lunes, 24 de abril de 2017

CATEDRAL DE CEFALU



La catedral de Cefalú es uno de los monumentos normandos más importantes de la isla de Sicilia. Dedicada al Salvador y a la Transfiguración de Jesús, la catedral fue consagrada en la fiesta de Pentecostés del año 1131 por encargo del rey Ruggero II de Sicilia. Pensada inicialmente como panteón de los reyes de Sicilia, los sucesores de Ruggero II (que la concluyeron en 1240) desestimaron su uso como mausoleo dando esta función a la catedral de Palermo.
El origen de la Catedral de Cefalù está ligado, según los relatos tradicionales, a un viaje por mar que hizo el rey Ruggero II de Sicilia, desde Salerno, cerca de Nápoles, hacia Palermo. Durante la navegación el barco fue sorprendido por una fuerte tormenta. Temiendo por su vida, y por la de sus hombres, Ruggero hizo voto al Salvador con la promesa de construir una iglesia en el lugar en que lograsen tocar tierra a salvo. Desembarcado en Cefalù, cumplió con su voto dando así comienzo a la construcción de la Catedral de Cefalù, dedicada al Salvador.
Sucesivamente el rey tomó la decisión de hacer de la catedral el mausoleo de la familia real. Al año 1145 se remonta la documentación relativa a la colocación, al interior del templo, de dos sarcófagos de pórfido, ubicados en los extremos del transepto. Uno de ellos sería destinado a recibir sus restos mortales, el otro tal vez los de su sucesor.
El proyecto originario del edificio iba a ser inspirado a la arquitectura románica, aún adaptándola a las exigencias del culto bizantino. 



El estilo constructivo es románico siculo-normando, se trata de un arte cristiano, pero lleno de recuerdos orientales y con la participación, sin duda, de mano de obra árabe. Estaría en la línea de nuestro románico mudéjar.
El pórtico aparece flanqueado por dos torres de esbeltas proporciones y un pórtico en la entrada, con un elegante columnario con tres arcos apuntados, tras el cual aparece el muro de la fachada de la iglesia, decorado con arcos entrelazados normandos, detrás de este pórtico sobresale el lienzo superior de la fachada.


Es un gran edificio basilical, de tres naves y tres ábsides semicirculares, sin cúpula. Una serie de filas de columnas separan la nave central de las laterales, que van cubiertas con bóvedas de arista y llevan arcadas a los costados. En el ábside, las lesenas están destinadas a sostener las arcadas de la cornisa se interrumpen hacia un tercio de la altura para dejar sitio a delgadas columnas gemelas. En los absidiolos, y debajo del festón puramente “lombardo” de los pequeños arcos de la cornisa, aparecen grandes arcadas de medio punto, anchas y lisas, además de entrecruzadas.


La piedra utilizada en su construcción es “el poros”, piedra caliza local, utilizada por los griegos en sus construcciones en la isla. La piedra se adapta muy bien a la gran variedad estilística donde, sin contradicción aparente, el arco románico de medio punto, los arcos entrelazados normandos que forman en sus cruzamientos arcos apuntados, el arco apuntado musulmán, y las crucerías. A todo ello hay que añadir hay columnas de proporción clásica participando en composiciones con mosaicos bizantinos y cúpulas islámicas, techos de artesonados y de mocárabes. Toda esta variedad constructiva  desenvuelve de una forma armónica y estética, armonizando por el sol de la isla, su cielo azul profundo y sus huertos, que junto a la flor del azahar, madura el limonar.


El ábside de la catedral fue decorado con espléndidos mosaicos, que tuvieron que ser fijados sobre un edificio de planta basilical sin cúpula. Así tuvieron que colocar el Pantocrátor en el ábside, mientras la Virgen, acompañada de cuatro ángeles ocupaba el cuerpo inferior y más abajo se disponían los Apóstoles.


El gran Cristo de la semicúpula, singularmente impresionante, es uno de los más bellos mosaicos bizantinos que pueda encontrarse. Es un ejemplo perfectamente puro de la Segunda Edad de Oro. En el 2012, fue declarado icono para todo el mundo católico. Su mano derecha Él te bendice, y la izquierda sosteniendo un libro, y, abierto. E incluso se puede leer el texto, que comienza con las palabras: "Yo soy la luz del mundo". Esto es característico, el texto está escrito en dos idiomas ( Latín y griego), esto es un reflejo de la naturaleza dual de la etapa histórica en Sicilia. Y se puede afirmar que es una de las imágenes más elegantes de la historia del arte cristiano. Bueno, tal vez, otra imagen de Cristo puede competir con el Pantocrátor en Cefalú - Cristo está en la Catedral de la Asunción en Daphne,cerca de Atenas. Pero, De acuerdo con muchos críticos, estas imágenes iconográficas aunque son casi iguales pero al mismo tiempo profundizando en su observacion las diferencias son relevantes.

