo como al fresco siguiendo a los boloñeses Agostino Mitelli y Angelo Michele Colonna, y de las decoraciones arquitectónicas supo pasar con el mismo éxito a la pintura religiosa o, en el conocido "Auto de fe de la Plaza Mayor de Madrid", llevar a cabo un relato contemporáneo de gran efectividad. Aparte de su trabajo en la corte, estuvo especialmente ligado a la catedral de Toledo, trabajando allí en todo tipo de obras, pinturas sobre lienzo y al fresco -destacando las del célebre Ochavo-, junto a los citados trabajos efímeros, llegando a recibir el título de pintor de la catedral en 1653. En 1661 se atendió su petición de asentarse en el propio Alcázar de Madrid, y de 1673 es su famoso memorial a la reina Mariana de Austria, donde hizo una declaración de agravios a su persona al considerarse postergado a favor de Carreño, al que en 1671 se había nombrado pintor de cámara, no obstante su condición de pintor Real más antiguo.
Su pintura mostrará el pleno desarrollo de las nuevas formas barrocas que cobran protagonismo en la época. Con su pincelada suelta y desenfadada, de plena suntuosidad colorista, logra crear efectos de dinamismo y movimiento cargados de expresividad. Capítulo sobresaliente en este sentido serán sus creaciones al fresco, donde se muestra dominador de las perspectivas arquitectónicas creando espectaculares y animadas representaciones de aperturas celestes. 

Enlaces e imágenes...
https://www.museodelprado.es/coleccion/artista/rizi-francisco/be6569b5-c3d0-4308-8864-49d1a4083235
https://www.museodelprado.es/coleccion/obra-de-arte/auto-de-fe-en-la-plaza-mayor-de-madrid/8d92af03-3183-473a-9997-d9cbf2557462
http://4.bp.blogspot.com/-K87Wwe1hP9o/UYMHcZQwL5I/AAAAAAAAAk4/gpN9fbMeAM4/s1600/Auto+de+fe+Madrid.png
https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/f/f0/Detail_of_Auto_de_fe_1680.jpg
http://www.abc.es/media/historia/2015/12/04/inquisicion-auto-fe--510x286.jpg

domingo, 17 de diciembre de 2017

GEORGE FREDERIC WATTS Y HOPE





Hope es una pintura al óleo simbolista del pintor inglés George Frederic Watts , que completó las dos primeras versiones en 1886. Radicalmente diferente a los tratamientos previos del tema, muestra una solitaria figura con los ojos vendados sentada en un globo, tocando una lira que sólo tiene una sola cuerda. El fondo es casi en blanco, su única característica visible una sola estrella. Watts intencionalmente ha utilizado un simbolismo no tradicional asociado con la "esperanza" . Mientras que su uso del color fue admirado grandemente, en el momento de su exposición muchos críticos no mostraron interes por la pintura. La esperanza demostró ser popular con el movimiento estético , que consideró belleza el propósito primario del arte y se sentian despreocupados por la ambigüedad de su mensaje. Las reproducciones en el platinotipo , y más tarde las impresiones baratas del carbón , rapidamente comenzaron a ser demandadas.



A pesar de la disminución en la popularidad de Watts, Hope siguió siendo influyente. Martin Luther King Jr. basó un sermón de 1959, ahora conocido como Shattered Dreams , sobre el tema de la pintura, al igual que Jeremiah Wright en Chicago en 1990. Entre la congregación de este último estaba el joven Barack Obama , profundamente conmovido. Obama tomó "La audacia de la esperanza " como el tema de su discurso de apertura de la Convención Nacional Demócrata de 2004 , y como el título de su libro de 2006 ; Él basó su campaña 2008 presidencial acertada alrededor del tema de la " esperanza ".

