lunes, 18 de diciembre de 2017

AUTO DE FE PLAZA MAYOR DE MADRID DE FRANCISCO RIZI



El rey Carlos II preside un auto de fe celebrado en Madrid el 30 de junio de 1680, acto que se inicia con el juramento real de defender la fe católica y perseguir a los herejes y apóstatas. La Inquisición fue creada en Roma en el siglo XIII, como tribunal contra los herejes y fue encomendada a los dominicos. En España la Inquisición comenzó en Aragón, y los Reyes Católicos la establecieron para todos los reinos en el siglo XV. El primer auto de fe se celebró en Sevilla el 6 de febrero de 1481. Aunque la mayoría de los autos de fe eran privados, en ocasiones se celebraban públicamente, como las ejecuciones o quemas de brujas en otros países europeos. En la corte no se solían realizar autos de fe y el último se había celebrado en 1632, por lo que a este acontecimiento se le dio mucha solemnidad, como puede verse en esta obra de Rizi de 1683. Lo que representa está descrito en una obra de José del Olmo, que además era familiar del Santo Oficio (agente de la Inquisición) y maestro mayor de Madrid (responsable de las construcciones de la villa), por lo que él mismo diseñó la obra del tablado o teatro. El auto se celebró en la plaza mayor y duró toda una jornada. Al fondo vemos la tribuna real y en ella a Carlos II, a su mujer María Luisa y a su madre. 


En los balcones, se ubican personas distinguidas de la corte. A la izquierda, rica alfombra y sobre ella el altar con la cruz verde, simbolizando la esperanza de perdón de los reconciliados, y el estandarte del Santo Oficio. Al lado, las gradas de los cargos públicos, y el solio del inquisidor general quien todavía está junto a la tribuna del rey después de haberle tomado juramento. En el centro del cuadro vemos a dos reos vestidos como en el siglo XV, con coroza y sambenitos con llamas, a los relatores o lectores de causas y sentencias en los púlpitos, y a unos dominicos con el predicador en el púlpito central. A la derecha están las gradas para los familiares de la Inquisición y los reos en persona o en estatua (muertos o huidos), la cual lleva una inscripción con sus delitos y una caja con sus huesos. Los reos podían ser penitenciados (castigados con diversas penas y que al abjurar de sus errores se convertían en reconciliados) o relajados (condenados a muerte en garrote, o en hoguera si eran reincidentes). En primer plano se ve a los soldados de la fe y los asnos que llevarán a los condenados a muerte a las afueras de la ciudad para ser ejecutados por la justicia secular. En este grupo de soldados en la parte inferior central del cuadro, encontramos una figura masculina que porta un tambor de grandes dimensiones muy utilizado en este tipo de ceremonias.



Francisco Rizi fué un pintor español, hijo del pintor italiano Antonio Ricci, que llegó a España junto a Federico Zuccaro para trabajar en El Escorial, y hermano del también pintor y teórico artístico Juan Andrés; castellanizó su nombre por Rizi. Tras iniciar su formación con su padre, pasaría al obrador del pintor del Rey y tratadista Vicente Carducho, de quien llegó a ser uno de los alumnos más brillantes. Fue un pintor de gran éxito y uno de los máximos exponentes del gran barroco pictórico madrileño desde mediados del siglo XVII. Una formulación que supo transmitir a sus discípulos, pues con él se formaron artistas tan singulares como Juan Antonio Escalante, José Antolínez o Claudio Coello. Desde muy joven estuvo vinculado a la corte -hacia 1638-, llegando a ser pintor del Rey en 1656. Trabajó frecuentemente en decoraciones efímeras, por ejemplo, las de la llegada a Madrid de la reina Mariana de Austria en 1649 o el monumento de la catedral de Toledo de 1669, así como en los numerosos escenarios y tramoyas para el teatro del palacio del Buen Retiro, del que fue director durante décadas.


Todo ello es prueba de su versatilidad en todas las facetas, pues pintó tanto al óleo como al fresco siguiendo a los boloñeses Agostino Mitelli y Angelo Michele Colonna, y de las decoraciones arquitectónicas supo pasar con el mismo éxito a la pintura religiosa o, en el conocido "Auto de fe de la Plaza Mayor de Madrid", llevar a cabo un relato contemporáneo de gran efectividad. Aparte de su trabajo en la corte, estuvo especialmente ligado a la catedral de Toledo, trabajando allí en todo tipo de obras, pinturas sobre lienzo y al fresco -destacando las del célebre Ochavo-, junto a los citados trabajos efímeros, llegando a recibir el título de pintor de la catedral en 1653. En 1661 se atendió su petición de asentarse en el propio Alcázar de Madrid, y de 1673 es su famoso memorial a la reina Mariana de Austria, donde hizo una declaración de agravios a su persona al considerarse postergado a favor de Carreño, al que en 1671 se había nombrado pintor de cámara, no obstante su condición de pintor Real más antiguo.
Su pintura mostrará el pleno desarrollo de las nuevas formas barrocas que cobran protagonismo en la época. Con su pincelada suelta y desenfadada, de plena suntuosidad colorista, logra crear efectos de dinamismo y movimiento cargados de expresividad. Capítulo sobresaliente en este sentido serán sus creaciones al fresco, donde se muestra dominador de las perspectivas arquitectónicas creando espectaculares y animadas representaciones de aperturas celestes. 