La estatua renacentista de la Virgen con el Niño, obra de Antonello Gagini. En el basamento puede verse un releve que representa el Tránsito de María.


La estatua de la Patrona de Cefalù (Virgen de Gibilmanna) situada en una capilla del Santuario de Gibilmanna.

La presencia de diversas corporaciones de escultores con trabajos claramente reconocibles es una de las características de la catedral. Del más antiguo de estas agrupaciones se han podido reconocer las obras, el ambiente cultural y su estilo.Se cree que los escultores de este grupo provenían de Puglia y específicamente de Bari. Realizaron sus obras entre 1131 y 1145, es decir, antes y después de las modificaciones estructurales que fue necesario hacer. 


El segundo grupo de escultores, que al parecer vivían eran de la zona, trabajó desde el sexto capitel de la línea central de la nave y se caracteriza por un clasicismo más notorio. También trabajaron los capiteles del claustro y algunos elementos litúrgicos (de los que solo quedan restos). Se nota la presencia, aunque todavía en sus inicios (es decir antes de 1170), del Maestro dei Putti. Un tercer grupo trabajo a inicios del siglo XIII en las ménsulas de las ábsides menores. Se nota claramente la influencia de escuelas de Puglia. En cambio las del ábside central parecen más influidas por la escultura de Foggia.


Existen en la catedral tres grupos de bestiarios y temas vegetales: uno en el claustro, otro en el interior de la catedral y otro en el exterior. Este último en especial con las hojas esculpidas en los capiteles de las 180 columnas y algunas ménsulas: hojas de acanto y hojas de cardo (que simbolizan el triunfo sobre la tentación así como la virginidad). Los temas zoomórficos se encuentran en las ménsulas de las bandas lombardas, en las ábsides y en el diaconicon (con representaciones de toros, bueyes y gatos).


Los mosaicos de estilo normando-bizantino encargados por Ruggero II, cosa que queda atestiguada en el texto que aparece bajo ellos:

Rogerius rex egregius plenis pietatis
hoc statuit templum motus zelo deitatis
hoc opibus ditat variis varioque decore
ornat magníficat in Salvatoris honore
ergo structori tanto Salvator adesto
ut sibi summisos conservet corde modesto.
Anno ab incarnatione Domini Millesimo centesimo XLVIII
indictione XI anno V regni eius XVIII
hoc opus musei factum est...



Es interesante mencionar que se llama “structor” (constructor o arquitecto) al rey subrayando así su relación estrecha con la catedral ya que el soberano había decidido que ese templo sería su mausoleo. Los mosaicos se extienden por toda el ábside y los paños de la bóveda de crucería y por las paredes inmediatamente inferiores a ellos. Los temas representados son el Cristo Pantocrator: el más importante, separado y central; la Virgen y arcángeles; los apóstoles y los evangelistas; ángeles, querubines y serafines; profetas, santos y diáconos, santos guerreros y los Padres de la Iglesia oriental y occidental. Cada mosaico tiene su título escrito en griego o en latín y además es independiente sobre un fondo dorado. Las inscripciones mismas informan sobre las fechas de conclusión del trabajo que fue el año 1148 (habiendo comenzado en 1145 si se considera que en esa fecha el rey Ruggero II decidió que en esa catedral sería enterrado y los aspectos arquitectónicos que no preveían antes de esa fecha la presencia de los mosaicos). Se trata de temas bizantinos y de influencia constantinopolitana.


Los mosaicos del ábside han sido muy elogiados por la crítica desde 1860 cosa que no ha ocurrido con los de la bóveda y de las paredes además de las discusiones que se han dado en relación con su datación, los agrupamientos, etc. Los temas y técnicas de los mosaicos de las paredes recuerdan más bien la capilla palatina y por tanto, son más bien de tiempos de Guillermo I de Sicilia, el hijo y sucesor de Ruggero. Así, los mosaicos de la bóveda y los dos primeros de los paños (los Padres de la Iglesia y los santos diáconos) se habrían hecho en tiempos de Guillermo I y los restantes entre los años 1170 y 1175.

Aun cuando se ha intentado una interpretación de todo el conjunto a partir de un tema eucarístico, prima más bien la interpretación que parte del tema de la Ascensión como en otros conjuntos de mosaicos semejantes.