domingo, 3 de diciembre de 2017

LOS MONASTERIOS DE METEORA



Allá por el siglo X d.C. se empezaron a dar los primeros brotes de eremitismo, pues el enclave facilita las condiciones idóneas para la vida ascética. Los eremitas vivían en las cuevas de las rocas y en chozas al pie de los peñascos, acudiendo a una iglesia central donde se reunían los días festivos y domingos, iglesia llamada ‘Santa María de la Fuente de la Vida’ (‘Panayiá Zoodojos Piyí’), que aún hoy en día se mantiene en pie. Data del siglo XI y tiene unos hermosos frescos que decoran su interior. Esta forma de vida eremítica declinaría en el siglo XIV, cuando al lugar llega el prelado San Atanasio ‘Meteorito’, quien le dio nombre al lugar fundando la primera orden monástica que se asentaría en Meteora.
En su época dorada el territorio llegó a contar con veinticuatro centros donde se desarrollaba la actividad monástica, si bien hoy solo continúan habitados seis de ellos: el monasterio de la Metamorfosis o Gran Meteoro, el de San Nikolas Anapafsas, el de Roussanou, el de la Santa Trinidad, el de San Esteban y el de Varlaam. Pero no todo fueron tiempos de benevolencia. Tras la llegada de los turcos a Tesalia, en el ano 1390, se sucedieron una serie de hechos bélicos que sacudieron la vida normal de los Monasterios. Durante los dos primeros siglos de ocupación otomana, los Monasterios contribuyeron a la convivencia pacífica pagando los impuestos que habían establecido los invasores.



Los Monasterios de Meteora están edificados sobre unas extrañas formaciones rocosas ("agujas de piedra") que se elevan perpendicularmente en medio de una amplia llanura, sobre una gran llanura, la de Tesalia, como por arte de magia surgen de la tierra numerosas montañas de roca oscura, estrechas y de considerable altura perpendiculares a la tierra. 
Sobre algunos de estos extraños e impresionantes macizos rocosos se encuentran inaccesibles los monasterios de Meteora. Sus construcciones comenzaron en el s. XIV y se finalizan en el s. XVI. Llegaron a ser hasta 24 los monasterios, algunos fueron destruidos en la 2ª guerra mundial por los alemanes. 
El motivo de edificarlos en lugares tan inaccesibles, fue en principio por motivos defensivos, ya que la única manera de subir era con un cesto que lanzaban desde arriba y las provisiones eran llevadas por los lugareños.
Actualmente son seis los monasterios en funcionamiento, el de Agios Nikolaos, Moni Russanu o Agia Barbara, Moni Barlaam, el Gran Meteoro, Agia Triada y Agios Stefanos. Su culto es cristiano ortodoxo griego.
Con el tiempo se han ido construyendo escaleras y puentes gracias a los que hoy en día se pueden visitar. Dentro de estos monasterios se encuentran verdaderos tesoros.

En el año 1609 tuvo lugar una revuelta en la cercana ciudad de Lárisa encabezada por San Dioniso el Filósofo, a quien los turcos llamaban ‘perrósofo’. Al ser San Dioniso un hombre de la iglesia, los turcos atacaron Monasterios y edificios eclesiásticos, muchos de los cuales eran de gran importancia. De entre estos Monasterios, el denominado ‘Gran Meteoro’, centro neurálgico de Meteora, fue atacado en dos ocasiones, en 1609 y en 1616. En ambas pasaron a cuchillo a numerosos monjes y la segunda vez quemaron la sacristía de la iglesia destruyendo las celdas de los monjes.



Pero la rebelión más importante fue la acontecida a principios del siglo XIX, encabezada por el padre Efthimios Vlajavas, un rebelde local, quien tuvo como base de operaciones el monasterio de San Demetrio en Meteora, hoy en ruinas. El padre Vlajavas fue traicionado y secuestrado por Alí Pashá, sultán de Ioánina, y el monasterio de San Demetrio fue bombardeado hasta quedar reducido a cenizas, mientras que los monjes de los Monasterios de San Demetrio y del Gran Meteoro fueron encarcelados en la ciudad de Ioánina. El padre Vlajava, héroe y mártir nacional, pagaría por la osadía de enfrentarse al poder del sultán y sería cortado en cuatro pedazos para evitar rebeliones futuras. Pero no cejarían en su empeño estos monjes guerreros, que seguirían apoyando la causa griega en otros enfrentamientos, contra los búlgaros en las Guerras Macedonias a principios del siglo XX, o durante la ocupación italiana que tuvo lugar en la Segunda Guerra Mundial.