Enlaces e imágenes...
https://www.museodelprado.es/coleccion/artista/rizi-francisco/be6569b5-c3d0-4308-8864-49d1a4083235
https://www.museodelprado.es/coleccion/obra-de-arte/auto-de-fe-en-la-plaza-mayor-de-madrid/8d92af03-3183-473a-9997-d9cbf2557462
https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj7eJ7Bp06UXZyvmIIllfXl5Q1b4pT6phO84ltCn1JVrYq18GBFyslyww1YyOJhxX4JLlfUUHOVwiVX0FzKgpuJNWBqNTmtfpcWEYvDtD0xR92zytOIb8Z1af2GmQT6hpTnPRykFv95cFm0/s1600/Auto+de+fe+Madrid.png
https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/f/f0/Detail_of_Auto_de_fe_1680.jpg
http://www.abc.es/media/historia/2015/12/04/inquisicion-auto-fe--510x286.jpg

domingo, 17 de diciembre de 2017

GEORGE FREDERIC WATTS Y HOPE





Hope es una pintura al óleo simbolista del pintor inglés George Frederic Watts , que completó las dos primeras versiones en 1886. Radicalmente diferente a los tratamientos previos del tema, muestra una solitaria figura con los ojos vendados sentada en un globo, tocando una lira que sólo tiene una sola cuerda. El fondo es casi en blanco, su única característica visible una sola estrella. Watts intencionalmente ha utilizado un simbolismo no tradicional asociado con la "esperanza" . Mientras que su uso del color fue admirado grandemente, en el momento de su exposición muchos críticos no mostraron interes por la pintura. La esperanza demostró ser popular con el movimiento estético , que consideró belleza el propósito primario del arte y se sentian despreocupados por la ambigüedad de su mensaje. Las reproducciones en el platinotipo , y más tarde las impresiones baratas del carbón , rapidamente comenzaron a ser demandadas.



A pesar de la disminución en la popularidad de Watts, Hope siguió siendo influyente. Martin Luther King Jr. basó un sermón de 1959, ahora conocido como Shattered Dreams , sobre el tema de la pintura, al igual que Jeremiah Wright en Chicago en 1990. Entre la congregación de este último estaba el joven Barack Obama , profundamente conmovido. Obama tomó "La audacia de la esperanza " como el tema de su discurso de apertura de la Convención Nacional Demócrata de 2004 , y como el título de su libro de 2006 ; Él basó su campaña 2008 presidencial acertada alrededor del tema de la " esperanza ".

jueves, 9 de noviembre de 2017

UBALDO GANDOLFI


Perteneció a una gran familia de artistas, entre los que destacó sobre todo su hermano Gaetano y el hijo de éste, Mauro Gandolfi. Junto con ellos es considerado de los últimos representantes de la Escuela Boloñesa. A los 17 años ingresó en la Accademia Clementina, donde fue alumno de Ercole Graziani el JovenFelice Torelli y Ercole Lelli. De este último aprendió Ubaldo a dibujar la anatomía humana; Lelli es conocido principalmente por haber realizado modelos anatómicos en cera a partir de cadáveres diseccionados para el Istituto d'Anatomia.
El arte de Ubaldo está a caballo entre el moribundo barroco y el pujante neoclasicismo que ya se imponía en el arte italiano y europeo. Su manera de pintar recuerda fuertemente al estilo de uno de los fundadores de la escuela boloñesa, Ludovico Carracci. Gandolfi también está documentado como escultor. Se conservan algunos modelos de terracota ejecutados por su mano.
Academia
Acuarela sobre papel marrón ...El modelo, sentado sobre unos ropajes, de perfil hacia la derecha. Alza el brazo derecho por encima de la cabeza y apoya el otro en su pierna izquierda. El estilo de Ubaldo, que tiene todavía en sus “academias” un fuerte recuerdo de las formas barrocas


 Escorzo de un hombre desnudo

Es copia de una de las figuras de desnudos masculinos, sentados sobre balaustradas, en los frescos de Pellegrino Tibaldi en el Palazzo dell´Università (Bolonia). Fue obra de gran difusión e influencia en el ambiente boloñés de los siglos XVII y XVIII. Atribuido genéricamente a los Gandolfi, el dibujo está más cerca de Ubaldo que de Gaetano.
Tres angelitos sosteniendo un ovalo
Dos a la izquierda, de frente, variantes para la misma figura de angelito; otro a la derecha de espalda, sosteniendo un óvalo. Es dibujo seguro de Ubaldo, relacionado con otros apuntes suyos de este tipo, como varios de la Pinacoteca de Bolonia.