La inscripción latina alrededor del Pantocrator dice lo siguiente:

Factus homo factor, hominis factique Redemptor. Iudico corporeus corpora corda Deus.
(Yo) el creador (me) he hecho hombre. Yo Redentor del hombre y del hombre que hice. Juzgo en cuanto corpóreo los cuerpos, en cuando Dios los corazones

El techo del transepto, separado en tres tramos por los dos arcos apuntados que separan el centro de los laterales. Se nota el detalle decorativo de las columnas injertadas en las esquinas de la estructura portante del edificio, detalle común a otras edificaciones de la época
Cristo en la Cruz siglo XV

Pila Bautismal




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sábado, 22 de abril de 2017

JACOB JORDAENS


Pintor, dibujante y grabador flamenco. En 1607 entró como aprendiz en el taller de Adam van Noort, destacado pintor de figuras que había sido uno de los maestros de Rubens. En 1615 ingresó en el Gremio de San Lucas de Amberes como maestro pintor al temple y a la aguada. En 1616  data su primera obra firmada y fechada, La Adoración de los pastores (Metropolitan Museum of Art, Nueva York). Al año siguiente participó junto a Rubens, Van Dyck y todos los pintores relevantes de la ciudad en la serie de "Los misterios del Rosario" pintada para la iglesia dominica de San Pablo de Amberes. En 1628 Van Dyck, Rubens y él pintaron cuadros de altar para el nuevo templo de los agustinos; el de Jordaens es El martirio de santa Apolonia (Koninklijk Museum voor Schone Kunsten, ­Amberes). 

Mujer desnuda
En la década de 1620 presidió el Gremio, y está documentada la presencia de varios discípulos en su activo taller. En 1634 pintó uno de los arcos triunfales diseñados por Rubens para la entrada en Amberes al año siguiente del cardenal-infante don Fernando, nuevo gobernador de los Países Bajos españoles. En 1637 y 1638 co­laboró con Rubens en el ciclo decorativo destinado a la Torre de la Parada, un pabellón real de caza situado a las afueras de Madrid, siendo uno de los artistas que ejecutaron los lienzos grandes según los ­bocetos al óleo de Rubens. En 1639 recibió un importante encargo de Car­los I de Inglaterra, una serie de veintidós cuadros con la historia de Cupido y Psique para decorar la Queen's House de Greenwich; el intermediario en la negociación, Balthasar ­Gerbier, no le reveló la identidad del cliente, y el proyecto solo se ejecutó en parte. 
Adan y Eva en el

Paraiso Terrenal


En junio de 1640 Gerbier escribió a Inglaterra afirmando que, muerto Rubens, Jordaens era el ­pintor más importante de los Países Bajos del Sur. El artista terminó para Felipe IV de España dos lienzos que Rubens había dejado inacabados, y en 1642 se le pagó por La Visitación, un cuadro de altar para la iglesia de Nuestra Señora de Rupelmonde (ahora en Musée des Beaux-Arts de Lyon). De 1644 es el contrato de una serie de cartones para tapices sobre proverbios, tejidos por artesanos de Bruselas y adquiridos por el archiduque Leopoldo Guillermo, gobernador de los Países Bajos españoles desde 1647. En 1648 Jordaens recibió de la reina Cristina de Suecia otro encargo de relieve, un ciclo de treinta y cinco pinturas para el castillo de Uppsala; más tarde el rey Carlos Gustavo X le pediría doce escenas de la Pasión de Cristo. En 1649 fue llamado por Constantijn Huygens para la decoración del nuevo palacio de los Orange, "Huis ten Bosch", próximo a La Haya; Jordaens pintó el lienzo más importante de todo el programa, El triunfo del príncipe Federico Enrique.

Escena en la cocina (tapiz)

En 1666 el emperador Leopoldo I y el duque Carlos Manuel II de Saboya compraron juegos de tapices diseñados por él. En 1669, cuando contaba setenta y seis años, le visitó el pintor hamburgués ­Matthias Scheits y lo encontró pintando "diligentemente": afable y cordial, Jordaens le mostró su extensa colección de arte, que comprendía muchas obras de los maestros antiguos junto a las suyas. Murió el 18 de octubre de 1678, probablemente víctima de la peste que azotaba la ciudad.  Jordaens fue un artista muy variado, autor de cuadros de altar, asuntos de la mitología y el mundo clásico, escenas de género y retratos. Diseñó tapices y practicó el grabado al aguafuerte. 


Como Rubens, con quien colaboró estrechamente, tuvo un taller muy activo, con numerosos discípulos y ayudantes. Fue famoso fuera de su patria y vendió pinturas y tapices a los soberanos de los Países Bajos españoles, Inglaterra y Suecia; pero, a diferencia de Rubens y Van Dyck, no salió de su país, prefiriendo no hacer el acostumbrado viaje a Italia ni visitar cortes extranjeras. Su estilo, aunque influido por los de Van ­Noort y Rubens, es muy original: Jordaens pinta figuras grandes, frecuentemente desnudas, con pincelada suelta y colores intensos, a menudo realzados por una iluminación dramática. En sus últimos años se advierte un marcado descenso de la calidad achacable a la merma de sus facultades, pero eso no debe oscurecer los grandes logros de su madurez.