Grabados, tapices y otras imágenes recogen estos episodios de la historia de Meteora en el museo del Gran Meteoro, centro administrativo de los Monasterios habitados, a 613 metros de altura sobre el nivel del mar y a 415 metros de altura sobre el lecho del río Peneo. El monasterio también es llamado de la Metamorfosis, por estar consagrado, precisamente, a la Transfiguración de Jesús. No en vano, el Gran Meteoro está levantado en el punto más en comparación con el resto de edificios que se erigen en Meteora, en clara metáfora a la Transfiguración de Cristo, que tuvo lugar en lo alto de un monte. Una magnífica construcción constituye la iglesia central denominada Katholikón, considerado como un regio ejemplo del segundo o tercer periodo de la arquitectura bizantina. En su interior podemos admirar el fresco que representa el pasaje evangélico en el que Jesús sufre la Transfiguración, volviéndose sus vestidos blancos y resplandecientes ante los ojos de los apóstoles Santiago, Juan y Pedro, momento en el que también se manifiestan Moisés y Elías.


Montañas de Meteora.

Al margen de la iglesia, el monasterio cuenta con recintos de gran interés, como el antiguo refectorio, donde los monjes se reunían para comer, la antigua cocina, el osario, dos museos, y las celdas de los monjes. Unas vistas impresionantes se nos ofrecen al asomarnos desde las terrazas del monasterio. Unas alturas sacras cuyos cielos son surcados frecuentemente por numerosas aves, como la grajilla, o la corneja cenicienta, córvido propio del este de Europa. 






En el emplazamiento de estas imponentes masas rocosas se encontraba, hace cientos de miles de años, un gran río que desembocaba en el mar de Tesalia. Cuando este río encontró una nueva salida en el mar Egeo, este macizo, bajo la acción de la erosión y los terremotos, se hundió y dio nacimiento a este extraño paisaje.



Los primeros monjes que habitaron los Meteoros (en idioma griego significa cada cuerpo que cae del cielo), en el siglo XI, eran ermitaños que vivían en las cuevas y que querían estar más cerca del Creador.

Los primeros monasterios se fundaron en el siglo XIV, fueron construidos con el fin de escapar de los turcos y de los albaneses de la época. Atanasio, expulsado del Monte Athos, fundó el Gran Meteoro o Monasterio de la Transfiguración con varios de sus fieles. Está situado a 613 metros sobre el nivel del mar y esconde una iglesia de estilo bizantino que atesora las reliquias del fundador y unos valiosos frescos multicolores que relatan las persecuciones y martirios que sufrieron los cristianos. Fue seguido por otras comunidades, hasta un total de 24 en el momento del máximo apogeo en el siglo XV que ocuparon los peñascos de la región.





El monasterio de Varlaam o de Todos los Santos. Se eleva a una altura de 373 metros sobre el suelo. Fue reedificado sobre las ruinas de un monasterio anterior por los hermanos Nektarios y Teofanis, en el año 1518.


El monasterio de Agia Triada o de la Santísima Trinidad. Existen diversas hipótesis acerca de la antigüedad de la construcción, sin embargo, la tradición sostiene que se necesitaron 70 años para acarrear los materiales de construcción hasta el tope del peñón e iniciar así las obras. Sea como fuere, lo formidable del enclave donde está levantado Agia Triada nos sobrecoge. Como si de un fenómeno celeste se tratara, parece querer arrancarse de la tierra para alcanzar, majestuoso, el cielo. Es el triunfo de la ilusión óptica que confunde lo real con lo irreal. Y por fin, el último de los Monasterios habitados es el de Agios Stefanos, o San Esteban. Un puente estable de 8 metros de longitud conduce de forma cómoda y segura a la puerta del monasterio. Sobre el portón de entrada del edificio una leyenda certifica que la construcción de esta vieja fortaleza se remonta al año 1192. En el interior del monasterio, habitado por religiosas desde 1961, hallamos dos iglesias. La primigenia capilla de San Esteban, consagrada al protomártir de la cristiandad, con frescos que datan del ano 1501, si bien algunos de ellos presentan daños como consecuencia del agravio cometido por algunos hombres durante la guerra civil que enfrentó a la sociedad griega entre los años 1944 y 1949.

Monasterio de Rousanou.

El monasterio de Roussanou o de Santa Bárbara, que desafía con osadía al abismo con una construcción imposible, coronando la cúspide esbelta de una roca en el centro del territorio. Como el de Varlaam, Roussanou fue reedificado sobre las ruinas de un monasterio primigenio, en este caso por los hermanos monjes venerables Josafat y Máximo en el 1288 d. C.
Como dato anecdótico,en el monasterio de la Santísima Trinidad se rodó parte de la película For Your Eyes Only, de John Glen, en el año 1981, de la serie de James Bond.
La banda de rock alternativo Linkin Park nombró a su disco de 2003 Meteora después de quedar impresionados con los monasterios griegos.