Desnudo femenino(Sanguina)

La modelo, sentada sobre unas gradas, de perfil hacia la izquierda. Es frecuente el desnudo femenino en los dibujos académicos de Ubaldo.Una figura femenina semejante, con la cabeza vuelta hacia el espectador y convertida en una diosa o una ninfa aparece en uno de los medallones de la decoración al fresco, realizado por Ubaldo a principios de la década de 1770


Estudio del Profeta con un Angel


La composición en un óvalo. El profeta de medio cuerpo y de frente, un brazo sobre el pecho y el otro extendido; un ángel, en primer término, le presenta un libro. Atribuido a Guercino de antiguo es, sin embargo, dibujo claro del siglo XVIII, relacionado estrechamente con el modo de hacer de Ubaldo Gandolfi. Es similar en la técnica y el estilo a una figura de Cristo en la Fondazione Cini en Venecia, fechada en el período tardío de la actividad del artista, de gran intensidad expresiva en las figuras y en el que técnicamente utiliza con preferencia el carboncillo, con toques de clarión y albayalde para las luces. 


Prodigio de un hombre con surtidor en la boca


En unas escalinatas varias figuras se agrupan alrededor de un hombre arrodillado, de cuya boca surge un surtidor de agua a gran altura.



San Carlos Borromeo y la peste de Milan
En primer término, dos sepultureros arrojan a una fosa un cadáver semidesnudo; al fondo, un santo, posiblemente San Carlos Borromeo, bendice el cuerpo.
No es posible aceptar la atribución antigua del dibujo a Gaetano, ya que enlaza directamente con la técnica de Ubaldo, de trazos más fuertes y mayores contrastes luminosos. Por otra parte, los modelos y el modo de hacer las manos o los pies y las abreviaturas de los rostros coinciden con los dibujos de Ubaldo fechados en la década de 1760. 
Visitacion
(Textos extractado de Mena Marqués, M.B., Catálogo de dibujos. VII. Dibujos italianos del siglo XVIII y del siglo XIX, 

https://content3.cdnprado.net/imagenes/Documentos/imgsem/39/39fb/39fbc3bc-8d3f-4905-914e-c2d618fec160/49ae9000-7708-45e1-9eeb-dc86f415f9cf_268.jpg
https://www.museodelprado.es/coleccion/obras-de-arte?search=gandolfi&ordenarPor=pm:relevance
https://www.museodelprado.es/coleccion/obra-de-arte/academia/2b0df6c3-474f-4fd7-9872-06e4c66bd93f?searchid=28dae366-a6c6-59a2-a6ea-e41e3d615019
https://www.museodelprado.es/coleccion/obra-de-arte/escorzo-de-figura-masculina/39fbc3bc-8d3f-4905-914e-c2d618fec160?searchid=ba369823-d7d2-5b11-1ef1-71bad2bf855e
https://content3.cdnprado.net/imagenes/Documentos/imgsem/41/416d/416d742d-22b9-4ef0-ae43-dc478a7648aa/eb031d59-f2c6-41ed-b816-928844b21dd5.jpg
https://www.museodelprado.es/coleccion/obra-de-arte/tres-angelitos-sosteniendo-un-ovalo/416d742d-22b9-4ef0-ae43-dc478a7648aa?searchid=96e07ae4-f463-23cf-bf81-4f9286f251b4
https://content3.cdnprado.net/imagenes/Documentos/imgsem/97/9759/975957aa-097a-4276-ad9b-b6abd3bd31ea/6b5fb871-0da4-4f0e-a5a9-b685c7ce913e_268.jpg
https://www.museodelprado.es/coleccion/obra-de-arte/estudio-de-profeta-con-un-angel/975957aa-097a-4276-ad9b-b6abd3bd31ea?searchid=6530c8ce-79b3-2f92-268a-ad461b9ffac2
https://content3.cdnprado.net/imagenes/Documentos/imgsem/9a/9a07/9a07524a-99c0-48d0-b4cf-5d820cbb2f6a/e2d7c46f-3267-4f54-86a8-236ce27cf599_268.jpg
https://www.museodelprado.es/coleccion/obra-de-arte/prodigio-de-un-hombre-con-un-surtidor-en-la-boca/9a07524a-99c0-48d0-b4cf-5d820cbb2f6a?searchid=8fc19821-72cc-e8bc-baa4-af7a64a468d4
https://www.museodelprado.es/coleccion/obra-de-arte/san-carlos-borromeo-y-la-peste-de-milan/b693b5f2-901f-4bfd-ab18-ba1f3ec90e97?searchid=9ffd4f89-fcfd-ab27-491a-1a002033476f
https://es.wikipedia.org/wiki/Ubaldo_Gandolfi