La caída de los gigantes es un episodio brevemente narrado por Ovidio en sus Metamorfosis, Libro I (151-155), en la cual los gigantes que habitaban la tierra querían llegar al cielo y por ello fueron castigados por los dioses: " Y para que el elevado cielo no estuviera más seguro que la tierra, los Gigantes, se dice, aspiraron al reino celestial, y levantaron montañas apiladas hasta las altas estrellas. Entonces el padre omnipotente lanzó su rayo, hizo añicos el Olimpo y derribó el Pelio de Osa que lo sostenía".El momento elegido es el de mayor tensión de la historia, algo común en muchas de las obras, centrándose en el peso de las rocas con las que intentaron alcanzar el cielo y que se volvieron contra ellos y los rostros de dolor de los gigantes. El rayo lanzado por Júpiter que causó su caída está sugerido en la parte alta de la composición.
 Menelao y Atalanta es una escena mitológica inspirada en las Metamorfosis del poeta romano Publio Ovidio Nasón, uno de los textos sobre mitología de la Antigüedad que mayor impacto intelectual tuvo en los artistas flamencos del siglo XVII. Según la narración de Ovidio, Diana había enviado un enorme jabalí para que asolase la región de Calidonia, en castigo porque su rey había desatendido los sacrificios prometidos a la diosa. Meleagro, hijo del rey y ejercitado cazador, organizó una batida reuniendo a los mejores cazadores del reino para matar al jabalí. Entre ellos acudió Atalanta, valiente cazadora que fue la primera en herir a la bestia y facilitar que pudiese ser abatida por Meleagro. En agradecimiento, éste otorgó a Atalanta la cabeza del jabalí, lo que provocó las murmuraciones y envidias del resto de los cazadores. Los tíos de Meleagro, ofendidos y considerándose con mayor derecho al trofeo, le arrebataron a Atalanta la cabeza del animal. Este gesto provocó la ira de Meleagro y condujo a una pelea que acabó con la vida de sus tíos. Tal acción tuvo como consecuencia el enfado de la madre de Meleagro, cuya intervención precipitó la repentina muerte del héroe, cumpliéndose así un antiguo vaticinio.Jordaens eligió el momento culminante de la fábula. Representó a la derecha de la composición a los tíos de Meleagro arrebatando el trofeo a Atalanta, y provocando el enfado del héroe que lleva la mano a la espada para darles muerte. Ella, en un tierno gesto de temor, intenta detener la furia vengativa de Meleagro. A la izquierda, el grupo de cazadores, completa la escena y marca el ritmo de la composición, conduciendo la mirada hacia el asunto principal a través de la posición de las armas, los brazos o el movimiento de los perros.
En el Amor de Cupido y Psique la escena se desarrolla en un jardín con elementos arquitectónicos que recuerdan a la Casa de Rubens; varias mujeres terminando el baño, se enjuagan y atavían. A la derecha se ve una fuente decorada con una estatua de Cupido que cabalga sobre un delfín. El centro de la composición está poblado de figuras femeninas que proceden a secarse y vestirse después del baño. Un genio les ofrece una cesta con frutas y vino, y otro lleva una bandeja con un pavo real, mientras un segundo pavo extiende su cola junto a la fuente. Por el aire revolotean otros grupos de geniecillos, descorriendo una cortina, sosteniendo un cuerno de la abundancia, o lanzando flores desde lo más alto, cerca de un papagayo que les mira. Debido a la dificultad iconográfica que presenta, esta composición, realizada hacia 1630, fue conocida en diferentes catálogos como El baño de Diana o Diosas y ninfas después del baño. Pero hoy en día, y a la vista de las muchas referencias al amor que en ella se detectan, se cree más probable que Jordaens aborde aquí el feliz desenlace de la leyenda de Cupido y Psique, recogida por el autor romano Apuleyo en su novela Metamorfosis o El asno de oro. La pintura mostraría así el momento en que Psique (la personificación del alma en la mitología clásica) procede a acicalarse, en compañía de algunas diosas y ninfas, para su boda con el dios del Amor. Se ha creído reconocer a Psique en la joven que tiende sus brazos hacia el joven alado, al que se ha identificado como Cupido. La inclusión de los pavos reales avalaría, asimismo, la presencia de Juno, diosa del matrimonio.
La escena se sitúa en un entorno ajardinado, donde se pueden observar varios animales en libertad y algunas esculturas, con lo que el artista trata de reflejar un ambiente señorial. La esposa, Catalina van Noort, aparece sentada junto a la hija pequeña. El pintor, en pie con la mano apoyada en un sillón, sostiene un laúd. Bajo él se postra un perro. Junto al grupo, una sirviente sujeta una cesta de uvas, como símbolo de la prosperidad familiar. Identificado como Jordaens a través de un grabado que refleja idénticas facciones, éste se representa como un perfecto caballero, ataviado con ropas elegantes e interesado por actividades intelectuales y nobles, como la música. La obra ha de relacionarse con el interés de los artistas flamencos durante el Barroco por dignificar su actividad profesional, mostrándose como miembros relevantes de su sociedad.La pintura fue realizada por Jordaens cuando se encontraba en la cumbre de su éxito profesional. Está documentada en 1746 en el Palacio de La Granja entre las pinturas de Felipe V.
Las bodas de Tetis y Peleo se narran en las Fábulas de Higinio (92):  Cuando se casaron Tetis y Peleo, se dice que Júpiter había invitado a todos los dioses al banquete excepto a Eris, la Discordia. Ésta se presentó más tarde, pero no fue admitida en el banquete. Así pues, ante todos lanzó por la puerta una manzana y dijo que la cogiera la más hermosa. Juno, Venus y Minerva comenzaron a reivindicar para sí el título de belleza y surgió entre ellas una gran discordia. Júpiter ordenó a Mercurio que las llevara al monte Ida, junto a Alejandro Paris, y que él actuara como juez".
Esta historia es importante porque es el inicio del famoso episodio El Juicio de Paris.Es uno de los episodios de mayor envergadura y mayor número de personajes, donde el movimiento, el dramatismo y la gran variedad de personas y posturas se diferencian con respecto a otros lienzos. Es el momento más dramático del episodio, algo común en muchas de las obras de la serie, en el que aparece la propia Eris al fondo representado como un personaje alado mientras que los novios, Tetis y Peleo, asisten algo apartados a la disputa que ya se empieza a notar entre Minerva, que se abalanza sobre la mesa, Venus, que aparece acompañada de Cupido, y Juno, sentada al lado de su marido, el cuál tiene ya la manzana en la mano a punto de dársela a Mercurio. El anciano situado detrás de Mercurio guarda relación con Tmolo, el juez de la obra Apolo vencedor de Pan. El cuadro aparece firmado en la silla de Peleo con la siguiente inscripción: "I. IR. fecit Ao 16". El resto de los números de la fecha no son visibles ya que el lienzo bordea el bastidor y tiene un listón en el lateral que no permite ver el final. 
En "cabeza de Viejo"El dibujo está hecho con dos lápices: lápiz negro para el perfil y lápiz grasa para las sombras.
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https://www.museodelprado.es/coleccion/obra-de-arte/la-caida-de-los-gigantes/8a026aa5-8f36-484a-a202-0786755e7bf3
https://www.museodelprado.es/aprende/enciclopedia/voz/jordaens-jacob/fa4c6181-4ccd-471c-af5f-2fd081e8cfbd
https://www.museodelprado.es/coleccion/obra-de-arte/meleagro-y-atalanta/586c368b-922a-4ebb-b7dd-ede4b63cb4c7
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viernes, 21 de abril de 2017