La iconostasia del katholikon. Monasterio de la Santísima Trinidad


El crucifijo y los frescos Monasterio de la Santisima Trinidad



La cúpula del katholikon. Monasterio de la Santísima Trinidad



 
El fresco Jonah Cast Forth By The Whale (abajo de la imagen). Monasterio de San Nicolás Anapausas 



El fresco El Juicio Final. Monasterio de San Nicolás Anapausas 


El fresco La muerte de un mártir en el fuego. Monasterio Rousanou


El fresco El Juicio Final. Monasterio Rousanou 



El fresco Torturas de los mártires por la fe. Monasterio Rousanou



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http://www.foroxerbar.com/viewtopic.php?t=7931
https://es.wikipedia.org/wiki/Meteora
https://www.grecotour.com/meteora-grecia
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viernes, 1 de diciembre de 2017

CLAUS SLUTER Y EL POZO DE MOISES


El pozo de Moisés es una obra escultórica realizada por el artista del gótico final Claus Sluter. Sluter se convirtió en una de las principales figuras escultóricas del siglo XIV, su obra de gran fuerza expresiva y deslumbrante belleza habla por sí misma hasta el punto de abandonar las anquilosadas formas del estilo goticista preludiando la naturalidad renacentista.
El escultor de origen holandés nació en la ciudad de Haarlem (actual Holanda) en torno a 1350. Trabajó en las ciudades de su entorno hasta que en 1385 se trasladó a Dijon (Francia) donde trabajó junto con Jean de Marville durante cuatro años; a la muerte de éste Sluter pasó a ocupar su cargo como escultor en la corte de Felipe el Atrevido.
Ya dentro de éste puesto como escultor de la corte Sluter diseño El pozo de Moisés entre 1395 y 1403 para la Cartuja de Champmol, un monasterio cartujo que debía servir como enterramiento al duque y su esposa. En realidad lo que hoy conocemos como pozo de Moisés no era sino la base de un monumental calvario que se situaría en el claustro del monasterio; la famosa base de forma hexagonal albergaba en cada uno de sus lados figuras de los profetas: Daniel, Ezequiel, Isaías, Jeremías, David y Moisés. Del calvario –Jesucristo crucificado acompañado de la Virgen y San Juan- que debía coronar el pedestal apenas quedan restos tan sólo el torso y la cabeza de Cristo. Parece ser que Sluter se basó en una pequeña fons vitae o fuente de vida que se encontraba en el monasterio.
Las figuras que Sluter creó para la base fueron alabadas durante siglos y maestros escultores de todas las ciudades cercanas acudían a Dijón para copiar las obras. Siguiendo los parámetros estilísticos del estilo gótico internacional las esculturas del pozo se liberan del marco adoptando posturas realistas; los rostros y ropajes están marcados por el potente naturalismo que se encuentra más cercano a las fórmulas desarrolladas en el siglo siguiente por los primitivos flamencos que a la escultura medieval.
La fuerza que emanan las esculturas de Sluter provoca que éstas tengan un cierto carácter de pesadez quizás por lo particular de los pliegues de sus ropajes; éstos fueron una seña de identidad del propio escultor, son pliegues muy marcados y con gran volumen que el artista también utilizaría en otras de sus obras.
Típico del escultor son también los rostros realista como los que realiza en esta obra, las expresiones son naturales sin demasiada complejidad pero de gran factura, posiblemente tomadas de modelos naturales.
El pozo de Moisés no pudo ser terminado por Sluter y a su fallecimiento su sobrino, el también escultor Claus de Werve, se hizo cargo de la obra con formas más delicadas que las del maestro goticista internacional. El duque encargó a Sluter no sólo el Pozo ubicado en el claustro sino también la portada de la Cartuja que ya había empezado Marville. Así la figura de Claus Sluter se convirtió en el mejor escultor de la zona borgoñesa, predecesor incomparable del naturalismo que aún estaba por llegar.