martes, 31 de octubre de 2017

CARRO SOLAR DE TRUNDHOLM




El carro solar de Trundholm (también conocido como Solvognen) es una de las piezas más interesantes de la Edad de Bronce tanto por su valor artístico como por el profundo conocimiento astronómico que encierra la pieza y que muestra la cultura de una sociedad mucho más avanzada de lo que a menudo se cree.
Esta singular obra fue hallada a principios del siglo XX, en 1902, sumergida en la laguna de una marisma de Dinamarca. La pequeña escultura (cuenta con 54 cm de ancho, 35 cm de alto y 29 cm de profundidad) representa a una yegua tirando de un carro de seis ruedas sobre el que se puede observar un curioso círculo solar de 25 cm de diámetro. La obra fue realizada en bronce y recubierta por una fina capa de oro que tan solo se conserva parcialmente.
El famoso carro de Trundholm se puede datar en torno al año 3400 a.C. y tradicionalmente se ha considerado que su finalidad debió ser una especie de maqueta que representaba un carro ceremonial mayor. Quizás lo más destacado de esta pieza sea su sutil técnica realizada a través de la cera perdida en hueco; la capa de bronce es realmente fina sin perder por ello un ápice de naturalismo y sin escatimar en los detalles de la decoración.

El caballo ha sido modelado en formas bastante primitivas y en él se aprecia cierta simetría, los ojos se han dispuesto de manera frontal, con las orejas levantadas y las patas traseras ligeramente más grandes que las delanteras. Aparece dispuesto sobre unos railes que se sustentan por cuatro ruedas y del que arranca un eje que tiraría de otras dos ruedas sobre las que aparece el famoso circulo solar. Este ha sido decorado con motivos geométricos circulares y concéntricos.

Estudios recientes barajan la posibilidad de que este tipo de esculturas no fueran votivas como se pensó en un principio, sino que representaran la progresión solar a lo largo del día o de las estaciones. De hecho estos estudios plantean que las decoraciones circulares del disco de Trundholm podría representar la transición que realiza el sol a lo largo del día en su viaje desde el Este hasta el Oeste. La cara opuesta (que no está dorada) podría representar el curso del sol a lo largo de la noche.

Otras hipótesis defienden que en realidad, las representaciones del círculo solar sean una especie de calendario. En la parte que no está dorada se aprecian, partiendo desde el centro, ocho círculos que representarían cada uno de los días de la semana y posteriormente, en dos circunferencias mayores veinticinco círculos más pequeños que harían referencia a las semanas del año. La zona dorada cuenta con un total de cincuenta y dos círculos que igualmente representan las semanas del año.

Sea como fuere, la pieza demuestra un concienzudo estudio astronómico que está relacionado con las divinidades celestes de esta cultura. En la actualidad la obra se encuentra en el Museo Arqueológico Nacional de Dinamarca que se encuentra en Copenhague.

http://es.slideshare.net/CALIXTINA/el-arte-de-la-prehistoria-y-de-la-edad-de-los-metales-11723797
http://arte.laguia2000.com/escultura/carro-solar-de-trundholm
http://www.artehistoria.com/v2/contextos/3041.htm

domingo, 29 de octubre de 2017

JAN VAN EICK...MADONNA DU CHANCELIER ROLIN



Madonna du Chancelier Rolin...Es un cuadro religioso pintado al óleo sobre tabla, pero como aparece el comitente o donante, también puede ser considerado un retrato. La pintura fue encargada por Nicolás Rolin, canciller de Felipe el Bueno, un importante funcionario de la corte de Borgoña. Van Eyck no sólo plasmó su apariencia física, sino también su temperamento. Se trataba de un político muy arrogante, lo que explica, por ejemplo, que se atreva a mirar de frente a frente a la Virgen y que tenga el mismo tamaño que ella. Hasta entonces, los cuadros con donante se caracterizaban por ser el comitente de menor tamaño que las figuras sagradas de la Virgen o Jesús y, en segundo lugar, por la presencia de un santo, generalmente el del nombre del donante, que hiciera de intermediario ante la Virgen. A ello se une la ostentación de lujo que describe la posición social del donante.