CASSIUS COOLIDGE Y PERROS JUGANDO AL PÓQUER



Cassius Coolidge o "Cash" como muchos de sus amigos le llamaban. Nacido el 18 de septiembre de 1844 hijo de Nathan y Martha Coolidge,granjeros que vivían en el norte de Nueva York. Los padres de Cassius fueron cuaqueros de la vieja escuela y presuntos abolicionistas.
La información de la infancia de Cassius es escasa, pero es sabido que el gastó mucho de su tiempo viajando entre pueblos cercanos de Filadelfia y Antwerp. Entre Marzo de 1861 hasta Agosto de 1863 fue enlistado como estudiante en el catálogo de trabajadores y estudiantes del Instituto Literario Liberal de Antwerp. No está claro que estudió Cassius allí. Sin embargo es sabido que en Marzo de 1864 "recibió certificados" de la universidad Estatal y Naciones de Negocios.

En 1871 o 1872, Cassius fundó el primer banco en Antwerp. Ganó la experiencia necesaria para dirigir el banco a través de los cursos tomados en la universidad de 'Eastmans', localizada en Poughkeepsie, una ciudad en el estado de Nueva York. Mientras estudiaba allí el aprendió contaduría, matemáticas y leyes comerciales. Durante este tiempo èl trabajó como contador en el banco de Eastmans. Fue ascendido a asistente de cajero. En 1889 el banco Cassius fue vendido a Johnd D. Ellis.