Este  grupo escultórico  es lo que se conserva de un gran conjunto que  ocupaba el centro del claustro  de la Cartuja  y que estaría formado por :



Una pila o pozo   en el que el agua manaba de capas  freáticas y que se puede considerar como símbolo de fuente de la vida o de renovación.  La base hexagonal según litografía del siglo XIX contaba con distintos escudos referidos  al duque y a un metro  y medio se cierra  la pila  con una  especie de cornisa que simbolizaría  el Golgota.


Encima de esta base encontramos un pedestal tambien hexagonal  ocupado  por patriarcas y profetas del Antiguo Testamento entre columnillas con capiteles vegetales  y sobre ellos ángeles que extienden sus alas. : Moisés, David, Daniel,  Zacarias, Isasias, Jeremias.



Por último un Calvario  con las figuras de Cristo , las santas mujeres y algunos apóstoles. del que se conserva muy poco. Lo más notable es un busto de Jesús.   
Todas las estatuas del pilar hexagonal  se asentaban  sobre un suelo de color verde símbolo de la tierra y todas llevan textos  en cartelas proféticos  referidos a la  pasión y muerte de Cristo.  Cada figura está individualizada  siendo  retratos naturalistas y contaban con policromía  de la que aún se conservan restos sobre todo azules, y dorados. 


A Moisés  Se le representa con unos cuernos o rayos y la barba encrespada   Lleva en una mano las Tablas de la Ley y  en la otra una  cartela con un texto que dice : " Por la noche, la multitud de Israel lo matará al hijo de cordero "
Es éste el que sintetiza perfectamente las características del nuevo lenguaje de Sluter,en este caso sorprende por su fuerza expresiva: su rostro violento de ojos profundos e iracundos al bajar del Sinaí; con su una barba bífida, abundante, poblada, con airado movimiento de sus enormes guedejas; las órbitas oculares hundidas y su boca entreabierta creando el juego de rotundos contrastes de luz y sombra con los que insistir en un expresionismo de enorme realismo y fuerza emotiva.


David con corona de rey y llevando el arpa en su mano derecha casi escondida viste túnica de color azul y un manto dorado.En  la  cartela está escrito un texto de un salmo : "Ellos traspasaran mis manos y mis pies . Ellos romperán mis huesos.."
Jeremías viste una  manto,portando en su mano el  Libro de las Lamentaciones    y en la cartela  un  texto que tanto se puede aplicar a Cristo como a María o quien quiera   empatizar con la Pasión de Cristo ( los monjes cartujos)   (  Oh todos vosotros que pasais por el camino mirad  y ved si hay un dolor como el mío)

Zacarías lleva túnica  cubierta con un  abrigo  cubriendo su cabeza con un turbante. En una mano lleva una pluma y tintero y en la otra  una  cartela  en la que anuncia  que Judas  venderá a Jesús por  treinta monedas de plata.: "Appenderunt mercedem triginta argenteos meam"


Daniel dirige su mirada a Isaias y parece hablarle pues tiene la boca ligeramente abierta.  Se cubre con una  capucha  y se cubre con un manto bordado de oro y forrado de azul.   En los pies unas sandalias  . La figura de Daniel que invocando a Dios amansó a los leones ofrece una profecia " Despues de sesenta y dos semanas morirá".
Isaías  se  presenta calvo y sin cubrir se inclina hacia Daniel como para escuchar llevando bajo el brazo un libro.  Se ciñe con un cinturón adornado con una bolsa con seis bellotas.. En su cartela  profetiza como Jesús será llevado a su sacrificio:   "Se lo llevaron a la muerte como a   un cordero , y como oveja ante el esquilador, que va a estar en silencio y no abrirá la boca".

En cuanto al análisis formal de la obra,el material es piedra caliza y el procedimiento es la talla. La sensación que  dán las esculturas de este grupo  es de pesadez y  la sensación tactil  es de rugosidad. 
Los volúmenes son cerrados aunque se independizan y liberan del marco arquitectónico.
Las esculturas estuvieron dotadas de policromía ,  color que aún se conserva en algunas,  colaboró en su elaboración el pintor Jean Malouel  con el escultor. 
La luz  contribuye a crear efectos de luces y sombras, sobre rostros y sobre todo los pliegues .
El tratamiento de las figuras es una de las grandes aportaciones del escultor.
Se nos presentan unas esculturas robustas y rotundas con tendencia al realismo  ya que cada uno de los profetas presentan rasgos individualizados  que denotan  una carácter  diferente.
Una de las características  del estilo Sluter son las vestiduras , esos pliegues grandes , pesados  cortantes y angulosos. 