Es una obra pintada al óleo sobre tabla. El óleo es una técnica basada en la disolución de pigmentos en aceites que fue perfeccionada por los hermanos Van Eyck, hasta el punto de que llegó a atribuírseles erróneamente su invención. El óleo presenta claras ventajas sobre la pintura al temple que era la técnica usada hasta entonces: es más transparente y luminoso, por ello permite un mejor tratamiento de la perspectiva, del aire y de la luz; al ser más consistente, los objetos se pueden representar con mayor exactitud; y seca más despacio por lo que se puede trabajar con mucho sosiego.
Esta obra se concibió para verla de cerca ya que debía colgarse en una capilla privada del canciller en la catedral de Autun; por eso, los detalles se plasman con una exactitud microscópica, sólo posible gracias al empleo del óleo y de plumillas especiales. En la sacristía de esa catedral estuvo hasta 1800
El canciller Rolin era de gustos esquisitos, de ahí que el cuadro sea un alarde de riqueza, pero además, los objetos suelen esconder una simbología. El paisaje urbano que se aprecia a través del ventanal, posiblemente sea Lieja, aunque se ha sugerido también que podría ser Maastricht, Utrecht o Autun.4 Pero esa urbe es también una metáfora de la Nueva Jerusalén, o una referencia gráfica a las dos ciudades de San Agustín: la Ciudad Terrenal, a nuestra izquierda, y la Ciudad Celestial, a nuestra derecha, es decir, la Ciudad de Dios. Sería por lo tanto más bien una ciudad ideal construida a partir de edificios que podrían remitir a la realidad. El puente, en cambio, alude al puente de Montereau donde fue asesinado Juan Sin Miedo, y que entró en el acuerdo de paz (Tratado de Arras) que el canciller Rolin logró entre Borgoña y Francia.
Más cerca, bajo la ventana, el huerto, desde donde dos personajes miran el panorama, es un edén simbólico, alegoría del Paraíso Terrenal. Otros autores apuntan a que esa balconada, llena de flores simbólicas, aludiría al hortus conclusus, el jardín cerrado que representa la virginidad de María. Todos estos símbolos sociales y religiosos se vinculan a la presencia de la Virgen y del Niño, ya que en el jardín aparecen pavos reales (que es una de las señales de Cristo) y azucenas (que son la divisa de la Virgen). En cualquier caso, son elementos (el libro que tiene abierto el cardenal, las plantas y las flores, los animales y las personas, paisaje) que Jan van Eyck pinta con gran detallismo.
Se presta gran atención a la corona de oro que un ángel sostiene sobre la cabeza de la Virgen, con una filigrana de oro y piedras preciosas.4 En los capiteles de las columnas se pueden apreciar distintas escenas religiosas, como Adán y Eva, Caín y Abel o la embriaguez de Noé.
El hieratismo de la obra se explica por el ambiente en el que se desenvolvía este pintor. Se trata de la corte borgoñona en la que el canciller Rolin fue uno de los personajes más relevantes. Esta corte era muy protocolaria, frecuentada por personas muy cultas y ceremoniosas, de ahí el alto nivel cultural que exige interpretar sus pinturas.

martes, 10 de octubre de 2017

HISTORIA Y ARTE DE LAS INVASIONES...ARTE LOMBARDO , OSTROGODO Y MEROVINGIO


Europa, siglos V y VI. También conocida como Invasiones Bárbaras, aunque muchos sostienen que en más de un caso fueron movimientos migratorios, los indogermánicos aprovechan la destitución del emperador romano Rómulo Augústulo por el Hérulo Odoacro en el año 476 para hacerse con el poder. Ese año, 476, queda unido a la caída del Imperio Romano y al final de la Edad Antigua.Segun diversos historiadores  el 4 de septiembre de 476 nace la Edad Media.
Veamos una breve introducción histórica al conocido como "Arte del periodo de las Invasiones" (siglos V-VIII) y hagamos un análisis resumido de la historia y arte de pueblos como los ostrogodoslombardos y merovingios.
En cuanto a quienes son estos pueblos barbaros
Los historiadores dividen en dos grupos a los Indogermanos:
Teutónicos (del norte): Suevos, Hérulos, Vándalos, Alanos, Lombardos, Merovingios, Francos, Frisones y Vikingos.
Godos (del sur): Ostrogodos y Visigodos.
Rómulo Augústulo renuncia a su corona ante Odoacro, ilustración decimonónica
 Rómulo Augústulo renuncia a su corona ante Odoacro, ilustración decimonónica
Nos cuenta la historia que, durante los dos siglos anteriores a las invasiones, siglos IV y V, el imperio romano se iba germanizando, es decir, muchos eran los germanos cautivos o esclavos, pero también fueron soldados, y son éstos últimos, mediante pactos y alianzas, los que inician la destrucción (lenta pero fructífera) del Imperio Romano Occidental.
Mapa, Invasiones bárbaras en el Imperio Romano
Mapa, Invasiones bárbaras en el Imperio Romano
Fueron pueblos con culturas distintas, algunos llegaron a estar muy romanizados, y en lo religioso también profesaban distintos cultos. Los pueblos del norte eran religiosos, sí, y aunque la doctrina cristiana fuese la dominante en la época, lo eran dentro de la considerada herejía arriana. El origen se encuentra en la traducción de la Biblia de Ulfilas (Wulfila), discípulo de Arrio, a las diferentes lenguas indogermánicas.
Ulfilas
Ulfilas
Es la iglesia la que forma espiritual y moralmente, y es en los monasterios donde se comienza a estudiar la cultura clásica. No podemos olvidar la figura del papa Gregorio I, conocido como Gregorio el Grande, pues el pontífice fue el intermediario entre el reino Lombardo y el Bizantino, convirtió a los Visigodos en España y promovió la evangelización de anglos y sajones en Gran Bretaña, difundiéndose así la vida monástica en Europa.
Gregorio I, pintura de Antonello da Messina
Gregorio I, pintura de Antonello da Messina
Los Merovingios, por su parte, y ya cristianos, constituyen el reino de los Francos (los pueblos y territorios unificados desde los Pirineos hasta la Europa central). Los Merovingios, siendo cristianos, evangelizaron, pero fueron los obispos quienes promovieron las monumentales construcciones influenciadas por las las basílicas paleocristianas.
Reino de los Francos
Reino de los Francos
En Irlandasan Patricio y sus discípulos evangelizan el país desde el año 452, y durante el siglo VII los monasterios se extienden por territorios celtas: Escocia y Armórica (actual Bretaña francesa).
Estatua de San Patrico. De fondo la Torre Circular de Aghagower, en el Condado de Mayo, Irlanda © Andreas F. Borchert
Estatua de San Patrico. De fondo la Torre Circular de Aghagower, en el Condado de Mayo, Irlanda -Andreas F. Borchert
En Inglaterra san Agustín de Canterbury evangeliza el lugar. Convierte a los reyes sajones y funda en Canterbury el primer monasterio benedictino fuera de Italia. Pero Inglaterra sufriría un periodo de crisis y cambios a finales del siglo VIII con la llegada de otro de los pueblos del norte, los Vikingos.
Recreación de un desembarco vikingo. © Joyce Hill
Recreación de un desembarco vikingo. (Joyce Hill)
El Arte de Las Invasiones (características del arte ostrogodo, lombardo y merovingio)
Retrato de Teodorico 'El Grande'
Retrato de Teodorico ‘El Grande’
Arte Ostrogodo
Con capital en la ciudad italiana de Rávena el arte Ostrogodo pretende con el rey Teodorico al frente ser el último reducto de la literatura y del pensamiento antiguo. Todo comienza en el año 488 de nuestra era cuando los Ostrogodos (Godos del Sur) establecen en Rávena la capital de su reino, y todo gira en torno a su rey, Teodorico, quien fallece en el 526 entrando su pueblo en decadencia.
Palacio de Teodorico, principios del siglo VI, Ravena, Italia. © ravenna3d.altervista.org
Palacio de Teodorico, principios del siglo VI, Ravena, Italia.  ravenna3d.altervista.org