Cash tuvo muchos otros logros en la pequeña ciudad de Antwerp. En 1865 o 1866 trabajó en una farmacia que eventualmente compró con un amigo. Perdió el interés y vendió su parte. A pesar de que ya había tenido y vendida una farmacia, Cassius y su hermano John fundaron otra farmacia en Rochester, Nueva York en 1872. Esta farmacia fue vendida un dos años después. Cassius también fundó su primer periódico natal en 1871, llamado "The Antwerp News". Este periódico se fue a la bancarrota tiempo después.

Perros jugando al póquer,es una serie de pinturas realizadas por Cassius Marcellus Coolidge. En total 16 obras que muestran a perros con actitudes humanas, de las cuales 9 las mostraban jugando al póquer. En las otras se mostraba a los perros fumando cigarro, bailando, jugando al béisbol y declarando en la corte.

Encargado por cigarros Brown & Begelow en 1903, el pintor americano C.M. Coolidge pintó dichas 16 imágenes inolvidables de Dogs Playing Poker para la marca muestran a perros con actitudes humanas, de las cuales 9 las mostraban jugando al póquer. En las otras se mostraba a los perros fumando cigarro, bailando, jugando al béisbol y declarando en la corte.. Parodiados muchas veces en las tarjetas de felicitación y la cultura popular, esta serie de perros jugando a las cartas alrededor de una mesa es ampliamente reconocida como un verdadero icono.

Waterloo
Este cuadro tiene una llamada “Waterloo” en la que se completa la escena del primero. El San Bernardo gana la mano con un farol.

Posiblemente su cuadro más famoso sea “A friend in need”  en el que se ven 7 perros jugando al poker de madrugada y lo más llamativo es como uno de los bull dogs le pasa unAs a su compañero:

“His Station and Four Aces” es otra de las obras en las que unos bien vestidos perros se encuentran en un tren jugando al poker y en el que el revisor interrumpe la partida cuando uno de los perros tiene una mano con 4 ases
Stranger in Camp nos presenta un escena en la que un perro tiene una jugada formada por 4 ases y la escalera de color del compañero le vence en  la jugada.
Escena parecida es “Pinched With Four Aces”  en la que unos (perros) policias interrumpen lo que se supone es una timba ilegal y estropean el juego a uno de los perros con 4 ases.

Ten Miles to a Garage

A Bachelor's Dog

One to Tie Two to Win

Riding the Goat

New Year's Eve in Dog Ville

https://estrategiakarmawhore.wordpress.com/2009/07/07/perros-jugando-al-poker/
https://es.wikipedia.org/wiki/Cassius_Marcellus_Coolidge
https://es.wikipedia.org/wiki/Perros_jugando_al_p%C3%B3quer
http://www.entreelcaosyelorden.com/2012/06/la-serie-completa-de-cuadros-perros.html

jueves, 20 de abril de 2017

LOACHIM BEUCKELAER Y LOS CUATRO ELEMENTOS



Pintor flamenco de temas religiosos, escenas profanas y naturalezas muertas. Podría ser hijo del pintor Mattheus Beukeleere, inscrito en el Gremio de San Lucas de Amberes en 1535, pero del que no conocemos ninguna obra. Estudió con Pieter Aertsen, quien en 1542 se había casado con su tía Katelijne Beuckelaer. En 1560 contrajo matrimonio con Magdalena Schrijvers. Parece que tuvieron dificultades económicas y que, para subsistir, se vio obligado a trabajar para otros maestros pintores. Heredó de Aertsen no solo el nuevo repertorio iconográfico, sino que también adoptó su lenguaje estilístico y su forma de pintar y aseguró el éxito y la difusión de estas nuevas composiciones. Beuckelaer pintó tanto escenas religiosas clásicas como escenas de mercado. Se especializó en un tipo de pinturas de tema religioso asociado a una representación aparentemente profana. En ellas desarrolla un código visual que tiene su origen en Quinten Massys y en el que la yuxtaposición de planos, con la escena profana en primer término, encarnando el mal ejemplo, y la escena religiosa al fondo, en tonos apagados, le permite un juicio moralizante. La perspectiva se sirve, a menudo, de arquitecturas inspiradas en los tratados de Serlio y lleva la mirada del espectador hacia la escena religiosa. Su aportación al renacimiento se sitúa más bien en el campo de la iconografía, que materializa el nuevo gusto antuerpiense por la pintura más anecdótica y decorativa. La prioridad decorativa, los colores sorprendentes y las convenciones espaciales acercan la obra de Beuckelaer al manierismo internacional.
Muchas de sus pinturas contienen escenas de cocina y mercados, con alusiones religiosas en el fondo. Su serie sobre los Cuatro elementos, en la National Gallery de Londres, ejemplifica este tema a gran escala. La obra de Beuckelaer fue influyente en pintores del norte de Italia, en particular Vincenzo Campi.