En cuanto a  la expresión...Todas las figuras muestran actitudes  y rasgos psicológicos   diferentes pero llaman la atención algunas...


Moisés que presenta su cabeza en contraposto, las cuencas de sus ojos hundidas,   la barba encrespada  muestra el patetismo de tanta influencia de este escultor.

También  es muy expresiva la escultura  de Jeremias.  Jeremias con su gran libro  abierto ( de gran detallismo)  y su gesto  de enfado.


El   profeta Isaias con una imagen muy naturalista con las arrugas en su frente y una mirada llena de tristeza  y meditación. Con  ello se ve el interés por los rasgos psicológicos.
Es apreciable el gusto por los detalles  que es característico de la escuela flamenca como la barba en dos puntas de Moisés , las Tablas de la Ley, su cinturón; el arpa escondida de David , lor borlones; el libro de pergamino ahuecado que lleva Jeremias; las arrugas de Isaias y  su cinturón...
      


La ejecución de los ángeles con una representación más dulce y suave  puede suponerse que corresponde  a Claus de Werve.


En cuanto al contexto función y significado,la obra de  Sluter se sitúa sobre todo a finales del siglo XIV.  Después de los terribles años de la peste negra y la guerra de los cien años Europa empieza a recuperarse y una prueba de ello es el resurgir del comercio en las ciudades flamencas y algunas de Italia en las que ya se anuncia el Renacimiento.  

El ducado de Borgoña fue un estado medieval entre  880 y 1482 que pasó por muchos vaivenes
La región de Borgoña  se encuentra  en la encrucijada del trayecto de  Flandes al Norte de Italia y además es una rica  zona agrícola  en la que se celebraban ferias importantes. 
La situación estratégica de Borgoña  llevará a ser objeto de disputa entre la Corona francesa y los Habsburgos . Los  abuelos paternos de Carlos I fueron Maximiliano de Habsburgo y María de Valois última duquesa independiente de Borgoña , por lo que este condado formó parte de la  herencia  imperial.
Uno de los momentos más brillantes correspondió a los tiempos del duque Felipe el Atrevido hijo del rey de Francia Juan II " El Bueno"
Durante su mandato se construyo la Cartuja de Champmol  destinada a panteón real y en su corte trabajaron escultores y pintores como Claus Sluter y Jean Malouel. 
LA función es religiosa y el  significado seria establecer una vinculación entre el Antiguo Testamento y el Nuevo Testamento ya que  la pasión y la muerte  de Jesús había sido profetizada por los grandes patriarcas y profetas.
Claus Sluter fue quien introdujo en la imaginería el espíritu patético y de angustía  que tuvo gran influencia en Europa , influencia que llegó tanto a Castilla como a la  Corona de Aragón.  

Los dos grandes conjuntos de la Cartuja son la portada, y la tumba. En la portada se hallan representados los retratos del duque y la duquesa que son presentados a la Virgen por medio de santos protectores.  La Virgen muestra unos abultados y redondeados paños.

Portada

Tumba




Tiene forma de lecho funerario,  de mármol negro, con estatua yacente y numerosas esculturas en sus frentes,  de mármol blanco.  Presenta  una  galería de personajes  de variadas actitudes y expresiones que  representan la procesión de los familiares y sirvientes que acompañan al difunto...verdaderos retratos de los numerosos miembros de la corte ducal . 




De gran influencia son los DOLIENTES o LLORANTES



Cartuja de Champmol


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https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/3/34/Dijon_mosesbrunnen7.jpg
http://temasycomentariosartepaeg.blogspot.com.es/p/blog-page_428.html
http://arte.laguia2000.com/escultura/el-pozo-de-moises-sluter#ixzz4XT7DZmly
http://apuntes.santanderlasalle.es/arte/gotico/escultura/francia/sluter_pozo_moises_01_daniel_e_isaias.jpg
https://es.wikipedia.org/wiki/Claus_Sluter
http://domuspucelae.blogspot.com.es/2016/02/visita-virtual-el-pozo-de-moises-de.html
http://www.artehistoria.com/v2/obras/15165.htm
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