La arquitectura Ostrogoda es austera en su interior y con planta centralizada, el palacio de Teodorico, conocido por su representación en un mosaico, presentaba fachada clásica a modo de arco triunfal. Por otra parte, la arquitectura religiosa continúa las tipologías tradicionales, es decir, una síntesis romana-bizantina.
Mausoleo de Teodorico, principios del siglo VI © Dr. Wilfred Krause
Mausoleo de Teodorico, principios del siglo VI -Dr. Wilfred Krause
Mausoleo de Teodorico, Rávena siglo VI
Lugar de enterramiento del rey ostrogodo Teodorico, se trata de un edificio construido con sillares de mármol de planta octogonal. Consta de dos plantas: la inferior, de forma poligonal, albergas nichos de medio punto cubiertos por bóvedas de cañón; y la superior, retranqueada, presenta estructura circular que alterna vanos ciegos y rectangulares. La parte superior del mausoleo se encuentra cubierta por un monolito de mármol traído de la Dalmacia (actual Croacia). Su falsa cúpula se ha excavado en un gran bloque de piedra y se encuentra rodeada de doce ménsulas rectangulares en los que vemos inscritos los nombres de los ocho apóstoles y los cuatro evangelistas. Podemos apreciar una síntesis de arte romano (sencillo como el mausoleo de Augusto), paleocristiano (por el tipo de planta como en los Martyrium) y megalítico, por la cubierta y su decoración en relieve de motivos abstractos en forma de espirales. Es decir, hasta en su muerte, el monarca de los ostrogodos siguió con la idea de ser el último reducto del pensamiento antiguo, aunque manteniendo su origen y su visión del cristianismo. Por otra parte, su tosquedad en el exterior no contrasta con una riqueza interior, salvo por el propio material del sarcófago en el que descansa el rey, el pórfido rojo, que por su dureza y resistencia ha sido empleado para monarcas y emperadores a lo largo de la historia.
Baptisterio de los Arrianos, finales del siglo V. © Georges Jansoone
Baptisterio de los Arrianos, finales del siglo V. -Georges Jansoone
Baptisterio de los Arrianos, finales del siglo V
Austero en el exterior y estructura centralizada, cumple los requisitos para encuadrarlo dentro del arte Ostrogodo. Se trata de un octógono con cúpula sobre una gran pila bautismal, esto es una referencia a los templos bizantinos, pero el ladrillo se interpreta como un guiño a las tradiciones arquitectónicas del lugar.
Mosaico El Bautismo de Cristo, Baptisterio de los Arrianos, Rávena.  © Georges Jansoone
Mosaico El Bautismo de Cristo, Baptisterio de los Arrianos, Rávena. - Georges Jansoone
Mosaico El Bautismo de Cristo, Baptisterio de los Arrianos
Se ha dicho que su exterior es austero y hay que añadir que contrasta con la riqueza de los mosaicos que encontraremos en el interior, esto es, con el mosaico conocido como Bautismo de Cristo, representado en el centro de la cúpula. Sigue la tipología empelada en el Baptisterio de los Ortodoxos, también en Rávena, es decir, que mantiene la síntesis romano-bizantina. El mosaico, además de hacer alusión a la segunda venida del Cristo, lo hace a San Juan Bautista, a la imagen del espíritu santo (representado por una paloma) y a una tercera figura: a un anciano barbado y semidesnudo coronado por un cangrejo (éste simboliza el río Jordán, lugar donde fue bautizado Jesús según las sagradas escrituras). Esta inusual figura es una evidencia de la influencia helenística y romana, pues se personifica a los genios de los ríos. Siguiendo con el análisis del mosaico, hemos de decir que en torno a la escena principal se disponen, y de manera radial, los doce apóstoles, quienes portan coronas, de la misma manera que lo hacen los santos de los mosaicos de San Apolinar el Nuevo.
'Templete Lombardo', oratorio de Santa María in Valle, Cividale del Friuli, Udine, Italia © Wolfgang Sauber
‘Templete Lombardo’, oratorio de Santa María in Valle, Cividale del Friuli, Udine, Italia - Wolfgang Sauber
Arte Lombardo
Los Ostrogodos sucumben en el año 568 ante otro de los pueblos del norte: los Lombardos. Estos lombardos, cristianos arrianos, establecen su poder en Pavía(capital del reino), Spoleto y Benevento, es decir, en el norte de Italia. Dominaron casi toda la península itálica hasta el año 774, cuando caen ante los francos de Carlomagno. El denominado arte Lombardo es un arte de tradición germánica y pocos son los restos que se conservan, pues, o se han destruido o se ha construido encima. En Pavía, la capital, se construye la catedral de San Eusebio y la iglesia después dedicada a San Ambrosio. En Cividale, el centro de mayor importancia artística, se puede admirar el oratorio de Santa Maria in Valle, pequeño templo de planta cuadrada cubierto con bóveda de piedra y cabecera tripartita.
Placa con Pavo, segunda mitad del siglo VIII  © Roby
Placa con Pavo, segunda mitad del siglo VIII - Roby
Escultura Lombarda