.En este cuadro, ‘Aire’, diferentes tipos de aves se ofrecen para la venta, algunos todavía vivos en grandes cestos de mimbre, otros muertos y listo para arrancar. En el plato en el centro del primer plano son los conejos y los huevos a cualquiera otro en una cesta y un montón de quesos. En el centro de la composición, a la distancia, el hijo pródigo se muestra inclinado contra una mujer de una manera disoluta.


 En esta obra, el Agua, se muestra un mercado de pescado vendiendo doce tipos de pescado, representando a los Doce apóstoles de Jesús. A través de un arco en el fondo vemos a Jesús caminando sobre el mar de Galilea después de su resurrección, haciendo que los peces aparezcan milagrosamente en redes vacías.


 En este cuadro, ‘Tierra’, los productos de la tierra se presentan con gran fuerza: las verduras de la canasta en poder de la mujer a la izquierda, caen en cascada hacia el espectador. Dieciséis diferentes variedades de vegetales y frutas han sido identificados. Las diminutas figuras de la Sagrada Familia se puede ver cruzar un puente a lo lejos a la izquierda.


El fuego, es una de las obras más ambiciosas Beuckelaer, en esta obra se combina la naturaleza muerta de los cuartos traseros de carne con aves de corral en preparación para cocinar en el fuego, se utiliza un excelente uso de la perspectiva introduciendo múltiples puntos de fuga. Más allá de la cocina Cristo aparece sentado con Marta y María.

https://www.museodelprado.es/…/54dae664-7dd7-4cb4-a48a-170b…

https://encontrandolalentitud.wordpress.com/2013/01/17/joachim-beuckelaer-los-cuatro-elementos/

miércoles, 19 de abril de 2017

CARTUJA DE CHAMPMOL


Este establecimiento cartujo fue fundado a iniciativa del duque de Borgoña, Felipe el Atrevido , que proyectó en este lugar un panteón dinástico. La carta de fundación se redactó en 1385, al año siguiente dejó establecido en su testamento su voluntad de enterrarse en la cartuja, la construcción de la cual se comenzó en los años siguientes, la primera piedra de la iglesia se puso en 1383, la obra se llevó a cabo bajo la dirección del arquitecto Druet de Dammartin.


                                 La iglesia

 Portada de la iglesia
La Virgen, en el parteluz, entre los donantes:
Felipe el Atrevido y  Margarita de Flandes
Obra de Claus Sluter

Aquella iglesia fue consagrada en 1388 por el obispo de Troyes, y se puso bajo la advocación de la Trinidad, las otras construcciones anexas se fueron acabando en los años siguientes. En el coro monástico se construyó el sepulcro del fundador, fallecido en 1404. La tumba fue elaborada por Claus Sluter y otros colaboradores, este escultor trabajó también en otros elementos decorativos de la misma cartuja.

Portal de la iglesia
San Juan Bautista y Felipe el Atrevido

Virgen del parteluz de la
portada de la iglesia

A partir del 1420 se hizo también la tumba del sucesor de Felipe: Juan Sin Miedo (1371-1419) y de su esposa Margarita de Baviera, obra de Claus de Werve y Juan de la Huerta, siguiendo el modelo de sepulcro de su padre. Su sucesor, Felipe III el Bueno, y su esposa Isabel de Portugal también fueron enterrados en el coro, pero no se llegó a hacer una tumba monumental.
La Revolución acabó con la vida monástica (1790) y con las importantes obras de reforma que se hacían. La propiedad se vendió y ahora es un centro asistencial donde se conservan los escasos restos de la cartuja gótica: la iglesia, con un bello portal, y el Pozo de Moisés. Con el cierre, los bienes muebles se dispersaron, pero aún se conservan algunos elementos en varias localizaciones.
                                                                                            Interior de la iglesia

                                                                                                Interior de la iglesia

 

                                                                                     La cartuja de Champol, en 1574
                                                                                    Detalle de: Le vray pourtraict de la ville de Dijon
                                                                                                         Everard Bredin
                                                                                           Bibliothèque nationale de France

                                                                                                    Vidrieras del presbiterio

                                                                                                                El coro


                                                                                El Pozo de Moisés    
                                                             
                                                                    (Imagen: De Simonsara )
                                                                           

El Pozo de Moisés
Se trata de los restos de un calvario, una obra realizada por el escultor Claus Sluter entre los años 1395 y 1403. Se encontraba en el claustro de la cartuja y ahora sólo queda su base, donde figuran las imágenes de Moisés, David, Jeremías, Daniel, Isaías y Zacarías.