Las esculturas decoran altares, pilas bautismales, ciborios (baldaquinos), capiteles…se emplea la talla a bisel, técnica difundida por los romanos en el siglo II. Y, en prácticamente toda la escultura de los pueblos del norte se mezclan los motivos geométricos, como juegos de líneas o círculos, y los vegetales, que tienden a la abstracción, y los entrelazos. También se muestran figuras de animales, tanto reales como fantásticos, aunque de manera muy excepcional veremos figuración humana, ésta última de muy bella factura (como hemos apreciado en el oratorio de Santa María in Valle
Battistero di Callisto, Museo Cristiano de Cividale, Italia - Sailko
Ciborio OctogonalBaptisterio de Cividalle
Este baldaquino en mármol fue encargado por el obispo Calixto en el año 737. Si nos fijamos en la balaustrada (parte inferior) vemos que destaca el relieve con la cruz rodeada de vegetación y enmarcada por los símbolos de los cuatro evangelistas. En el ciborio, de forma poligonal, los arcos se decoran con bajorrelieves vegetales deentrelazos y animales fantásticos, y ocho son las columnas con sus capiteles compuestos las que sujetan los ocho arcos de medio punto. El ciborio es un perfecto ejemplo de la mezcla entre el pensamiento del Mediterráneo y el pensamiento del Báltico, se trata de una expresión de la herejía arriana, doctrina religiosa que caló hondo en la sociedad de los pueblos germánicos.
Altar del Duque Ratchis (Altar de San Martín), año 737-744. Maiestas domini, Visitación y Adoración de los Magos. Museo Cristiano de Cividale del Friuli
Altar del Duque Ratchis (Altar de San Martín), año 737-744. Maiestas domini, Visitación y Adoración de los Magos. Museo Cristiano de Cividale del Friuli
Altar del Duque Ratchis
También conocido como Altar de San Martín, fue mandado esculpir por el Duque Rachis (o Ratchis) entre 737-744. Realizado en piedra y decorado en sus cuatro lados, se representan escenas de la vida de Cristo: VisitaciónEpifanía o la Ascensión de la Virgen. En el frente del altar vemos representado a Cristo en Majestad dentro de una ‘mandorla’ (almendra), es decir, de la Vesica Piscis, símbolo con profundo significado místico.
Evangelario de Teodolinda
Evangelario de Teodolinda
Artes Suntuarias del arte Lombardo
Destaca la orfebrería por su riqueza de tesoros en sus iglesias y museos. La orfebrería lombarda acusa influencia de los artistas bizantinos y son las cruces los ejemplos más destacados, como la cruz de Aguilulfo, cruz de oro con alma de madera decorada con piedras preciosas; y la cruz de Gisulfo, en la que se representan cabezas en relieve y piedras preciosas incrustadas. Otro ejemplo de artes suntuarias lombardas lo encontramos en las encuadernaciones, como en la de los Evangelios de la reina Teodolinda, regalada por el papa Gregorio el Grande por el motivo del bautizo del hijo de la reina. Realizada en Roma por los mejores orfebres de la época, la encuadernación muestra un trabajo muy delicado, en oro con piedras preciosas, perlas, cuentas de cristal, camafeos y esmalte.
Iglesia de San Pedro, Vienne © hodiemecum
Iglesia de San Pedro, Vienne - hodiemecum
Arte Galo-Merovingio (Arquitectura Merovingia)
De la arquitectura merovingia quedan pocos restos. Lo que conocemos se lo debemos a las fuentes documentales y a la hermana mayor de la Historia del Arte, la Arqueología. Y, además de Basílicas, Baptisterios e Hipogeos (o criptas), también vemos en el arte Merovingio la esencia de las construcciones romanas, es decir, la supervivencia en las formas clásicas. Sobre las basílicas merovingias decir que cuentan con cabecera tripartita y transepto con torre y nártex, siendo el mejor ejemplo la iglesia de San Pedro de Vienne, una de los templos cristianos más antiguos de Francia, pues parte de su estructura se remonta al siglo V.
Baptisterio de Riez, Francia © EmDee
Baptisterio de Riez, Francia  EmDee
Baptisterios Merovingios
Los baptisterios continúan las formas clásicas romanas y encontramos varios ejemplos en el sur de Francia. Como el de Riez, de planta centralizada construido en sillarejo y mampostería; el de Albenga (de la provincia de Savona, en la Liguria, Noroeste de Italia), que presenta arcos de medio punto y restos de decoración en mosaico con tonos azules que representan iconografía paleocristiana: un crismón, palomas y ovejas; y uno que analizamos seguidamente, de regreso a Francia, el de San Juan de Poitiers.
Baptisterio de San Juan de Poitiers  © Rigolithe
Baptisterio de San Juan de Poitiers Rigolithe
Baptisterio de San Juan de Poitiers
Erigido cerca del palacio episcopal y de la catedral, fue reconstruido a mediados del siglo VII, y a diferencia de otros baptisterios carece de planta centralizada. Su estructura, rectangular, aloja una pila octogonal a la que en el siglo VI se le añade dos alas laterales. Su exterior es clásico pero también prerrománico. Clásico por encontrarse rematado por un frontón bajo por el que discurre un friso ornamentado con pilastras y arco de medio punto, y prerrománico, o mejor dicho, galo-rromano, por la alternancia de ladrillo y piedra.
Cripta de Jouarre © GFreihalter
Cripta de Jouarre  GFreihalter