 
                                                                                           La cartuja de Champmol 
                                                                          (según un grabado de Alexis Piron 1686)                                                                                                                                                                                              
                                                                                                      


                                                                              Calvario con un monje cartujo (1430-40?)
                                                                                            Pintor borgoñón
                                                                                     Procedente de Champmol
                                                                                   Museo de Beaux-Arts de Dijon


                                                                 Retablo de San Jorge con un cartujo (siglo XV)
                                                                         Pintor borgoñón desconocido
                                                                            Procedente de Champmol
                                                                           Museo de Beaux-Arts de Dijon

                                                                                             Martirio de Sant Denis (1415?)
                                                                                                  Henri Bellechose
                                                                                            Procedente de Champmol
                                                                                               Museo del Louvre, Paris
                                                            

                                                                 
                                                                                  Tumba de Felipe el Atrevido
                                                                                     Museo de Beaux-Arts de Dijon

       La tumba de Felipe el Atrevido
Obra encargada en 1381 a Jean de Marville y que a partir de 1389 continuó Claus Sluter. Lo terminó Claus de Werve, que hizo la mayoría de llorones de la base y el yacente. En 1410 se pudo instalar el coro de los cartujos, una vez policromado por Jean Malouel. La estatua yacente se destruyó con la Revolución y la que ahora se encuentra en el museo es una reproducción del siglo XIX.

                                                                                           Tumba de Felipe el Atrevido
                                                                        

                                                                             Tumba de Felipe el Atrevido


                                                                           Tumba de Felipe el Atrevido

                                                                                          Retablo de la Crucifixión

                                                                                           Museo de Beaux-Arts de Dijon

Retablo de la Crucifixión
Encargado por Felipe el Atrevido a Jacques de Baerze que hizo la parte escultórica. En 1392 la pieza pasó a manos de Melchior Broederlam que añadió los dorados y las pinturas exteriores: en la izquierda la Anunciación y la Visitación, a la derecha la Presentación al Templo y la Huida a Egipto. La obra se terminó definitivamente en 1399.

                                  Retablo de la Crucifixión. Anunciación y Visitación

                                                                                           Retablo de la Crucifixión. Crucifixión


                                                       Retablo de la Crucifixión. Presentación y Huida a Egipto

                                                                                Tumba de Juan Sin Miedo y Margarita de Baviera
                                                                                                 Museo de Beaux-Arts de Dijon

La tumba de Juan Sin Miedo y Margarita de Baviera
Juan Sin Miedo había muerto en 1419, pero la tumba no la encarga Felipe el Bueno hasta el 1435. Claus de Werve tenía que cuidarse de su realización pero murió en 1439 sin empezarla. El trabajo se encargó a Juan de la Huerta que dejó la obra inacabada. Lo continuó a partir del 1461 Antoine de Moiturier y el 1470 sería instalada en el coro de los monjes, junto a la de su padre. Sigue el mismo estilo que aquella.

                                                                Tumba de Juan Sin Miedo y Margarita de Baviera

                                                              Tumba de Juan Sin Miedo y Margarita de Baviera

                                                         Tumba de Juan Sin Miedo y Margarita de Baviera

                                                                                   Retablo de santos y mártires
                                                                                   Museo de Beaux-Arts de Dijon


Retablo de santos y mártires
Encargado por Felipe el Atrevido a Jacques de Baerze que hizo la parte escultórica. El proceso de ejecución fue el mismo que el del retablo de la Crucifixión.

                                                                                   Retablo de santos y mártires
                                                                               

                                                   Retablo de santos y mártires. Santas Catalina de Alejandría y Bárbara





                                                                                 Les chartreux près Dijon (siglo XIX)
                                                                                      Bibliothèque nationale de France

 Bibliografía

- MONGET, Cyprien (1898). La Chartreuse de Dijon d'après les documents des archives de Bourgogne. Montreuil-sur-Mer: Notre-Dame des Prés
QUARRÉ, Pierre Quarré (1966). Dictionnaire des églises de France. II Centre et sud-est. Robert Laffont
- STARCKY, Emmanuel i altres (1992). Le Musée des Beaux-arts de Dijon. Prís: Musées et Monuments de France


http://arte.laguia2000.com/escultura/portada-de-la-cartuja-de-champmol-de-sluter
http://www.artehistoria.com/v2/museos/919.htm
http://www.monestirs.cat/monst/annex/fran/borg/cchamp.htm
https://es.wikipedia.org/wiki/Cartuja_de_Champmol
http://www.france-voyage.com/francia-ciudades/dijon-4478/cartuja-champmol-15206.htm