Criptas Merovingias
Destaca el Hipogeo de las Dunas y la Cripta de Jouarre. El primero, cerca de la ciudad de Poitiers, muestra novedades como la decoración de la entrada a base de motivos vegetales y animalísticos (serpientes), más una escena que se identifica con la iconografía del buen y del mal ladrón.
Esta famosa cripta es lo único que se conserva de un primitivo monasterio que sirvió de lugar de enterramiento para sus fundadores y abadesas. En la cripta de Jouarre se emplearon sillares irregulares de piedra, pero lo que realmente destaca son sus capiteles, labrados con motivos clásicos ( hojas de acanto) y esquemáticos. Una vez más vemos la mezcla cultural entre lo mediterránea y lo báltico. Además, no podemos olvidar los sarcófagos merovingios, donde en la cripta de Jouarre tenemos un buen ejemplo: el Cenotafio (sarcófago) de la Abadesa Teodequildasarcófago merovingio, de forma trapezoidal, se cubre con una tapa a dos o cuatro vertientes y de decora con relieves en toda su superficie. El de Teodequilda data de finales del siglo VII pricipios del VIII, y presenta dos franjas decorativas con veneras (conchas) y largas inscripciones.
Jouarre
Cripta de Jouarre (al fondo, a la derecha, se encuentra el cenotafio de la abadesa Teodequilda  
Bibliografía Consultada
(2011) TUSELL GARCÍA, G., El arte de las invasiones. UNED, Madrid
(2012) McLEAN ALICK., La arquitectura románica en Italia. Toman R., (Coordinador) El Románico. H.F. Ullmann, Postdam
https://estudiandoloartistico.wordpress.com/2013/06/28/INVASIONES-INDOGERMANICAS-BREVE-INTRODUCCION-HISTORICA/
http://www.arteguias.com/artebarbaro.htm
http://www.powershow.com/view4/5e04aa-YzdhN/EL_ARTE_DE_LOS_PUEBLOS_INVASORES_ARTE_MEROVINGIO_OSTROGODO_y_LOMBARDO_powerpoint_ppt_presentation
http://perseo.sabuco.com/historia/Prerromanico.pdf
https://es.pinterest.com/pin/397653842075893045/
https://es.slideshare.net/MiguelPsicologo1985/arte-merovingio-52114109
https://msn24.wordpress.com/tag/arte-merovingio/
http://uned.es/archivos_publicos/qdocente_planes/305427/3invasiones.pdf